Exposition d'icônes dans la galerie Tretiakov. Exposition "Chefs-d'œuvre de Byzance" ou autre cadeau de Grèce

L'exposition « Chefs-d'œuvre de Byzance » est un grand et rare événement à ne pas manquer. Pour la première fois, toute une collection d'icônes byzantines a été amenée à Moscou. Ceci est particulièrement précieux car il n'est pas si facile de comprendre sérieusement la peinture d'icônes byzantines à partir de plusieurs œuvres du musée Pouchkine.

Il est bien connu que toutes les peintures d'icônes russes anciennes sont issues de la tradition byzantine, que de nombreux artistes byzantins ont travaillé en Russie. Il y a encore des différends au sujet de nombreuses icônes pré-mongoles quant à savoir si elles ont été peintes par des peintres d'icônes grecs qui ont travaillé en Russie ou par leurs talentueux étudiants russes. Beaucoup de gens savent qu'en même temps qu'Andrei Rublev, en tant que collègue principal et, probablement, enseignant, le peintre d'icônes byzantin Théophane le Grec a travaillé. Et apparemment, il n'était en aucun cas le seul des grands artistes grecs à avoir travaillé en Russie au tournant des XIVe-XVe siècles.

Et donc, pour nous, l'icône byzantine est pratiquement indiscernable de l'icône russe. Malheureusement, la science n'a pas développé de critères formels exacts pour déterminer la « russité » lorsque nous parlons d'art jusqu'au milieu du XVe siècle. Mais cette différence existe, et vous pouvez le voir de vos propres yeux lors de l'exposition de la galerie Tretiakov, car plusieurs véritables chefs-d'œuvre de la peinture d'icônes grecques nous sont parvenus du «Musée byzantin et chrétien» d'Athènes et de quelques autres collections.

Je tiens à remercier une fois de plus les personnes qui ont organisé cette exposition, et tout d'abord, l'initiatrice et la conservatrice du projet, une chercheuse à la galerie Tretiakov, Elena Mikhailovna Saenkova, la responsable du département de l'art russe ancien, Natalia Nikolaevna Sharedega , et l'ensemble du Département de l'art ancien russe, qui a pris une part active à la préparation de cette exposition unique.

Résurrection de Lazare (XIIe siècle)

La première icône de l'exposition. petite taille, situé au centre du hall dans la vitrine. L'icône fait partie d'une tibla (ou épistylion) - une poutre en bois peinte ou une grande planche qui, dans la tradition byzantine, était placée au plafond des barrières d'autel en marbre. Ces tabla étaient la base fondamentale de la future haute iconostase, qui naquit au tournant des XIVe-XVe siècles.

Au 12ème siècle, 12 grandes fêtes (les soi-disant Dodekaorton) étaient généralement écrites sur l'épistyle, et la Deesis était souvent placée au centre. L'icône que nous voyons à l'exposition est un fragment d'une telle épistyle avec une scène de la Résurrection de Lazare. Il est précieux que nous sachions d'où vient cet épistylion - d'Athos. Apparemment, au 19ème siècle, il a été scié en morceaux, qui se sont retrouvés dans des endroits complètement différents. Par dernières années les chercheurs ont réussi à en retrouver plusieurs parties.

Résurrection de Lazare. XIIème siècle. Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien, Athènes

"La résurrection de Lazare" se trouve au musée byzantin d'Athènes. L'autre partie, avec l'image de la Transfiguration du Seigneur, s'est retrouvée au Musée de l'Ermitage, la troisième - avec la scène de la Dernière Cène - se trouve au Monastère de Vatopedi sur l'Athos.

L'icône, n'étant pas une œuvre de Constantinople, ni une œuvre métropolitaine, démontre le plus haut niveau atteint par la peinture d'icônes byzantines au XIIe siècle. À en juger par le style, l'icône appartient à la première moitié de ce siècle et, avec une forte probabilité, a été peinte sur Athos même à des fins monastiques. En peinture, on ne voit pas l'or, qui a toujours été une matière chère.

Le fond doré, traditionnel pour Byzance, est ici remplacé par du rouge. Dans une situation où le maître n'avait pas d'or à sa disposition, il a utilisé un substitut symbolique à l'or - le rouge.

Nous avons donc l'un des premiers exemples d'icônes byzantines à dos rouge - les origines de la tradition qui s'est développée en Russie aux XIIIe et XIVe siècles.

Vierge à l'Enfant (début XIIIe siècle)

Cette icône est intéressante non seulement pour sa décision stylistique, ce qui ne rentre pas tout à fait dans la tradition purement byzantine. On pense que l'icône a été peinte à Chypre, mais il a peut-être participé à sa création. maître italien. D'un point de vue stylistique, il ressemble beaucoup aux icônes du sud de l'Italie, qui pendant des siècles ont été dans l'orbite politique, culturelle et influence religieuse Byzance.

Cependant, l'origine chypriote ne peut pas non plus être exclue, car au début du XIIIe siècle, il y avait des manières stylistiques complètement différentes à Chypre, et les maîtres occidentaux travaillaient également aux côtés des maîtres grecs. Il est tout à fait possible que le style particulier de cette icône soit le résultat d'une interaction et d'une influence occidentale particulière, qui s'exprime tout d'abord par la violation de la plasticité naturelle de la figure, ce que les Grecs ne permettaient généralement pas, et l'expression délibérée du dessin, ainsi que les détails décoratifs.

L'iconographie de cette icône est curieuse. Le bébé dessus est représenté dans une longue chemise blanche et bleue à larges rayures qui vont des épaules aux bords, tandis que les jambes du bébé sont nues. Une longue chemise est recouverte d'un étrange manteau, plus comme une draperie. Tel que conçu par l'auteur de l'icône, nous avons devant nous une sorte de linceul dans lequel le corps de l'Enfant est enveloppé.

À mon avis, ces robes ont une signification symbolique et sont liées au thème du sacerdoce. L'Enfant Jésus est également représenté à l'image du Souverain Sacrificateur. Cette idée est associée à de larges rayures-claves allant de l'épaule au bord inférieur - un élément important caractéristique greffier de l'évêque. La combinaison de vêtements blanc-bleu et doré est apparemment liée au thème des couvertures sur le trône de l'autel.

Comme vous le savez, le trône de l'église byzantine et de l'église russe a deux couvertures principales. La robe inférieure est un linceul, une couverture en lin qui est posée sur le Trône, et un précieux indium est déjà disposé sur le dessus, souvent en tissu précieux, orné de broderies d'or, symbolisant la gloire céleste et la dignité royale. Dans les interprétations liturgiques byzantines, en particulier dans les célèbres interprétations de Siméon de Thessalonique au début du XVe siècle, nous rencontrons précisément cette compréhension de deux voiles : le Suaire funéraire et les robes du Maître céleste.

Autre détail très caractéristique de cette iconographie, les jambes du Bébé sont nues jusqu'aux genoux et la Mère de Dieu lui pince le talon droit avec sa main. Cet accent mis sur le talon de l'Enfant est présent dans un certain nombre d'iconographies de la Theotokos et est associé au thème du Sacrifice et de l'Eucharistie. Nous voyons ici un écho du thème du Psaume 23 et de la soi-disant promesse d'Eden que le fils de la femme frappera le tentateur à la tête, et le tentateur lui-même poignardera ce fils au talon (voir Gen. 3:15).

Ainsi, le talon nu est à la fois une allusion au sacrifice du Christ et au Salut à venir - l'incarnation de la haute "dialectique" spirituelle de l'hymne de Pâques bien connu "La mort piétine la mort".

Icône en relief de Saint-Georges (milieu du XIIIe siècle)

Les icônes en relief, qui nous sont inhabituelles, sont bien connues à Byzance. Soit dit en passant, Saint George était assez souvent représenté dans le relief. Icônes byzantinesétaient en or et en argent, et il y en avait beaucoup (nous le savons grâce aux inventaires des monastères byzantins qui nous sont parvenus). Plusieurs de ces merveilleuses icônes ont survécu et peuvent être vues dans le trésor de la cathédrale de San Marco à Venise, où elles sont venues comme trophées de la quatrième croisade.

Les icônes en relief en bois sont une tentative de remplacer les bijoux par des matériaux plus économiques. Dans l'arbre, la possibilité de tangibilité sensuelle de l'image sculpturale a également attiré. Bien que la sculpture en tant que technique d'icône n'était pas très courante à Byzance, il faut rappeler que les rues de Constantinople étaient bordées de statues antiques avant sa destruction par les croisés au XIIIe siècle. Et les Byzantins avaient des images sculpturales, comme on dit, "dans le sang".

L'icône pleine longueur montre Saint Georges en prière, qui s'adresse au Christ, comme s'il descendait du ciel dans le coin supérieur droit de la pièce maîtresse de cette icône. Dans les marges - un cycle de vie détaillé. Deux archanges sont représentés au-dessus de l'image, qui flanquent l'image non conservée du "Trône préparé (Etymasia)". Il introduit une dimension temporelle très importante dans l'icône, rappelant la Seconde Venue à venir.

C'est-à-dire qu'il ne s'agit pas du temps réel, ni même de la dimension historique de l'histoire chrétienne antique, mais du temps dit iconique ou liturgique, dans lequel le passé, le présent et le futur sont tissés en un tout unique.

Dans cette icône, comme dans de nombreuses autres icônes du milieu du XIIIe siècle, certaines caractéristiques occidentales sont visibles. A cette époque, la plupart empire Byzantin occupée par les croisés. On peut supposer que le client de l'icône pourrait être associé à cet environnement. En témoigne un bouclier très non byzantin et non grec de George, qui rappelle beaucoup les boucliers avec les armoiries des chevaliers occidentaux. Autour des bords du bouclier se trouve un ornement particulier, dans lequel il est facile de reconnaître une imitation de l'écriture coufique arabe, à cette époque, il était particulièrement populaire et était considéré comme un signe du sacré.

Dans la partie inférieure gauche, aux pieds de Saint-Georges, se trouve une figurine féminine dans un vêtement riche mais très austère, qui tombe aux pieds du saint en prière. C'est le client inconnu de nous de cette icône, apparemment nommée d'après l'une des deux saintes épouses représentées au dos de l'icône (l'une est signée du nom "Marina", la deuxième martyre en robe royale est une image de St. Catherine ou Sainte Irina).

Saint-Georges est le saint patron des guerriers et, compte tenu de cela, on peut supposer que l'icône commandée par une épouse inconnue est une image votive avec une prière pour son mari, qui se bat quelque part en cette période très mouvementée et a besoin du patronage le plus direct du guerrier principal du rang des martyrs.

Icône de la Mère de Dieu avec l'Enfant avec le Crucifix au dos (XIVe siècle)

L'icône la plus remarquable artistiquement de cette exposition est la grande icône de la Mère de Dieu avec l'Enfant avec le Crucifix au dos. Il s'agit d'un chef-d'œuvre de la peinture de Constantinople, très probablement peint par un éminent, pourrait-on même dire, grand artiste de la première moitié du XIVe siècle, à l'apogée de la soi-disant "Renaissance paléologique".

À cette époque, apparaissent les célèbres mosaïques et fresques du monastère de Hora à Constantinople, connu de beaucoup sous le nom turc de Kahriye-Jami. Malheureusement, l'icône a été gravement endommagée, apparemment à cause d'une destruction délibérée : seuls quelques fragments de l'image de la Mère de Dieu avec l'Enfant ont été conservés. Malheureusement, nous voyons surtout des ajouts tardifs. Le chiffre d'affaires avec le crucifix est beaucoup mieux conservé. Mais ici aussi, quelqu'un a délibérément détruit les visages.

Mais même ce qui a été conservé parle de la main d'un artiste exceptionnel. Et pas seulement un grand maître, mais un homme au talent extraordinaire, qui s'est fixé des tâches spirituelles particulières.

Il supprime tout le superflu de la scène de la Crucifixion, se concentrant sur les trois personnages principaux, dans lesquels, d'une part, on peut lire la base ancienne qui n'a jamais disparu dans l'art byzantin - une étonnante plasticité sculpturale, qui, cependant, est transformée par énergie spirituelle. Par exemple, les figures de la Mère de Dieu et de Jean le Théologien semblent être peintes à la frontière du réel et du surnaturel, mais cette ligne n'est pas franchie.

La figure de la Mère de Dieu, enveloppée dans des robes, est peinte avec du lapis-lazuli, une peinture très chère qui valait littéralement son pesant d'or. Sur le bord du maforium, il y a une bordure dorée avec de longs glands. L'interprétation byzantine de ce détail n'a pas été conservée. Cependant, dans un de mes écrits, j'ai suggéré qu'il est également lié à l'idée du sacerdoce. Parce que les mêmes glands le long du bord de la robe, toujours complétés par des cloches dorées, étaient une caractéristique importante des robes du grand prêtre de l'Ancien Testament dans le temple de Jérusalem. L'artiste rappelle très délicatement ce lien intérieur de la Mère de Dieu, qui sacrifie son Fils, avec le thème du sacerdoce.

Le mont Golgotha ​​​​se présente sous la forme d'un petit monticule, derrière lequel est visible le muret de la ville de Jérusalem, qui est beaucoup plus impressionnant sur d'autres icônes. Mais ici l'artiste semble montrer la scène de la Crucifixion au niveau d'une vue à vol d'oiseau. Ainsi, le mur de Jérusalem est en profondeur, et toute l'attention due à l'angle choisi est concentrée sur la figure principale du Christ et les figures de Jean le Théologien et de la Mère de Dieu qui l'encadrent, créant une image d'une action spatiale exaltée.

La composante spatiale est d'une importance fondamentale pour comprendre le concept de l'ensemble de l'icône à deux faces, qui est généralement une image processionnelle perçue dans l'espace et le mouvement. La combinaison de deux images - Notre-Dame Hodiguitria d'une part et la Crucifixion - a son propre prototype élevé. Les deux mêmes images se trouvaient des deux côtés du palladium de Byzance - l'icône d'Hodiguitria de Constantinople.

Très probablement, cette icône d'origine inconnue reproduisait le thème d'Hodiguitria de Constantinople. Il est possible que cela puisse être lié à la principale action miraculeuse qui a eu lieu avec Hodiguitria de Constantinople tous les mardis, lorsqu'elle a été emmenée sur la place devant le monastère d'Odigon, et là un miracle hebdomadaire a eu lieu - l'icône a commencé à voler en cercle sur le carré et tourner autour de son axe. Nous en avons la preuve par de nombreuses personnes - des représentants différents peuples: et les Latins, et les Espagnols, et les Russes qui ont vu cette action incroyable.

Les deux faces de l'icône de l'exposition de Moscou nous rappellent que les deux faces de l'icône de Constantinople formaient la double unité indissoluble de l'Incarnation et du Sacrifice rédempteur.

Icône de la Mère de Dieu Kardiotissa (XVe siècle)

L'icône a été choisie par les créateurs de l'exposition comme icône centrale. Voici ce cas rare pour la tradition byzantine, quand on connaît le nom de l'artiste. Il a signé cette icône, sur le champ inférieur, il est écrit en grec - "Main d'un ange". Il s'agit du célèbre Angelos Akotantos, un artiste de la première moitié du XVe siècle, dont il reste un assez grand nombre d'icônes. Nous en savons plus sur lui que sur les autres maîtres byzantins. conservé toute la ligne documents, y compris son testament, qu'il a rédigé en 1436. Il n'avait pas besoin de testament, il est décédé bien plus tard, mais le document a été conservé.

L'inscription grecque sur l'icône "Mère de Dieu Kardiotissa" n'est pas une caractéristique de type iconographique, mais plutôt une épithète - une caractéristique de l'image. Je pense que même une personne qui ne connaît pas Iconographie byzantine, peut deviner de quoi il s'agit : nous connaissons tous le mot cardiologie. Cardiotisse - cardiaque.

Icône de la Mère de Dieu Kardiotissa (XVe siècle)

Particulièrement intéressante du point de vue de l'iconographie est la pose de l'Enfant qui, d'un côté, embrasse la Mère de Dieu, et de l'autre, comme renversé. Et si la Mère de Dieu nous regarde, alors l'Enfant regarde vers le Ciel, comme s'il était loin d'Elle. Une pose étrange, qui s'appelait parfois Leaping dans la tradition russe. C'est-à-dire que sur l'icône, il y a un bébé qui semble jouer, mais il joue d'une manière plutôt étrange et n'est pas du tout infantile. C'est dans cette position du corps renversé qu'il y a une indication, une allusion transparente au thème de la Descente de Croix, et, par conséquent, la souffrance de l'Homme-Dieu au moment de la Crucifixion.

Ici, nous rencontrons le grand drame byzantin, lorsque la tragédie et le triomphe ne font qu'un, une fête est à la fois le plus grand chagrin et en même temps une merveilleuse victoire, le salut de l'humanité. L'Enfant qui joue entrevoira son sacrifice à venir. Et la Mère de Dieu, souffrante, accepte le plan divin.

Cette icône contient la profondeur infinie de la tradition byzantine, mais si nous regardons de près, nous verrons des changements qui conduiront à une nouvelle compréhension de l'icône en très peu de temps. L'icône a été peinte en Crète, qui appartenait à l'époque aux Vénitiens. Après la chute de Constantinople, il est devenu le principal centre de la peinture d'icônes dans le monde grec.

Dans cette icône du grand maître Angelos, on le voit vaciller sur le point de transformer une image unique en une sorte de cliché pour des reproductions standards. Les images de trous de lumière deviennent déjà quelque peu mécanistes, ressemblant à une grille rigide posée sur une base en plastique vivant, ce qui n'a jamais été autorisé par les artistes d'autrefois.

Icône de la Mère de Dieu Kardiotissa (XVe siècle), fragment

Devant nous se dresse une image exceptionnelle, mais en un certain sens déjà limite, au tournant de Byzance et de l'après-Byzance, quand les images vivantes se transforment peu à peu en répliques froides et un peu sans âme. Nous savons ce qui s'est passé dans la même Crète moins de 50 ans après la peinture de cette icône. Nous avons conclu les contrats des Vénitiens avec les principaux peintres d'icônes de l'île. Selon un tel contrat en 1499, trois ateliers de peinture d'icônes devaient produire 700 icônes de la Mère de Dieu en 40 jours. En général, il est clair qu'une sorte d'industrie de l'art commence, le service spirituel à travers la création d'images saintes se transforme en un artisanat pour le marché, pour lequel des milliers d'icônes sont peintes.

La belle icône d'Angelos Akotantos est un jalon lumineux dans le processus séculaire de dévaluation des valeurs byzantines, dont nous sommes tous les héritiers. La connaissance de la véritable Byzance, la possibilité de la voir de nos propres yeux, que nous a donnée l'unique «exposition de chefs-d'œuvre» dans la galerie Tretiakov, est d'autant plus précieuse et importante.

« Chefs-d'œuvre de Byzance ». Il n'y a que 18 œuvres dans l'exposition, mais chacune d'elles est un exemple unique de son époque.

Poignée Kazei. Vers 1300. Fragment

Byzance - où est-ce?

Ange. Fragment de l'icône

Byzance est un État apparu sur la carte du monde en 395, après la chute de l'Empire romain et la division de son territoire en parties occidentale et orientale. À peine 80 ans après ces événements, l'Empire romain d'Occident a cessé d'exister et Byzance est restée le seul successeur à part entière de toutes les réalisations de Rome et de l'Antiquité. Sa capitale, Constantinople, commença à s'appeler la deuxième Rome. Ainsi, Moscou, en tant que capitale de l'État russe et successeur des traditions byzantines, a reçu le titre officieux de Troisième Rome. Princes russes mariés périodiquement Princesses byzantines pour mettre en évidence ce lien. L'état de Byzance a duré jusqu'en 1453, lorsque les Turcs ont capturé Constantinople, la transformant en Istanbul.

"Notre-Dame Hodiguitria", XIVe siècle

L'art byzantin s'est toujours tenu à la frontière entre l'art d'Europe occidentale (lire - catholique romain) et l'art d'Europe de l'Est (lire - ancien russe). Il a servi de filtre aux traditions et aux nouvelles tendances, qui ont ensuite eu une forte influence sur la formation des principes artistiques à Kiev, Vladimir et Novgorod, où les maîtres grecs et leurs étudiants sont allés travailler. L'icône "La Mère de Dieu Hodiguitria, avec les douze fêtes. Trône préparé", présentée à l'exposition, est une contemporaine des œuvres de Théophane le Grec, venu en Russie de Constantinople, le célèbre professeur du principal peintre d'icônes russe Andreï Roublev. Les maîtres russes ont d'abord copié des échantillons grecs, ajoutant parfois des éléments supplémentaires de l'image à l'image. L'image de "Notre-Dame Hodiguitria" ou "Guide" avec l'Enfant Jésus dans ses bras était l'une des plus courantes dans l'art byzantin et russe ancien. Ce type d'icônes comprend, par exemple, les icônes Tikhvin, Smolensk, Kazan et ibériques de la Mère de Dieu. Mais Icône Vladimir Mère de Dieu fait référence à un autre type - "eleusa" ou "tendresse". Contrairement à Hodiguitria, Eleusa presse l'Enfant contre elle et touche sa tête avec sa joue.

Pourquoi y a-t-il des icônes dans l'exposition, mais pas de sculptures ? Étaient-ils du tout?

Grand Martyr George, avec des scènes de sa vie

Oui, il y avait des images en bois du Christ dans l'art byzantin et russe ancien. Certains chercheurs pensent que le Concile de Nicée en 325 a interdit la création d'images sculpturales de saints. Ce n'est pas le cas: le Concile de Nicée a fait des prescriptions sur la façon dont les icônes doivent être peintes, mais il n'y avait pas de liste claire d'interdictions. Très probablement, le manque de large diffusion de la sculpture en Russie était dû au fait qu'au début, les prédicateurs chrétiens devaient combattre le paganisme et l'idolâtrie, de sorte que la tradition de l'art plastique en trois dimensions ne s'est pas développée. Bien que des images en bois aient en effet été créées à Novgorod et Pskov. L'exposition présente un relief tridimensionnel unique "Grand martyr George, avec des scènes de sa vie", où la figure du saint dépasse de la surface de l'icône. Également dans l'exposition, vous pouvez voir un katseya (encensoir) avec une image tridimensionnelle de la Mère de Dieu et un bel ornement ciselé le long du contour et un air brodé (voile) sur les dons sacrés, qui étaient utilisés dans les processions de l'église.

Il s'avère que tout l'art byzantin était religieux ?

Croix de procession. Fin du 10ème siècle

Non ce n'est pas. Byzance était un État laïc, bien que très pieux. A la cour des Comnènes, des Paléologues et des Anges, il y a toujours eu un grand nombre de maîtres glorifiant le luxe et la richesse de l'empereur avec leur art. Nombreux gobelets en argent, bols en or, décorés de pierres précieuses et émail, sculptures sur os et bijoux. Mais, malheureusement, ils ne sont pas présentés à l'exposition. Cette fois, des expositions de la collection du Musée byzantin et chrétien, du Musée Benaki et de la collection de Velimesis et Margaritis sont arrivées à la galerie Tretiakov. Ils sont situés dans des salles adjacentes avec des œuvres d'art russe ancien, afin que les clients puissent comparer ces versions de la peinture d'icônes orthodoxes et ressentir leur proximité et leurs caractéristiques uniques.

Il s'agit du troisième événement de l'année croisée de la Russie et de la Grèce, organisé avec la participation de la Galerie Tretiakov. L'inauguration de la première exposition en présence des chefs des deux États a eu lieu en mai 2016 au Musée byzantin et chrétien d'Athènes devant l'icône de l'Ascension d'Andrei Rublev. En septembre, une exposition d'icônes uniques et de sculptures en bois des XVe-XIXe siècles de la galerie Tretiakov a eu lieu à Athènes avec un grand succès.

Notre-Dame Hodiguitria, avec les douzièmes fêtes. Trône préparé (Etimasia).

L'échange culturel se poursuit avec l'exposition inaugurale d'œuvres d'art byzantin et post-byzantin provenant de musées et de collections privées en Grèce. "Chefs-d'œuvre de Byzance" est le troisième événement de l'année croisée de la Russie et de la Grèce, organisé avec la participation de la Galerie Tretiakov, qui poursuit l'échange culturel avec l'exposition d'ouverture de l'art byzantin et post-byzantin des musées et des collections privées en Grèce .

Fragment. Notre-Dame Hodiguitria, avec les douzièmes fêtes. Trône préparé (Etimasia).
Icône double face. Seconde moitié du XIVe siècle. Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Chaque icône présentée à l'exposition est un chef-d'œuvre. Mais parmi les chefs-d'œuvre, vous pouvez toujours trouver quelque chose qui vous enchantera. Notre attention a été littéralement attirée par l'icône "Jean-Baptiste, l'ange du désert". Regardez de plus près les détails, l'incroyable jeu de lumière, la brillance et la saturation de chaque trait, et en même temps, ressentez la puissance indescriptible qui émane de cette icône.

Jean-Baptiste Ange du Désert. Début du XVIe siècle.

L'image de Jean-Baptiste avec des ailes d'ange remonte aux paroles du prophète Malachie selon lesquelles la venue du Seigneur sera précédée de l'apparition de son ange, qui préparera le peuple d'Israël à une rencontre avec Dieu.

Bois, détrempe. Collection E. Velimesis - H. Margaritis.

Voici, j'envoie mon ange, et il préparera le chemin devant moi, et soudain le Seigneur que tu cherches entrera dans son temple, et l'ange de l'alliance que tu désires ; voici, il vient, dit l'Éternel des armées

Mal 3:1.

Fragment. Jean-Baptiste Ange du Désert. Début du XVIe siècle.
Bois, détrempe. Collection E. Velimesis - H. Margaritis.

Représenté comme un ascète ermite en manteau et himation, Jean se tourne vers le Christ avec une prière. En bas, à gauche, une hache est plantée entre les branches d'un arbre - détail illustrant les paroles de la prophétie eschatologique de Jean-Baptiste : "Tout arbre qui ne porte pas de bons fruits est coupé et jeté au feu".

Fragment. Jean-Baptiste Ange du Désert. Début du XVIe siècle.
Bois, détrempe. Collection E. Velimesis - H. Margaritis.

Entre autres crimes contre la justice, Jean a dénoncé Hérode Antipas, le tétrarque de Galilée, qui a enlevé sa femme (et en même temps la nièce des deux) Hérodias à son frère Hérode Philippe et l'a épousée, violant grossièrement la coutume juive. Pour cela, Jean a été emprisonné par le tétrarque.

Fragment. Jean-Baptiste Ange du Désert. Début du XVIe siècle.
Bois, détrempe. Collection E. Velimesis - H. Margaritis.

La fille d'Hérodias Salomé (non nommée dans les Évangiles par son nom) le jour de l'anniversaire d'Hérode Antipas "a dansé et a plu à Hérode et à ceux qui étaient couchés avec lui". En récompense de la danse, Hérode a promis à Salomé de répondre à toutes ses demandes. A l'instigation de sa mère, qui haïssait Jean pour avoir dénoncé son mariage, elle demanda la tête de Jean-Baptiste et "Le roi était triste, mais à cause du serment et de ceux qui étaient couchés avec lui, il ne voulut pas la refuser" (Marc 6:26). Un écuyer a été envoyé au cachot de John, qui lui a coupé la tête et, l'apportant sur un plateau, l'a donné à Salomé, et elle "l'a donné à sa mère".

Fragment. Jean-Baptiste Ange du Désert. Début du XVIe siècle. Bois, détrempe. Collection E. Velimesis - H. Margaritis.

L'exposition permet d'évaluer la perfection du travail des maîtres, ainsi que de comprendre les manières d'appréhender monde spirituel au Moyen Âge, révélant les nuances dans la coloration exquise des icônes, dans les miniatures luxueuses des manuscrits, sur les pages desquelles les artistes de Byzance ont cherché à recréer la beauté du monde montagnard.

A l'exposition, chacune des oeuvres est un monument unique de son époque. Les expositions offrent l'occasion de présenter l'histoire de la culture byzantine et de retracer l'influence mutuelle des traditions de l'art chrétien oriental et occidental.

Hospitalité Abraham. Première moitié du XVe siècle.

L'intrigue la plus fréquemment utilisée est la soi-disant "hospitalité (grec φιλοξενια) d'Abraham" - l'apparition de trois anges pour lui :
« Et le Seigneur lui apparut au chêne de Mamré, quand il était assis à l'entrée de la tente, pendant la chaleur du jour. Il leva les yeux et regarda, et voici, trois hommes se tenaient en face de lui. , il courut vers eux depuis l'entrée de la tente et se prosterna à terre, et dit : Seigneur, si j'ai trouvé grâce à tes yeux, ne passe pas à côté de ton serviteur ; et ils apporteront de l'eau, et ils te laveront pieds; et reposez-vous sous cet arbre, et j'apporterai du pain, et vous rafraîchirez vos coeurs; puis allez, car vous passez près de votre serviteur... Et il prit du beurre et du lait et un veau cuit, et le plaça devant eux , et lui-même se tint à côté d'eux sous un arbre. Et ils mangèrent.

(Gen. 18:1-8)

Dans la théologie chrétienne, trois anges symbolisent les hypostases de Dieu, qui sont considérées comme inséparables, mais aussi non fusionnées - comme la Sainte Trinité consubstantielle.

Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Fragment. Hospitalité Abraham. Première moitié du XVe siècle.
Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Fragment. Hospitalité Abraham. Première moitié du XVe siècle.
Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Fragment. Hospitalité Abraham. Première moitié du XVe siècle.
Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Fragment. Hospitalité Abraham. Première moitié du XVe siècle.
Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Fragment. Hospitalité Abraham. Première moitié du XVe siècle.
Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Fragment. Hospitalité Abraham. Première moitié du XVe siècle.
Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Une autre icône unique est la Mère de Dieu Hodiguitria. crucifixion.

Mère de Dieu Hodiguitria. crucifixion. Icône double face. XIVe siècle.
Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Au centre de la composition s'élève une croix avec le Sauveur crucifié. tension émotionnelle les événements ont trouvé leur expression dans les images de deux anges volant vers le Christ et dans la silhouette mince et tristement rétrécie de la Mère de Dieu, vêtue d'un précieux maforium bleu. De l'autre côté de la croix se trouve le jeune apôtre Jean le Théologien, dont l'image de la figure et des vêtements témoigne d'un regain d'intérêt pour les anciens classiques de l'art de l'ère paléologue.

Fragment. Mère de Dieu Hodiguitria. crucifixion. Icône double face. XIVe siècle. Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Fragment. Mère de Dieu Hodiguitria. crucifixion. Icône double face. XIVe siècle. Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Fragment. Mère de Dieu Hodiguitria. crucifixion. Icône double face. XIVe siècle.
Bois, détrempe. Musée byzantin et chrétien.

Chaque fragment de l'icône peut être regardé longtemps et émerveillé par sa beauté. L'icône est recto-verso et placée de manière à ce que vous puissiez voir les deux côtés. Marchez lentement autour de lui, revenez, regardez à nouveau dans les détails. Une occasion unique à ne pas manquer.

Venez au musée pour vous familiariser avec les œuvres uniques créées à Byzance. Voir les œuvres de maîtres anciens, trouver des similitudes et des différences avec les maîtres russes. Et obtenez un plaisir constant.
Vous pouvez lire la suite de notre histoire sur cette exposition et.

L'exposition durera jusqu'au 23 avril 2017.

Adresse du musée : Voie Lavrushinsky, 10. Directions vers la gare. station de métro "Tretyakovskaya" ou "Polyanka".
Heures d'ouverture: Mardi, mercredi, samedi, dimanche - de 10h00 à 18h00 (billetterie et entrée à l'exposition jusqu'à 17h00)
Jeudi, vendredi - de 10h00 à 21h00 (billetterie et entrée à l'exposition jusqu'à 20h00)
jour de congé - lundi
Prix ​​du billet: adulte - 500 roubles, préférentiel - 200 roubles. Lire la suite.
Gratuit - pour les moins de 18 ans et les autres catégories de citoyens.

Demain, une exposition d'objets uniques provenant des collections de musées grecs s'ouvrira à Lavrushinsky Lane

Galerie nationale Tretiakov
7 février - 9 avril 2017
Moscou, allée Lavrushinsky, 10, salle 38

L'exposition est organisée dans le cadre de l'année croisée de la culture de la Russie et de la Grèce. En 2016, l'icône de l'Ascension d'Andrei Rublev et toute une exposition d'icônes et de sculptures russes des XVe-XIXe siècles de la collection de la Galerie nationale Tretiakov ont été présentées à Athènes. L'exposition de retour à Moscou présentera 18 pièces (12 icônes, 2 manuscrits illustrés, objets liturgiques - une croix de procession, air, 2 katsei) provenant des collections du Musée byzantin et chrétien d'Athènes, du Musée Benaki, de la collection E. Vélimèse - H. Margaritis.

Les expositions datent de la fin du Xe - début du XVIe siècle et donnent une idée des différentes périodes de l'art byzantin et des différents centres artistiques. L'exposition permet d'apprécier la perfection du travail des maîtres, ainsi que de comprendre les manières d'appréhender le monde spirituel au Moyen Âge, révélant les nuances dans la coloration exquise des icônes, dans les miniatures luxueuses des manuscrits, sur le pages dont les artistes byzantins ont cherché à recréer la beauté du monde montagnard.

A l'exposition, chacune des oeuvres est un monument unique de son époque. Les expositions offrent l'occasion de présenter l'histoire de la culture byzantine et de retracer l'influence mutuelle des traditions de l'art chrétien oriental et occidental. Le premier monument de l'exposition est une croix de procession en argent de la fin du Xe siècle sur laquelle sont gravées des images du Christ, de la Mère de Dieu et des saints.

L'art du XIIe siècle est représenté par l'icône "La Résurrection de Lazare", qui incarne le style épuré et raffiné de la peinture de cette époque. La collection de la galerie Tretiakov contient une icône de Notre-Dame de Vladimir de la même époque, créée à Constantinople dans le premier tiers du XIIe siècle puis apportée en Russie.

L'une des pièces les plus frappantes de l'exposition est un relief à l'image du grand martyr George avec des scènes de sa vie. Il sert d'exemple de l'interaction entre les maîtres byzantins et d'Europe occidentale, qui a jeté les bases du phénomène des maîtres croisés - une page intéressante de l'histoire du XIIIe siècle. La technique de sculpture sur bois dans laquelle la figure de Saint-Georges a été réalisée n'est pas typique de l'art byzantin et a évidemment été empruntée à Tradition occidentale, tandis que le splendide cadre de timbres a été créé conformément aux canons de la peinture byzantine.

L'icône de la Mère de Dieu avec l'Enfant, peinte au début du XIIIe siècle, vraisemblablement par un maître chypriote, témoigne d'une voie différente d'influence mutuelle de l'art médiéval d'Orient et d'Occident. Dans la culture artistique de cette période, associée à la renaissance de l'empire et de la dynastie paléologue, le mouvement vers les traditions anciennes était perçu comme une recherche de son identité culturelle.

Le style d'art mature de l'ère Palaiologos appartient à l'image double face de la Mère de Dieu Hodiguitria, avec les Douze Fêtes. Le trône préparé » à la fin du XIVe siècle. Cette icône est contemporaine des oeuvres de Théophane le Grec. Les deux maîtres utilisent les mêmes techniques artistiques - en particulier, des lignes fines pénétrant les visages de la Mère de Dieu et de l'Enfant, symbolisant les énergies de la lumière divine. Cette image, évidemment, est une liste de l'icône miraculeuse de Constantinople Hodiguitria.

Plusieurs objets témoignent de la richesse des arts décoratifs et appliqués de Byzance, parmi lesquels un katseya (encensoir) représentant les grands martyrs Théodore et Démétrius et un air (voile) brodé sur les Saints Dons.

La technique des artistes était particulièrement virtuose, décorant les manuscrits avec des ornements exquis complexes dans des coiffes, des initiales et des miniatures avec des images des évangélistes. Le niveau de leur maîtrise est démontré par deux codes évangéliques - le 13e et le début du 14e siècle.

La période post-byzantine est représentée par trois icônes de maîtres grecs partis en Crète après la chute de Constantinople en 1453. Ces œuvres nous permettent de tracer la synthèse des trouvailles créatives de l'art européen et du canon byzantin traditionnel.

La tradition artistique byzantine a été à l'origine de la formation de l'art de nombreux peuples. Dès le début de la propagation du christianisme en Rus de Kiev Les artistes et architectes grecs ont transmis aux maîtres russes leurs compétences en matière de construction de temples, de fresques, d'icônes, de conception de livres et d'art de la joaillerie. Cette interaction culturelle s'est poursuivie pendant de nombreux siècles. Du Xe au XVe siècle, l'art russe est passé de l'apprentissage à la haute maîtrise, préservant la mémoire de Byzance comme source fertile qui a nourri spirituellement la culture russe pendant de nombreuses années.

L'exposition "Chefs-d'œuvre de Byzance" est située à côté des salles de l'exposition permanente de l'art russe ancien des XI-XVII siècles, ce qui permet au spectateur de tracer les parallèles et de voir les caractéristiques des œuvres d'artistes russes et grecs.

Commissaire du projet E. M. Saenkova.

Une source: Communiqué de presse de la Galerie nationale Tretiakov

Hier, l'exposition "Chefs-d'œuvre de Byzance" s'est ouverte à la galerie Tretiakov, organisée dans le cadre de l'année des communications interculturelles entre la Russie et la Grèce. Les icônes présentées, les manuscrits illustrés et les petits objets en plastique provenant de musées et de collections privées en Grèce appartiennent à différentes époques(du Xe au XVIe siècle), tendances stylistiques et des écoles territoriales et donnent une idée de la diversité et de la richesse du patrimoine artistique du grand empire chrétien d'Orient.

Le caractère unique et la valeur de l'exposition sont difficiles à exagérer. Premièrement, l'art byzantin est plutôt mal représenté dans les musées nationaux, et l'attention portée à cette culture la plus riche et la plus intéressante de notre pays est injustement faible. (Voici le préjugé ère soviétique contre l'héritage spirituel et ecclésiastique, et la difficulté de la perception de cet art sophistiqué, raffiné et sublime par le spectateur moderne moyen et mal préparé).

Deuxièmement, chacun des objets présentés est un chef-d'œuvre absolu, chacun est un témoin éloquent de la profondeur de la compréhension philosophique de l'être, de la hauteur de la pensée théologique et de l'intensité de la vie spirituelle de la société contemporaine.

La première pièce présentée à l'exposition est une croix de procession en argent fin de la fin du Xe siècle gravée d'images du Christ, de la Mère de Dieu et de saints. La sévérité des lignes et la perfection des proportions caractéristiques de l'époque sont complétées par l'élégance des médaillons gravés finement dessinés représentant le Christ Pantocrator, la Mère de Dieu et des saints.

L'icône à la forme rouge "La Résurrection de Lazare" remonte au XIIe siècle, un chef-d'œuvre de la soi-disant "Renaissance Comnène". Harmonie des proportions, raffinement et plasticité des gestes, figures corsées et volumineuses, regards expressifs et acérés - traits spécifiquesère. C'est le moment d'un retour à l'ancien principe fondamental, dont pourtant l'art byzantin, à la différence de l'art d'Europe occidentale, ne s'est jamais radicalement séparé. Par conséquent, en ce qui concerne Byzance, de telles périodes d'intérêt particulier pour l'esthétique de l'Antiquité ne peuvent être appelées "renaissances" que conditionnellement.

Dans ce contexte, l'icône du Saint Grand Martyr George est très intéressante, ce qui est un exemple rare de l'interpénétration des traditions occidentales et orientales. L'image en relief du saint dans la pièce maîtresse fait référence au soi-disant «art des croisades» du XIIIe siècle, lorsque Constantinople était sous le règne des chevaliers occidentaux pendant près d'un siècle et que des artisans européens sont arrivés dans la capitale orientale. Le genre du relief peint lui-même, caractéristique de la figurativité gothique, un volume arrondi et légèrement profilé, une expressivité quelque peu provinciale d'une figure aux grands bras et à la tête, une palette de couleurs locales et vives sont des caractéristiques évidentes de l'art "barbare". Cependant, le fond doré brillant et la peinture plus raffinée des poinçons trahissent la main maître grec. Dans les images hagiographiques dans les marges, les formes fractionnaires de bijoux, la plasticité élégante des figures, la coloration plus nuancée, soutenue dans les couleurs de la pièce maîtresse, et les traits fins et allongés du visage sont frappants.

Le retournement de l'icône représentant les saints martyrs Marina et Irina nous ramène à nouveau à l'expressivité «croisée» avec souligné grandes fonctionnalités des visages, des mains "parlantes" et des regards expressifs. Cependant, l'éclat des "lumières" dorées dans la tenue du Christ trahit l'admiration inconditionnelle de l'auteur pour les échantillons de Constantinople de la capitale.

Parmi tous les chefs-d'œuvre de l'exposition, la magnifique icône double face de la Mère de Dieu Hodiguitria et la Crucifixion du Musée byzantin et chrétien d'Athènes, datant du XIVe siècle, est particulièrement impressionnante. L'image monumentale à mi-corps de la Mère de Dieu avec l'Enfant dans ses bras est réalisée dans les meilleures traditions de l'école constantinopolitaine de la capitale de l'époque des Paléologues. C'est la figure statuaire de Marie, qui se détache sur un fond doré avec une silhouette élégante, et la grâce des gestes, et Ses traits d'une beauté exquise : des yeux en amande, un nez fin, une petite bouche rose arrondie, un gonflement, visage ovale de jeune fille. Ce serait une beauté presque terrestre, sensuelle, si ce n'était le rayonnement d'un autre monde, pénétrant ce visage parfait de rayons de lacunes, l'illuminant de lumière spirituelle.

Depuis le milieu du XIVe siècle, la peinture reflète le nouvel enseignement théologique et l'expérience spirituelle des moines hésychastes, disciples de saint Grégoire Palamas, sur les énergies divines incréées. C'est cette lumière, l'harmonie du silence qui transforme la composition fortement expressive de la crucifixion du Christ au dos de l'icône en une image surmondaine et trop émotionnelle, pleine de tristesse silencieuse et de brûlure priante. Sur un fond doré lumineux, la figure de la Mère de Dieu en deuil vêtue de robes bleues brillantes ressemble à une bougie avec une flamme dirigée vers le haut. Il est important de noter que malgré tout l'allongement et le raffinement des proportions, la base ancienne de tout le système artistique des Byzantins respire dans les moindres détails : par exemple, la posture de l'apôtre Jean incliné en larmes fait écho à la flexion du corps de Christ, qui donne mouvement et vibration à la composition statique.

Au tournant des XIVe et XVe siècles, il y a une grande icône de la Marina du Saint Martyr, peinte, bien sûr, dans la même tradition paléologue tardive que «l'Odegetria de la Mère de Dieu avec les douzièmes fêtes» de la seconde moitié du 14ème siècle. Les plus fines lacunes dorées imprègnent ces images, la lumière vibre et anime, spiritualise les images.

L'exposition présente également plusieurs icônes post-byzantines peintes après la chute de Constantinople en 1453. À cette époque, la Crète devint un grand centre artistique, mais peu à peu la peinture d'icônes grecques perdit l'expressivité monumentale et l'intensité spirituelle des images qui distinguaient les œuvres de leurs prédécesseurs.

A l'image de la Mère de Dieu Kardiotissa de la première moitié du XVe siècle, on a déjà tendance à orner le quadrillage des interstices, à la complexité des poses, à la fois dépliées, brisées et figées.

L'icône de Saint-Nicolas, réalisée vers 1500, se distingue par l'influence évidente de l'art de la Renaissance italienne dans le domaine de la couleur et de l'interprétation des plis. L'iconographie du saint sur le trône, qui s'est généralisée dans l'art post-byzantin, est intéressante.

Tant les manuscrits que les objets d'art décoratif et appliqué apportés à l'exposition sont uniques. Accompagnés de magnifiques icônes, ils plongent le spectateur dans l'univers sublime et raffiné de l'imagerie byzantine. Ils semblent reconstruire sous nos yeux les reflets de cette splendeur née de l'idée ancienne de la beauté, de l'expression orientale et de la plénitude spirituelle chrétienne.

L'essentiel dans cet art, comme dans cette exposition, c'est l'état d'envol et d'exultation transcendantale de l'esprit, pénétrant chaque image, chaque témoignage de ce pays étonnant où la théologie n'était pas l'apanage d'une minorité choisie, mais la base de la la vie de l'empire, où la cour royale vivait parfois selon la charte monastique, où l'art raffiné de la capitale pouvait apparaître aussi bien dans les régions reculées du nord de l'Italie que dans les temples rupestres de Cappadoce. Nous avons eu la chance de toucher les facettes inconnues de ce continent culturel, d'où a poussé un temps le vaste arbre de l'art russe.

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A propos de l'auteur

Critique d'art, spécialiste de la peinture byzantine, commissaire de projets d'exposition, fondateur de sa propre galerie art contemporain. Par-dessus tout, j'aime parler et écouter de l'art. Je suis mariée et j'ai deux chats. http://arsslonga.blogspot.ru/