Acméisme de la créativité de Gumilyov Akhmatova Mandelstam. L'acméisme et le mot de fer d'Anna Akhmatova

ACMEISME. N.GUMILEV, A.AKHMATOVA

CONFÉRENCE 8

La discussion sur le symbolisme en 1910 a mis en évidence la crise émergente du symbolisme russe, qui consistait dans le fait que ses représentants comprenaient la voie future de l'art de différentes manières. Les plus jeunes symbolistes (A. Blok, A. Bely, Vyach. Ivanov) prêchaient la "création de la vie" et la "théurgie". Bryusov a insisté sur l'autonomie de l'art et la clarté poétique. La réaction à la crise du symbolisme a été l'émergence de l'acméisme en tant que mouvement post-symboliste. Les acméistes et les symbolistes étaient réunis par un objectif commun - "la soif de culture", mais ils étaient séparés par une différence dans le choix des moyens d'atteindre cet objectif. N. Gumilyov est devenu le chef des écrivains qui ont nié toute abstraction dans l'art, la vision du monde symboliste.

Groupe d'acméistes de Saint-Pétersbourg ("acme" - grec, "acme" - le plus haut degré, puissance épanouie), parfois ils s'appelaient "adamistes", ᴛ.ᴇ. dans ce cas, "le premier peuple", établissant un parallèle avec le premier homme - Adam. Les acméistes n'ont pas montré un rejet agressif de toute la littérature du passé, ils n'ont nié que leurs prédécesseurs immédiats - les symbolistes. Un groupe d'acméistes - N. Gumilyov, A. Akhmatova, O. Mandelstam, G. Ivanov, M. Zenkevich, V. Narbut, M. Kuzmin - s'appelait "l'Atelier des poètes". La véritable proclamation du nouveau courant littéraire eut lieu en février 1912. Le nom et la charte de la "Boutique des Poètes" étaient centrés sur les traditions médiévales des corporations de métiers, ils s'appelaient eux-mêmes "syndics" de la Boutique, il y avait encore des étudiants. Les acméistes ont commencé à publier leur propre magazine, Hyperborea, mais seuls quelques numéros ont été publiés, principalement publiés dans le magazine Apollo, où l'article de programme de N. Gumilyov "L'héritage du symbolisme et de l'acméisme" est apparu dans le numéro 1 de 1913. Le but des acméistes était de se tourner vers la réalité, de revenir aux valeurs terrestres, à la clarté ou au « clarisme » du texte poétique. Οʜᴎ a cherché à libérer la poésie des pulsions symbolistes vers « l'idéal », la polysémie excessive, l'imagerie compliquée et la symbolisation. Au lieu de viser l'infini, les acméistes se sont proposés de plonger dans le monde culturel des images et des significations, ils ont adhéré au principe des associations culturelles. O. Mandelstam a qualifié l'acméisme de "désir de culture mondiale". "Clarisme" - le terme a été créé par M. Kuzmin à partir du "claro" espagnol - clair, le retour du mot à sa clarté d'origine, il estime qu'il est nécessaire de quitter les "brouillards" stylistiques du symbolisme et de revenir au normatif poétique. 1912-1914 est une période de montée en puissance de l'acméisme, de nombreuses représentations publiques. Mais en 1914, à l'occasion du départ de Gumilyov au front, la «boutique des poètes» se désintégra, puis des tentatives furent faites pour faire revivre l'ancien Commonwealth: en 1917 - Boutique II, en 1931 - Boutique III, mais les formations artificielles ultérieures n'ont pas affecter l'histoire de la littérature russe a eu un impact significatif.

Un trait distinctif des acméistes est leur asocialité- manque d'intérêt pour les questions sociales et civiles - souvent démonstratif. Leurs thèmes - récits d'aventures qui emmènent le lecteur dans des pays exotiques, intérêt pour la mythologie mondiale - sont associés à un manque d'attention à la vie moderne en Russie. L'ivresse de l'histoire de la culture, les stylisations culturelles et historiques sont un trait distinctif de leur poésie. L'acméisme était un cours notable de l'âge d'argent. Dans la diaspora russe, les traditions de l'acméisme étaient très appréciées. Les poètes de "l'école de Paris" ont continué à développer les principes de l'acméisme - G. Adamovich, N. Otsup, V. Nabokov, G. Ivanov.

Nikolai Stepanovich Gumilyov (1886-1921)

Gumilyov a étudié au gymnase de Tsarskoïe Selo, où le célèbre poète Innokenty Annensky était le directeur, après avoir obtenu son diplôme du gymnase, il part pour Paris, où il écoute des conférences à la Sorbonne, étudie la peinture et écrit de la poésie. De Paris en 1907, il fit son premier voyage en Afrique, puis revint en Russie, entra à l'Université de Saint-Pétersbourg. En 1910, il épouse A. Gorenko (Akhmatova), repart pour l'Afrique (en 1909 et 1910).

Trois périodes peuvent être distinguées dans son œuvre : la première (1905-1910) est pré-acméiste, la seconde (1911-1916) est acméiste précoce, (1917-1921) est acméiste tardive. Sa vie se termina tragiquement, il fut fusillé à l'âge de 35 ans, en 1921.

Le premier livre de poèmes - "Le Chemin des Conquistadors" (qu'il ne considérera plus tard comme son premier livre), 1908 - "Fleurs romantiques", 1910 - "Perles", dédié à V.B. - le professeur. Déjà dans les premiers recueils, le thème du chemin est indiqué, l'influence de Nietzsche se fait sentir, le poète se voit comme un magicien, rêveur, créateur de vie, capable de transformer un rêve en réalité. Les intrigues des poèmes se déroulent dans des situations exotiques - dans les abysses, dans des grottes, des donjons, sur les rives du Nil et du lac Tchad, dans la Rome antique, à Bagdad, au Caire, etc.

Je suis un conquistador dans une armure de fer,

Je cours gaiement après une étoile

Je marche à travers les abîmes et les abîmes

Et je me repose dans un jardin joyeux.

Aujourd'hui, je vois, ton regard est particulièrement triste,

Et les bras sont particulièrement fins, serrant leurs genoux.

Écoutez: loin, très loin sur le lac Tchad

La girafe exquise erre.

Le thème du Diable-Lucifer est souvent rencontré ("La grotte du sommeil", "Derrière le cercueil", "Smart Devil", "Ballade"), les métamorphoses sont fréquentes - le héros lyrique se transforme en jaguar. Le thème de la passion est incarné dans l'intrigue - l'apprivoisement d'une bête sauvage. L'héroïne lyrique ne croit pas en un monde magique, le "brouillard" de Saint-Pétersbourg ne devient qu'une réalité possible pour l'héroïne : "Mais tu as inhalé trop longtemps le brouillard épais." Elle ne veut croire qu'à la pluie. De nombreux poèmes sont construits sur l'antinomie du monde naturel et civilisé : l'héroïne du poème « Lac Tchad » est une femme noire, une femme africaine, tombée amoureuse d'un homme blanc, court avec lui, il laisse une femme à Marseille , elle danse nue devant des marins ivres. Très souvent, les héros sont des personnages exceptionnels des époques passées - Pompée, Béatrice, Caracalla, Sémiramis, Ulysse, Agamemnon, ils défendent toujours leur droit de choisir, jusqu'au droit - "de choisir la mort pour vous-même" ("Choix"). Souvent les héros de ses poèmes sont des leaders, des conquérants de l'espace, des chercheurs de nouvelles terres, le motif archétypal du recueil est le motif du chemin. Le chemin est ϶ᴛᴏ et surmonter l'espace géographique, et un voyage dans les profondeurs de l'histoire (Ulysse, capitaines), surmonter les limites de la vie humaine.

Soyez le capitaine ! S'il te plaît! S'il te plaît!

Au lieu d'une rame, on remet une perche...

Ce n'est qu'en Chine que nous jetterons l'ancre,

Même si nous rencontrons la mort en chemin !

Des intrigues d'errance, des images de vagabonds, des images empruntées à la mythologie antique et biblique, voire à la littérature mondiale (Homère, Dante, Rabelais, même Jésus-Christ est un vagabond). "Captains" - le cycle central de "Pearls" - ϶ᴛᴏ paroles néo-romantiques classiques - vieux forts, tavernes, pays où aucun pied humain n'a mis les pieds, mais les Capitaines n'ont aucun but.

La deuxième période de créativité (1911-1916) est une nouvelle étape. Le poète change son attitude envers l'art symboliste, il commence à chercher de nouvelles voies dans l'art. En 1911, est créé "l'Atelier des Poètes", dans les manifestes duquel est déclarée la "valeur intrinsèque" de chaque chose, non pas un symbole, mais une réalité vivante où tout est "lourd", tout est dense. Cette attitude envers l'intégrité du monde se reflète dans les nouveaux livres de Gumilyov : Alien Sky (1912), Quiver (1916). En 1913, le poète a mené une expédition en Afrique, était à Abessia, où il a recueilli le folklore, s'est familiarisé avec la vie des tribus africaines. En 1914, Gumilyov s'est porté volontaire pour le front, il a reçu deux croix de Saint-Georges, mais n'a pas oublié la créativité, a écrit des pièces de théâtre, des essais.

Dans ces livres, l'image de l'héroïne lyrique change particulièrement clairement: «Elle», «De la tanière du serpent», «Au coin du feu», «Un soir». Il y a un affrontement caché entre les héros, et une femme sort toujours vainqueur, ce n'est pas un "duel fatal" mais un duel de volontés, de personnages. "Au coin du feu" - le héros parle de ses voyages exotiques, quand il se sentait presque comme un dieu, et d'une fin inattendue: "Et, fondant dans les yeux du triomphe du mal / La femme du coin l'a écouté." Le héros de Gumilyov n'est pas faible, mais un tel dénouement se retrouve souvent dans la poésie. "Margarita", "Empoisonné" - un nouveau type de poème, construit sur un principe romanesque-ballade. Le héros lyrique lui-même change également, si auparavant le héros identifiait son chemin avec le chemin des surhommes de type Nietzsche, maintenant il essaie de comprendre la vie moderne, c'est devenu sa «seule consolation»: «Je suis poli avec la vie moderne .” Dans le poème "J'ai cru, j'ai pensé", le héros conclut que son ancien chemin de conquérant des "sommets, des mers" peut conduire à un abîme, à une chute dans l'abîme. Gumilyov voit un moyen de sortir de cette situation dans un appel à la vision du monde orientale, accepte la fusion de «tout avec tout»: «Et alors j'ai rêvé que mon cœur ne me faisait pas mal, / C'était une cloche en porcelaine en Chine jaune sur un hétéroclite pagode... Pendaison et sonnerie en guise de salutation / Dans le ciel d'émail, taquineries des troupeaux de grues. L'intérêt pour l'Orient reste longtemps nécessaire ; le poète crée même un livre de traductions libres, imitation d'anciens poètes chinois : « Le pavillon de porcelaine ». Cette réflexion fut interrompue par la guerre de 1914. Le héros lyrique de Gumilyov s'est retrouvé, son chemin est devenu destiné. Cela se reflétait vivement dans les "Pentamètres d'Iambas": "Et dans le rugissement de la foule humaine / Dans le bourdonnement des fusils qui passaient, Dans l'appel incessant de la trompette de combat / J'ai soudainement entendu le chant de mon destin / Et j'ai couru où les gens couraient.

La collection "Kolchan" reflète l'histoire de la Russie, les impressions militaires, le destin personnel du poète:

Le pays qui pourrait être le paradis

Devenu un repaire de feu

Nous entrons dans le quatrième jour

Nous n'avons pas mangé depuis quatre jours.

Mais la nourriture terrestre n'est pas nécessaire,

En cette heure terrible et lumineuse,

Parce que la parole du Seigneur

Mieux que le pain nous nourrit.

- son credo est devenu les mots :

Coeur d'or de la Russie

Bat paisiblement dans ma poitrine.

La troisième période est représentée par des recueils : « Bonfire » (1918) ; « Tente » (1921, tout le livre est consacré à l'Afrique) ; "Pillar of Fire" (1921, le titre du livre a une connotation complexe, comme il est d'usage d'appeler l'un des symboles du Bouddha).

La modernité, les événements de 1917-1920 que Gumilyov interprète comme une explosion spontanée, porteuse des germes du chaos et du démonisme. Pour expliquer ces processus destructeurs, il se tourne vers l'histoire et la mythologie russes anciennes : « Le Serpent » est la clé des problèmes de toute la collection ; Le "serpent ailé" - du folklore - s'est caché dans le jardin à minuit en mai, il kidnappe des filles la nuit, mais aucune n'était dans son palais, elles meurent en chemin, et "je jette les corps dans la mer Caspienne", Volga apparaît dans le rôle d'un combattant de serpent (dans le folklore était Dobrynya), car c'était la Volga dans le folklore qui protégeait la Sainte Russie des raids infidèles. Dans ce poème, la menace à l'intégrité nationale et étatique est transférée au passé, et dans le poème "L'Homme" cette humeur terrible est décrite, ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ est associé à l'apparition en Russie de Raspoutine - l'Antéchrist :

Dans la nature et misérable

Beaucoup de ces hommes

Entendu sur tes routes

Le joyeux grondement de leurs pas.

Le poème "Moi et toi" est une prophétie, une prévoyance, dont il y a beaucoup dans l'œuvre de Gumilyov:

Et je ne mourrai pas au lit

Avec un notaire et un médecin,

Et dans une fissure sauvage,

Noyé dans un épais lierre.

Dans "Ezbekiya" - un grand jardin du Caire est décrit, et le héros était tourmenté par une femme, il voulait mourir, mais cette beauté de ce jardin lui a permis de respirer le goût de la vie, il s'exclame : "Au-dessus du chagrin et plus profond que la mort c'est la vie." Dans La Colonne de feu (la collection est sortie en août 1921, alors que Gumilyov avait déjà été arrêté), une nouvelle compréhension de la personnalité apparaît. Dans le poème "Mémoire", l'auteur raconte sa vie, ses expériences, il voulait devenir un dieu et un roi, "Mais Saint George a touché deux fois / La poitrine intacte de Bullet", maintenant il ne sait pas comment sa vie va se terminer : " Je crierai... mais qui m'aidera pour que mon âme ne meure pas ? L'auteur du dernier livre est toujours préoccupé par la question de sa signification en tant que poète, de sa fin, de sa relation avec les lecteurs : « Mes lecteurs ». La puissance de ses visions prophétiques est particulièrement évidente dans le poème "The Lost Tram", ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ est interprété de différentes manières. Le tram apparaît soudain, il survole « trois ponts », emmène le poète « à travers la Néva, à travers le Nil et la Seine », ils « contournent le mur » et « se glissent dans un bosquet de palmiers ». Le déplacement du temps et de l'espace, l'enchaînement de toutes les mémoires est une conséquence du fait que le tramway « s'est perdu dans l'abîme du temps ». Le déplacement des repères provoque l'apparition d'images de morts :

Et, clignotant par le cadre de la fenêtre,

Nous a donné un regard inquisiteur

Le vieil homme mendiant - bien sûr, le même,

Qu'il est mort à Beyrouth il y a un an.

Les héros littéraires apparaissent comme de vrais personnages dont la mort provoque une douleur aiguë. La rupture des connexions entraîne le transfert de l'action au XVIIIe siècle:

Comment tu as gémi dans ta chambre,

Moi avec une tresse poudrée

Alla se présenter à l'impératrice,

Et je ne t'ai plus revu.

Mashenka est le nom de l'héroïne, on ne sait pas quel genre d'image, cela semble provenir de La fille du capitaine de Pouchkine, mais encore une fois, tout n'est pas si simple. Dans cette œuvre, tout est irréel, et la question « Où suis-je ? reste sans réponse : "Tu vois la gare où tu peux acheter un billet / Vers l'Inde de l'Esprit ?". Il y a ici des images absolument terribles et prophétiques :

Au lieu de chou et au lieu de rutabaga

Les têtes mortes sont à vendre.

et la tête de l'auror "gisait avec les autres / Ici dans une boîte glissante, tout en bas." Le poète voit à la fois le passé et le présent : le paysage bizarre de Saint-Pétersbourg avec le Cavalier de Bronze, les réminiscences, les souvenirs, les images de la littérature russe et mondiale, le début philosophique de la poésie.

Gumilyov considérait The Lost Tram comme une poésie mystique; ses intuitions sont liées à ses réflexions sur le destin spirituel de la Russie. Le poème se termine par le motif des funérailles à l'église de lui-même comme mort et la confession: "Il est difficile de respirer et ça fait mal de vivre."

Tant en prose que dans la poésie de Gumilyov, le passé, le présent et le futur sont présentés sous la forme d'un "flux de conscience", en croisant et en entrelaçant des états mentaux. Le poète l'appelait « réalisme hallucinant ; alliage en une seule image de l'état de conscience et de l'état du monde.

Dans les dernières œuvres de Gumilyov, l'espace culturel et temporel s'élargit. Pour expliquer les processus destructeurs de 1914-1920, il se tourne vers l'histoire et la mythologie russes anciennes. Il comprend les causes de la révolution russe - "masculine" dans l'esprit du grotesque, de la fantasmagorie, et le poète relie la rébellion révolutionnaire à la renaissance du début païen préchrétien (voir le verset "Homme"). A la recherche de forces capables de pacifier les "hommes libres spontanés", Gumilyov se tourne vers le passé historique de la Russie, il y trouve des situations similaires de l'époque "troublée", la confusion - l'exécution de Grishka Otrepyev, l'apparition de "jumeaux". Essayant de comprendre le tournant de son propre destin, qui, en fin de compte, est lié au destin universel, Gumilyov se tourne vers la "source ancestrale", à la recherche d'une mémoire générique et collective - "Great Memory". Le motif de la "grande mémoire" est projeté simultanément sur plusieurs théories philosophiques et mythologiques, mais l'essentiel est la recherche de sa patrie spirituelle et de son vrai "moi":

Et j'ai réalisé que j'étais perdu pour toujours

Dans les passages aveugles de l'espace et du temps,

Et quelque part coulent des rivières indigènes,

A qui mon chemin est à jamais interdit.

Anna Andreevna Akhmatova (1889-1966)

Anna Andreevna Gorenko (Akhmatova - un pseudonyme) est née près d'Odessa, dans la famille d'un officier, ses parents se sont séparés, a vécu avec sa mère, à Tsarskoïe Selo, près de Saint-Pétersbourg, puis à Kiev, a étudié aux cours supérieurs pour femmes, épousa Gumilyov en 1910, déjà dispersé en 1913. Le divorce a été finalisé en 1918. Elle a vécu principalement à Leningrad, est décédée à Moscou. Le principe fondamental de l'acméisme - être le plus haut degré de quelque chose - s'est incarné dans son travail, il a duré un demi-siècle et est devenu une mesure de compétence poétique. Akhmatova est une poétesse majeure du XXe siècle, le mot « poétesse » ne peut lui être appliqué. Les expériences personnelles, le destin du pays et des gens se reflètent dans sa poésie.

Ses premiers livres - "Evening" (1912), "Rosary" (1914) - la période initiale de créativité (1907-1914). Avec ses tout premiers livres, elle a montré que les paroles d'amour peuvent être «féminines», pas inférieures dans leur perfection et leur tragédie aux paroles «masculines», mais même dans les premiers livres, le sujet de ses poèmes est multiple - ϶ᴛᴏ et des poèmes sur sa ville bien-aimée ("Poèmes sur Saint-Pétersbourg") , il s'agit d'un sujet sur le rôle et le but du poète, les caractéristiques du don poétique. Les paroles d'Akhmatova sont de nature confessionnelle et souvent autobiographique, mais l'héroïne de la poésie a un look différent, des apparences différentes - une fille naïve, une beauté sophistiquée, une amante abandonnée, une vieille femme, une simple femme russe. Dès le début, les critiques ont noté une telle caractéristique de sa poésie comme une prose "romantique", psychologique. Ses poèmes s'appelaient des nouvelles, des nouvelles, mais cela ne doit pas être pris au pied de la lettre, dans la plupart des poèmes, ce n'est pas une présentation d'événements, mais une "imposition" d'une perception sur une autre, ce sont des histoires sur un "moment" , mais généralement ils ont deux aspects ͵ ils sont présents simultanément :

Elle joignit les mains sous un voile noir...

« Pourquoi es-tu pâle aujourd'hui ?

- Parce que je suis la tristesse acidulée

Ivre-le ivre -

La toute première phrase est dramatique et significative, mais l'information est claire, le lecteur comprend immédiatement qu'un drame s'est produit - peu importe qui pose la question, alors l'auteur introduit l'épisode culminant qui est déjà resté dans le passé.

Comment puis-je oublier? Il est sorti en titubant

Bouche tordue douloureusement...

Je me suis enfui sans toucher la balustrade

Je l'ai suivi jusqu'au portail.

À bout de souffle, j'ai crié: "Joke

Tout ce qui s'est passé avant. Si tu pars, je mourrai."

Souriait calmement et effrayant

Et il m'a dit : "Ne reste pas dans le vent."

Cette réponse est encore plus impressionnante que les mains jointes sous le voile. La tragédie des situations est présente dans de nombreux poèmes d'Akhmatova, mais ils ont souvent aussi des notes lumineuses. Le monde intérieur des héros d'Akhmatova est véhiculé à travers une description de l'apparence des personnages, leurs traits de portrait ("votre profil est mince et cruel"), les coiffures ("Et se cache dans les tresses emmêlées / Une légère odeur de tabac"), les chiffres ( « Je mets une jupe moulante, Pour paraître encore plus mince »), par le reflet dans le miroir ou dans la perception d'inconnus (« Et des regards condamnables / Des femmes bronzées calmes »). L'apparence des personnages change très rapidement : expressions faciales("Les lèvres sèches sont bien fermées"), gestes("Les mains élancées brisent les malades"), vue("Comment puis-je connaître vos opinions têtues / insatisfaites"), démarche("Il est sorti stupéfiant") personnage le discours lui-même, souvent interrompu ("C'est tout... Oh, non, j'ai oublié / Je t'aime").

Pour transmettre l'état intérieur de ses personnages, Akhmatova utilise des images "réalistes" ("Oublié sur la table / Fouet et gant"), des détails intérieurs ("Tapis usé sous l'icône"), des traits vestimentaires ("Dans une robe grise de tous les jours, / Sur des talons usés »), des bijoux (« Quelle belle bague lisse »), etc. Akhmatova utilise activement le symbolisme des couleurs, le symbolisme des fleurs ("Je porte un bouquet de levkoy blanc", "Et seulement une tulipe rouge, la tulipe est dans ta boutonnière"), des arbres, des oiseaux (cigogne, paon), des minéraux ("A le diamant s'y réjouit et rêve l'opale").

Psychologiquement colorés dans les paroles d'Akhmatova sont l'heure de la journée, la saison, même le temps - cette technique remonte aux traditions du folklore, au parallélisme psychologique ("Le roi aux yeux gris", où le soir, l'automne, le coucher du soleil prédisent la décoloration, le proximité de la mort, lorsque l'héroïne a appris la mort de son ancien amant). L'un des premiers poèmes les plus célèbres - «Le chant de la dernière rencontre» - transmet des sensations physiques: une démarche, un acte («Je mets un gant sur ma main droite de ma main gauche»), des sensations subjectives. L'héroïne se retourna et vit qu'elle était partie foncé maison, feu de bougie jaune désintéressé.

La deuxième période (1915-1923) a coïncidé, selon Akhmatova, avec le fait que le vrai XXe siècle était arrivé, elle le comptait depuis 1914. Au cours de ces années, des livres ont été publiés: "The White Flock" (1917), "Plantain" (1921), Anno Domini (1922, "In the Year of the Lord" - lat.). la gamme thématique de sa poésie s'élargit ; le thème de l'amour ne s'efface pas, mais l'héroïne elle-même change. Si dans les premières paroles prévalaient les situations de triomphe d'un homme sur l'héroïne, maintenant la femme est le plus souvent forte, non seulement elle prie, mais elle exige aussi, résiste à la volonté de quelqu'un d'autre, elle est capable de répondre à l'homme: "Tu obéissant? Tu es devenu fou / Je n'obéis qu'à la volonté du Seigneur.

Dans la poésie d'Akhmatova, un thème apparaît qui deviendra finalement le principal de son travail - elle se rend compte qu'elle peut être la voix du peuple. Akhmatova utilisait souvent le pronom «nous» dans ses premières paroles, mais cela signifiait s'unir à son amant («Nous voulions de la farine piquante / Au lieu d'un bonheur serein»), maintenant ce «nous» signifie plus souvent l'unité avec le peuple («Nous pensions nous sommes pauvres...)

En général, le thème de l'exil et de l'émigration est l'un des plus douloureux de cette période pour le poète. Elle avait aussi une signification personnelle pour Akhmatova, puisque son ami Boris Anrep a décidé de quitter le pays et a appelé Anna avec lui (il vivait en Angleterre, un mosaïste, ils se sont rencontrés dans la vieillesse, un anneau noir avait une grande signification symbolique pour elle, elle a donné ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ avant de se séparer, et L'homme ne s'en souvenait pas. La décision de rester dans leur patrie et de partager leur sort avec leur peuple est fondamentale pour Akhmatova, c'est un choix moral. Une analyse du poème «Quand dans l'angoisse du suicide» peut servir d'exemple d'approche «politique» de la créativité artistique: les quatre dernières lignes n'ont pas été imprimées en émigration, il s'est avéré que l'ange appelait la poétesse à la quitter patrie. Les huit premières lignes n'ont pas été imprimées dans les publications soviétiques, et il s'est avéré que c'était le tentateur du diable qui appelait à quitter la patrie. Le sens et le sel de ce poème est précisément dans la proximité des lignes initiales et finales. La "capitale princière" est profanée, mais la mission de l'héroïne lyrique est d'essayer de sauver cette ville.

Quelques années plus tard, Akhmatova écrit un poème tout aussi célèbre, dans lequel elle raconte à nouveau au monde la cruelle vérité sur les épreuves qui ont frappé ceux qui sont restés en Russie, mais il s'agit aussi de la foi en cette nouvelle chose incompréhensible qui est née en russe. la vie.

Tout est pillé, trahi, vendu,

L'aile de la mort noire a clignoté,

Tout est dévoré par un désir affamé,

Pourquoi est-il devenu lumière ?

Elle a pris une décision sensée de rester dans sa patrie, elle pensait qu'à l'avenir, ce serait difficile pour les émigrants qui avaient perdu leur patrie. elle estime que: "dans l'évaluation du retard / Chaque heure sera justifiée."

Je ne suis pas avec ceux qui ont quitté la terre

Être déchiré par des ennemis

Je ne tiendrai pas compte de leur grossière flatterie,

Je ne leur donnerai pas mes chansons.

Mais l'exil me fait éternellement pitié.

Comme un prisonnier, comme un patient.

Sombre est ta route, vagabond,

L'absinthe sent le pain de quelqu'un d'autre.

Dans la poésie d'Akhmatova, il y a beaucoup de réflexions sur la créativité, sur le "métier sacré", comme elle l'appelait - ϶ᴛᴏ poèmes séparés et cycles entiers. Elle érige sa Muse sur un haut piédestal, n'hésite pas à mettre en corrélation sa Muse avec celle qui a servi Dante lui-même.

Et donc elle est entrée. Remonter le couvercle

Elle m'a regardé attentivement.

Je lui dis : « As-tu dicté à Dante

Des pages d'enfer ? Réponses : "Je suis".

Elle se considère comme l'héritière des grands maîtres, elle a souvent des motifs de Tsarskoïe Selo, par exemple des poèmes du cycle "In Tsarskoïe Selo" (1911).

Un jeune à la peau sombre errait dans les ruelles,

Au bord du lac triste,

Et pendant des siècles nous chérissons

Bruit de pas à peine audible.

Aiguilles de pin densément et fortement

Couvrir les souches basses...

Ici reposait son bicorne

Et les Tom Guys échevelés.

Bien sûr, Akhmatova pouvait parler de créativité poétique et directement, sans toutes sortes d'allusions grandiloquentes, d'allusions aux classiques des siècles précédents;

Quand sauriez-vous à partir de quelles ordures

Les poèmes poussent sans vergogne.

Comme un pissenlit jaune près de la clôture

Comme la bardane et le quinoa.

Depuis la seconde moitié des années 1920, les chercheurs comptent la troisième période des travaux d'Akhmatova (1924-1966). Mais il faut dire que dans les années 1920 et 1930 elle n'était pratiquement pas publiée ; par rapport aux années précédentes, elle écrivait peu, souvent « sur la table ». Au cours de ces années, Akhmatova a étudié le travail de Pouchkine, ses études Pouchkine peuvent constituer un volume séparé. Akhmatova et Gumlev ont eu un fils, le célèbre historien de l'eurasianisme Lev Gumilyov. Au cours de cette période, le fils a été arrêté trois fois en 1935, 1938 et 1949. La terrible expérience personnelle de rester dans les prisons pendant de nombreux mois est devenue l'une des raisons qui ont poussé Akhmatova à écrire le poème "Requiem" (1935-1940), le leitmotiv du poème - "J'étais alors avec mon peuple / Où mon peuple , malheureusement, étaient .. .". Le deuil maternel lui a permis non seulement de se sentir impliquée dans la tragédie du peuple, mais aussi de devenir leur voix :

Ils t'ont emmené à l'aube

Derrière toi, comme sur un plat à emporter, j'ai marché,

Les enfants pleuraient dans la chambre noire,

Chez la déesse, la bougie a nagé.

Les icônes sur vos lèvres sont froides.

N'oublie pas la sueur de la mort sur ton front.

Je serai comme des femmes de tir à l'arc,

Hurlez sous les tours du Kremlin.

La tragédie personnelle et la tragédie du peuple sont comprises à travers les parallèles évangéliques et l'image de la Mère de Dieu debout à la crucifixion du Fils-Sauveur.

Madeleine se battait et sanglotait,

L'élève bien-aimé s'est transformé en pierre,

Mais là où la mère se tenait silencieusement,

Alors personne n'a osé regarder.

Des parties séparées du "Requiem" ont été créées à des moments différents, mais le poème a une unité, une unité de problèmes, une structure, une intrigue lyrique (Arrestation - Attente - Condamnation à mort - Crucifixion), il y a une dédicace, une introduction et un epiloᴦ. De nombreux passages sont proches des lamentations folkloriques, des lamentations funèbres : « Le mari est dans la tombe, le fils est en prison / Priez pour moi ». Elle a également créé l'image d'une personne quittant la vie: "Et l'étincelle bleue des yeux bien-aimés / les dernières couvertures d'horreur." L'héroïne en deuil du poème devient une interprète du chagrin de la nation : à la fois en tant que « prisonnière », elle exprime toute la douleur de la souffrance féminine, et en tant que poète, elle dit avec un calme élevé que « des centaines de millions de personnes » crient avec sa « bouche tourmentée ». L'image du monument à la fin du poème suggère un autre motif transversal - le motif de la pétrification du chagrin: "Et le mot de pierre est tombé / Sur ma poitrine encore vivante", "Il faut que l'âme soit pétrifiée", "Les yeux terribles de Son - souffrance pétrifiée." Le poème a plusieurs niveaux de généralisation - le sort de l'auteur, le sort du peuple soviétique dans les années 30 du XXe siècle, le sort du peuple russe à différentes périodes de l'histoire tragique de la Russie (rébellion des strelets à la fin du 17ème siècle, le sort des cosaques du Don à l'époque soviétique, etc.), et enfin le sort de l'humanité dans l'Histoire sacrée ("Crucifixion"), et l'idée principale de l'auteur est d'affirmer l'égale grandeur des destins de les individus et le peuple dans son ensemble.

Pendant la Grande Guerre patriotique, Akhmatova est devenue une poétesse populaire et nationale, ses paroles acquièrent un pathétique civil: "Leningrad en mars 1941", "Et vous, mes amis du dernier projet!" Dans le poème "Courage" (1942), l'idée de l'importance de préserver la langue russe, sans laquelle il n'y a pas de nation russe et d'histoire russe, sonne:

Nous savons ce qui est sur la balance maintenant

Et ce qui se passe maintenant.

L'heure du courage a sonné à nos horloges,

Et le courage ne nous quittera pas.

Ce n'est pas effrayant d'être mort sous les balles,

Ce n'est pas amer d'être sans abri -

Mais nous vous tiendrons, discours russe,

Grand mot russe.

Son voisin dans un appartement communal, le garçon Valya Smirnov, est mort sous les bombardements, son image acquiert une signification symbolique généralisée, c'est une épitaphe à tous les enfants morts :

Frappez avec votre poing - je vais ouvrir.

Je me suis toujours ouvert à toi.

Je suis maintenant derrière une haute montagne,

Au-delà du désert, au-delà du vent, au-delà de la chaleur,

Mais je ne te trahirai jamais.

Akhmatova écrit son œuvre finale "Un poème sans héros" pendant longtemps, de 1940 à 1962. Cette œuvre reflète l'ère de l'âge d'argent, la révolution, voire l'élan de liberté pendant la Seconde Guerre mondiale. L'intrigue était basée sur une longue histoire - le suicide d'un jeune garçon, le poète Vsevolod Knyazev en 1913, il était amoureux sans partage de la belle Olga Glebova-Sudeikina, la petite amie d'Akhmatova. Dans ce contexte, l'atmosphère de la vie et de la vie de Saint-Pétersbourg d'avant-guerre est recréée, c'est la jeunesse de la poétesse et de son entourage, ainsi que les événements dramatiques des années suivantes, quand «pas un calendrier - le vrai XXe siècle » est venu. Dans le kaléidoscope de visages représenté, de nombreuses images et motifs clignotent - Faust, Don Giovanni, Salomé. Dans cette atmosphère excitée de décomposition générale, des motifs mystiques résonnent également - par exemple, la figure de Méphistophélès, le seigneur des ténèbres, apparaît. L'une des images centrales est Pétersbourg, que la poétesse perçoit comme sa ville natale, sur laquelle pèse une malédiction. Parmi les "héros" reconnaissables du poème figurent Blok (Démon), Mayakovsky (Milestone), Isaiah Berlin (Invité du Futur), O. Mandelstam, O. Glebova-Sudeikina. M. Kuzmin et autres L'auteur ne mentionne pas le nom de Gumilyov, bien qu'elle souligne que la censure le cherchait en vain, mais une grande partie du poème est basée sur son absence. En raison de la saturation du poème avec des souvenirs et des expériences personnelles, il a une cryptographie spéciale, ce qui rend le poème obscur pour beaucoup: "La boîte a un triple fond / Mais j'avoue que j'ai utilisé / De l'encre sympathique." L'image d'un miroir apparaît tout le temps, elle devient un leitmotiv traversant : "J'écris avec une lettre miroir." Il y a beaucoup de réminiscences et d'allusions dans le poème, et elles ne se réfèrent pas à des textes spécifiques, mais à diverses œuvres des auteurs de l'âge d'argent et de leurs prédécesseurs. Une fixation précise de l'atmosphère de l'âge d'argent avec son esprit créatif et anarchique est projetée sur le destin ultérieur de la Russie, son martyre et son héroïsme pendant la Seconde Guerre mondiale. Le poème se termine par l'image d'une patrie divisée, la Russie divisée en deux. Derrière l'imbrication des associations et des allusions de l'auteur, une pensée claire surgit : en abandonnant la pose tragique ou héroïque, l'auteur assume les péchés et les délires de toute une génération, partageant avec lui la responsabilité du sort de son peuple.

En 1946, Akhmatova, avec M. Zoshchenko, fait l'objet de vives critiques, dans l'esprit de la campagne du parti visant à resserrer la politique dans le domaine de la culture. Ils ont cessé de l'imprimer à nouveau - jusqu'en 1950. Akhmatova pendant ces années était engagée dans la traduction littéraire, écrivait des articles littéraires. Le dernier recueil de poèmes de toute une vie - "The Run of Time" (1965). Au cours des dernières années de sa vie, elle a été tenue en haute estime, elle a voyagé à l'étranger - en France, en Italie, où elle a reçu un prix littéraire, en Angleterre, où elle a reçu un doctorat honorifique de l'Université d'Oxford.

La particularité de la poésie Anna Akhmatova réside dans le fait qu'elle a particulièrement ressenti la douleur de son époque, l'a perçue comme la sienne, et la tragédie de la Russie s'est reflétée dans les tragédies du destin personnel de la poétesse et dans son travail. Akhmatova est devenue la voix de l'époque et la voix de la conscience de son temps. Elle n'a pas participé aux crimes et à la mesquinerie du pouvoir, ne l'a pas stigmatisé dans ses poèmes, mais a simplement et tristement partagé le sort du pays et reflété la catastrophe russe dans son œuvre.

Akhmatova se sentait intensément comme l'idée originale de deux époques - celle qui est révolue pour toujours et celle qui règne. Elle a dû enterrer non seulement ses proches, mais aussi "enterrer" son temps, son "âge d'argent", lui laissant un monument "non fait à la main" de poèmes et de poèmes.

Quand une époque est enterrée, Le psaume grave ne sonne pas, Les orties, les chardons Doivent l'orner. . . - La poétesse écrira en août 1940, tirant un trait sur l'époque révolue. Un nouvel âge « de fer » (selon la définition d'A. Blok) s'avançait. Et dans ce siècle, il n'y avait pas de place digne de la créativité de la poétesse, l'âme d'Akhmatova est restée dans ce passé, si proche et en même temps si lointaine. Mais tout de même, tout au long de sa vie, Akhmatova a conservé les principes acméistes de la créativité: l'être, l'illumination chrétienne, l'attitude prudente envers la parole, le principe créatif, la connexion et la plénitude du temps. Elle a été la première et la seule femme de la poésie mondiale à devenir une grande poétesse nationale et universelle, incarnant le monde intérieur de l'héroïne lyrique dans son monde artistique avec la plus grande profondeur et vérité psychologique et créant l'idéal d'une femme - aimée et aimante. C'est Akhmatova qui fut la première dans la poésie russe à accorder à l'amour le «droit de la voix d'une femme» (avant elle, écrire sur l'amour était considéré comme presque un droit de monopole des poètes masculins). « J'ai appris aux femmes à parler », remarque-t-elle très justement dans le poème « Pourrait Bice. . . » Elle rêvait dans sa poésie d'un idéal, un héros masculin. . .

Le personnel d'Akhmatova a toujours fusionné avec le national et l'éternel. Assumer la douleur nationale et mondiale à l'ère des catastrophes historiques a révélé dans l'héroïne lyrique d'Akhmatova sa «réactivité mondiale»: elle a vu son «chemin de croix» dans une série de tragédies mondiales; Je me voyais comme l'héritière des destins tragiques des femmes :

Je m'incline devant Morozova,

Pour danser avec la belle-fille d'Hérode,

Envolez-vous avec la fumée du feu de Didon,

Retourner au feu avec Jeanne. . .

("La Dernière Rose").

Le chemin de croix de la fusion avec le destin de la Russie, quand dans une série de dates mémorables "il n'y en a pas un seul damné", a permis à Akhmatova de sentir sa continuité avec les grands poètes russes, dont "les lyres sonnent sur les branches de saules de Tsarskoïe Selo » : « Il y a tellement de lyres accrochées aux branches ici. . . mais il semble y avoir une place pour la mienne » (« Tsarskoïe Selo Lines »), Akhmatova a humanisé son époque, ravivé la connexion des époques, des traditions et de l'unique vérité de l'être : culturelle, nationale, chrétienne, universelle. . . Elle garda le souvenir de son époque et écrivit à juste titre, s'adressant à ses contemporains :

Je suis le reflet de ton visage

Les ailes vaines battent en vain,

• « Après tout, je suis avec toi jusqu'au bout.
• ("Beaucoup")

Dans les années 1910, une crise s'installe dans la poésie russe - la crise du symbolisme en tant que mouvement artistique. Parmi les poètes qui ont cherché à ramener la poésie à la vie réelle à partir des brumes mystiques du symbolisme, un cercle appelé "L'atelier des poètes" (1911) est apparu, dirigé par N. Gumilyov et S. Gorodetsky. Les membres du "Tsekh" étaient principalement des poètes novices : A. Akhmatova, G. Ivanov, O. Mandelstam, V. Narbut et d'autres. En 1912, lors d'une des réunions du "Tsekh", la question de l'acméisme comme une nouvelle école poétique a été résolue. Le nom de cette tendance (du mot grec "akme" - le degré le plus élevé de quelque chose, la couleur, le temps de floraison, le sommet de quelque chose) a souligné l'aspiration de ses adhérents à de nouveaux sommets de l'art.

Acméisme des poètes unis, différents dans leur œuvre et leurs destins littéraires. Mais le point commun qui les unissait était la recherche d'une issue à la crise du symbolisme. Dans un effort pour libérer la poésie de l'irrationnel, du mystique, les acméistes ont accepté le monde entier - visible, sonore, audible ; ils ont cultivé l'Adamisme dans la poésie - une vision courageuse, ferme et claire de la vie. "A bas le symbolisme, vive la rose vivante !" s'écria O. Mandelstam. Les acméistes sont revenus dans leur poésie aux traditions de la culture mondiale. « Les poètes parlent la langue de tous les temps, de toutes les cultures », a souligné Mandelstam. Par conséquent, pour les acméistes, il est caractéristique de se tourner vers la mythologie mondiale (antique, biblique, orientale, slave), vers les traditions, les légendes - la Grèce et la Rome antiques dans les vers de Mandelstam, les motifs bibliques des vers d'Akhmatov, l'universalité des "Muses du lointain" de Gumilev errances". Les acméistes acceptaient la réalité de l'existence terrestre dans son intégralité et son intégrité, ne s'opposaient pas au monde et n'essayaient pas de le refaire. Ils ont impliqué dans leur travail les réalités quotidiennes les plus banales : des ordures, des tasses, une route poussiéreuse, un puits, du sable, le temps et l'éternité, reliant le "haut" au "terrestre", voyant le haut dans le noir - et vice versa . Les acméistes ont développé la « poétique des choses » - « poésie du détail » : « il y avait une odeur fraîche et piquante de la mer sur un plateau d'huîtres en glace » (Akhmatova) ; « dans une pièce aussi blanche qu'un rouet, il y a le silence » (Mandelstam). "Aimer l'existence d'une chose plus que la chose elle-même et son propre être plus que soi-même - c'est le plus haut commandement de l'acméisme", a proclamé Mandelstam. Toutes ces caractéristiques de l'acméisme s'incarnent dans l'œuvre de Anna Akhmatova. Mais, étant une acméiste dans ses premiers travaux, Akhmatova a considérablement dépassé les limites d'un mouvement littéraire. Sa poésie ne rentre pas dans le cadre étroit d'un concept, elle est beaucoup plus large et plus profonde dans son contenu et plus significative dans son sujet. Ce qui était "révolutionnaire" dans l'apparence Anna Akhmatova? Avant elle, l'histoire a connu de nombreuses femmes poétesses, mais elle seule a réussi à devenir la voix féminine de son temps, une femme poète d'une portée éternelle et universelle. Akhmatova pour la première fois dans la littérature russe et mondiale a présenté dans son travail une héroïne lyrique complète - une femme.

Son héroïne lyrique est une femme universelle éternelle, non pas quotidienne, momentanée, mais existentielle, éternelle. Elle apparaît dans les poèmes d'Akhmatova dans toutes les réflexions et hypostases. C'est une jeune fille en attente d'amour (les recueils "Soir", "Je prie le rayon de la fenêtre", "Deux poèmes", etc.), c'est une femme mûre, séduite et séduite, absorbée par l'amour complexe (" Marche", "Confusion", etc.), c'est aussi une épouse infidèle, qui revendique la justesse de son amour "criminel" et est prête à tout tourment et rétribution en quelques instants. elle a pleuré et s'est repentie ... "). - et c'est là l'originalité d'Akhmatova la poétesse - son héroïne lyrique ne coïncide pas avec la personnalité de l'auteur, mais est une sorte de masque représentant l'une ou l'autre facette du destin féminin, l'âme féminine. ces situations qui sont présentées dans sa poésie, elle les incarnait avec la puissance de l'imagination poétique... Elle n'était pas une artiste de cirque errante ("Je m'ai laissée à la nouvelle lune") ou une paysanne ("Song"), une empoisonneur ("Elle serra les mains sous un voile noir") ou " une prostituée, une prostituée "(" Je ne boirai pas de vin avec toi "). Simplement Akhmatova, grâce à elle cadeau spécial, elle a réussi à montrer en vers toutes les incarnations d'une femme russe (et mondiale).

Plus tard, l'héroïne lyrique d'Akhmatova apparaît dans la perspective d'un poète et d'un citoyen, inhabituel pour la poésie féminine. Si l'amour a toujours été considéré comme la base de la poésie féminine, alors Akhmatova a montré le parcours tragique d'une femme poète. Cette tragédie a été déclarée par elle dans le poème "Muse" (1911), qui parle de l'incompatibilité du bonheur des femmes et du destin du créateur. Ce thème n'est pas seulement un poème - c'est l'un des principaux de toute l'œuvre d'Akhmatova. Dans le monde artistique de la poétesse, une résolution pacifique du conflit entre l'amour et la créativité est impossible au sens mondain. La créativité exige un dévouement total de la part du poète, car la "sœur Muse" enlève à l'héroïne lyrique le signe des joies terrestres - la "bague d'or", symbole du mariage et du bonheur féminin ordinaire. Mais la femme-poète ne peut et ne veut pas renoncer à son amour et à son bonheur, c'est le drame de sa position : « Tout le monde sur cette terre doit connaître le tourment de l'amour ».

L'acméisme (« adamisme ») est un mouvement littéraire qui s'oppose au symbolisme et qui est né au début du XXe siècle en Russie. Les acméistes proclamaient la matérialité, l'objectivité des thèmes et des images, la justesse de la parole. La formation de l'acméisme est étroitement liée aux activités de «l'Atelier des poètes», dont les figures centrales étaient les fondateurs de l'acméisme N. S. Gumilyov, A. Akhmatova et S. M. Gorodetsky. Les contemporains ont donné au terme d'autres interprétations: Vladimir Pyast a vu ses origines dans le pseudonyme d'Anna Akhmatova, qui sonne comme "akmatus" en latin, certains ont souligné son lien avec le grec "akme" - "point". Le terme "acméisme" a été proposé en 1912 par N. Gumilyov et S. M. Gorodetsky : à leur avis, le symbolisme en crise est remplacé par une direction qui généralise l'expérience des prédécesseurs et conduit le poète vers de nouveaux sommets de réalisations créatives. Le nom du mouvement littéraire, selon A. Bely, a été choisi dans le feu de l'action et n'était pas entièrement justifié: Vyach.Ivanov a parlé en plaisantant de «l'acméisme» et de «l'adamisme», N. Gumilyov a ramassé des mots jetés accidentellement et baptisé le groupe proche des poètes acméistes. Au cœur de l'acméisme se trouvait une préférence pour décrire la vie réelle et terrestre, mais elle était perçue de manière extrasociale et extrahistorique. Les petites choses de la vie, le monde objectif étaient décrits. L'organisateur doué et ambitieux de l'acméisme rêvait de créer une "direction des directions" - un mouvement littéraire qui reflète l'apparence de toute la poésie russe contemporaine.

Les acméistes se sont efforcés d'obtenir une clarté sensuelle de la matière plastique de l'image et de la précision, la chasse au mot poétique. Leur poésie "terrestre" est sujette à l'intimité, à l'esthétisme et à la poétisation des sentiments de l'homme primitif. L'acméisme se caractérisait par une apolitisme extrême, une indifférence totale aux problèmes d'actualité de notre temps. Les acméistes, qui ont remplacé les symbolistes, n'avaient pas de programme philosophique et esthétique détaillé. Mais si dans la poésie du symbolisme le facteur déterminant était la fugacité, l'instantanéité de l'être, un certain mystère couvert d'une auréole de mysticisme, alors une vision réaliste des choses était posée comme pierre angulaire dans la poésie de l'acméisme. L'instabilité floue et le flou des symboles ont été remplacés par des images verbales précises. Le mot, selon les acméistes, aurait dû acquérir son sens originel. Le point culminant de la hiérarchie des valeurs était pour eux la culture, identique à la mémoire humaine universelle. Par conséquent, les acméistes se tournent souvent vers des intrigues et des images mythologiques. Si les symbolistes dans leur travail se sont concentrés sur la musique, alors les Acmeists - sur les arts de l'espace : architecture, sculpture, peinture. L'attrait pour le monde tridimensionnel s'exprime dans la passion des acméistes pour l'objectivité : un détail coloré, parfois exotique, peut être utilisé dans un but purement pictural. C'est-à-dire que le « dépassement » du symbolisme a eu lieu non pas tant dans la sphère des idées générales, mais dans le domaine du style poétique. En ce sens, l'acméisme était tout aussi conceptuel que le symbolisme, et à cet égard ils sont sans doute dans une succession. Un trait distinctif du cercle acméiste des poètes était leur "cohésion organisationnelle". En substance, les acméistes n'étaient pas tant un mouvement organisé avec une plate-forme théorique commune, mais un groupe de poètes talentueux et très différents qui étaient unis par une amitié personnelle. Les symbolistes n'avaient rien de tel : les tentatives de Bryusov pour réunir ses frères furent vaines.

Les principales idées de l'acméisme ont été décrites dans les articles de programme de N. Gumilyov «L'héritage du symbolisme et de l'acméisme» et S. Gorodetsky «Certaines tendances de la poésie russe moderne», publiés dans le magazine Apollo (1913, n ° 1), publié sous la direction de S. Makovsky. Le premier d'entre eux a dit : « Le symbolisme est remplacé par une nouvelle direction, peu importe comment on l'appelle, que ce soit l'acméisme (le plus haut degré de quelque chose, une période de floraison) ou l'adamisme (une vision courageusement ferme et claire de la vie), en en tout cas, nécessitant plus un rapport de forces et une connaissance plus précise de la relation entre sujet et objet que ce n'était le cas dans le symbolisme. Cependant, pour que cette tendance s'affirme dans son intégralité et soit une digne héritière de la précédente, il faut qu'elle accepte son héritage et réponde à toutes les questions qu'elle pose. La gloire des ancêtres oblige, et le symbolisme était un digne père.

L'acméisme compte six des participants les plus actifs du courant: N. Gumilyov, A. Akhmatova, O. Mandelstam, S. Gorodetsky, M. Zenkevich, V. Narbut.

En tant que tendance littéraire, l'acméisme n'a pas duré longtemps - environ deux ans. En février 1914, il se sépare. La "boutique des poètes" était fermée. Acmeists a réussi à publier dix numéros de leur journal "Hyperborea" (éditeur M. Lozinsky), ainsi que plusieurs almanachs. L'acméisme n'a pas réussi à s'imposer dans le rôle de courant poétique dominant. La raison de son extinction rapide s'appelle, entre autres, "l'inadéquation idéologique de la direction aux conditions d'une réalité radicalement modifiée". V. Bryusov a noté que "les acméistes se caractérisent par un écart entre la pratique et la théorie" et que "leur pratique était purement symboliste". C'est en cela qu'il a vu la crise de l'acméisme. Cependant, les déclarations de Bryusov sur l'acméisme étaient toujours dures; Au début, il a déclaré que "... l'acméisme est une invention, un caprice, une mode capitale" et a préfiguré : "... très probablement, dans un an ou deux, il n'y aura plus d'acméisme. Son nom même disparaîtra » et en 1922, dans un de ses articles, il lui dénie généralement le droit d'être appelé une direction, une école, estimant qu'il n'y a rien de sérieux et d'original dans l'acméisme et qu'il est « hors du courant dominant ». de la littérature. »

En comparaison avec d'autres tendances poétiques de l'âge d'argent russe, l'acméisme est considéré à bien des égards comme un phénomène marginal. Il n'a pas d'analogues dans les autres littératures européennes. L'acméisme s'est avéré extrêmement fructueux pour la littérature russe. Akhmatova et Mandelstam ont réussi à laisser derrière eux des "mots éternels".

Principes de base de l'acméisme :

La libération de la poésie du symbolisme fait appel à l'idéal, le retour de la clarté à celui-ci ;

Rejet de la nébuleuse mystique, acceptation du monde terrestre dans sa diversité, concretité visible, sonorité, couleur ;

Le désir de donner au mot un sens spécifique, précis ;

Objectivité et clarté des images, netteté des détails;

Appel à une personne, à "l'authenticité" de ses sentiments;

Poétisation du monde des émotions primordiales, principe naturel biologique primitif ;

Un appel aux époques littéraires passées, aux associations esthétiques les plus larges, "aspirant à la culture mondiale".

Gumilyov, Akhmatova, Mandelstam.

Votre idéal esthétique Gumilyov déclaré dans le sonnet "Don Juan":

Mon rêve est hautain et simple :

Prends la rame, mets ton pied dans l'étrier

Et tromper le temps lent

Toujours embrasser de nouvelles lèvres...

La guerre impérialiste a incité Gumilyov à se tourner vers le thème de la réalité historique. Dans sa poésie, le thème de la Russie sonnait, mais officiel, étatique, monarchique. Il chante la guerre, la glorifiant comme une guerre libératrice et populaire :

Et vraiment brillant et saint

La cause glorieuse de la guerre

Séraphins, clairs et ailés,

Derrière les épaules des soldats sont visibles ...

Au tout premier mois de la guerre, Gumilyov rejoint le Life Guards Lancer Regiment en tant que volontaire et est envoyé dans l'armée, où il sert en reconnaissance montée. En tant que correspondant de guerre spécial en 1915 à Birzhevye Vedomosti, il publie Notes d'un cavalier, dans lequel, dessinant des épisodes d'événements militaires, il écrit sur la guerre comme une cause juste et noble.

Dans le même temps, en prévision de l'effondrement de tout le système de la vie de l'État russe, sa poésie est imprégnée de motifs pessimistes. Gumilyov n'a pas écrit sur la révolution - c'était sa position politique. Mais maintenant, ses poèmes ne sont pas marqués par une indifférence totale pour la vie publique, mais par une sorte d'âme brisée. La Colonne de feu (1921) ne contient ni bravade romantique ni optimisme feint. Ils sont pleins de symbolisme sombre, de vagues allusions, de pressentiments de "mort irréparable". Commençant par « surmonter le symbolisme », Gumilyov est revenu au symbolisme typiquement symboliste :

Maintenant je comprends : notre liberté

Seulement de là est la lumière battante,

Les gens et les ombres se tiennent à l'entrée

Au jardin zoologique des planètes...

("Le tramway perdu")

Le poème "The Lost Tram" est peut-être le plus caractéristique des humeurs de Gumilyov à cette époque. L'image d'un tramway qui a déraillé est pour le poète la vie elle-même, déraillée, un hommage où l'incompréhensible et l'étrange se produisent :

Où je suis? Si languissant et si anxieux

Mon cœur bat en réponse :

Vous voyez la station où vous pouvez

Achetez un billet pour l'Inde de l'Esprit.

Le poète est préoccupé par la recherche de cette "Inde de l'Esprit", un refuge.

Du point de vue de la maîtrise poétique, les vers de la "Colonne de Feu" sont les plus parfaits de l'œuvre de Gumilev. Ils sont remplis d'un sentiment authentique, une expérience profondément dramatique par le poète de son destin, des pressentiments tragiques.

En 1921, Gumilyov a été arrêté pour avoir participé à un complot de l'organisation militante contre-révolutionnaire de Petrograd, dirigée par le sénateur V.N. Tagantsev, et abattu.

K. Simonov a correctement noté: l'histoire de la poésie russe du XXe siècle ne peut être écrite sans mentionner Gumilyov, ses poèmes, son travail critique (signifiant "Lettres sur la poésie russe" - articles critiques littéraires du poète, publiés depuis 1909 dans "Apollo ” ), merveilleuses traductions, sur sa relation avec Bryusov, Blok et d'autres poètes remarquables du début du siècle.

Le parcours créatif d'Osip Emilievich est lié au mouvement acméiste Mandelstam(1891-1938). Aux premiers stades de son développement créatif, Mandelstam a subi une certaine influence du symbolisme. Le pathétique de ses poèmes de la première période est le renoncement à la vie avec ses conflits, la poétisation de la solitude de chambre, morne et douloureuse, le sentiment du caractère illusoire de ce qui se passe, le désir de s'évader dans la sphère des idées originales sur le monde (« Ne lisez que des livres pour enfants... », « Silentium », etc.). L'approche de Mandelstam vis-à-vis de l'acméisme est due à l'exigence d'une « belle clarté » et d'une « éternité » des images. Dans les œuvres des années 1910, rassemblées dans le livre "Stone" (1913), le poète crée l'image d'une "pierre", à partir de laquelle il "construit" des bâtiments, "une architecture", la forme de ses poèmes. Pour Mandelstam, les échantillons d'art poétique sont "une ascension architecturalement justifiée, correspondant aux gradins d'une cathédrale gothique".

Dans l'œuvre de Mandelstam (telle qu'elle a été définie dans la 2e édition de la collection "Stone", 1916) s'exprime, bien que sous d'autres formes philosophiques et poétiques que celles de Gumilyov, le désir d'échapper aux tempêtes tragiques du temps dans l'intemporel , dans les civilisations et les cultures des siècles passés. Le poète crée une sorte de monde secondaire à partir de l'histoire culturelle qu'il perçoit, un monde construit sur des associations subjectives à travers lesquelles il tente d'exprimer son attitude face à la modernité, regroupant arbitrairement les faits de l'histoire, les idées, les images littéraires (« Dombey and Son », "Europe", "Je n'ai pas entendu les histoires d'Ossian ..."). C'était une forme d'évasion de leur "maître de l'âge". Des poèmes de "Stone" respire la solitude, "la douleur brumeuse globale".

Parlant de cette propriété de la poésie de Mandelstam, V.M. Zhirmunsky a écrit: «En utilisant la terminologie de Friedrich Schlegel, on peut appeler ses poèmes non pas la poésie de la vie, mais« la poésie de la poésie », c'est-à-dire une poésie qui n'a pas pour sujet la vie, directement perçue par le poète lui-même, mais la perception artistique de quelqu'un d'autre de la vie<…>Il<…>raconte les rêves d'autrui, reproduit avec une synthèse créative la perception de la vie de quelqu'un d'autre, artistiquement déjà établie. Dans ses mots :

J'ai reçu un héritage béni -

Rêves errants de chanteurs inconnus...".

Et plus loin : « Devant ce monde objectif, artistiquement recréé par son imagination, le poète se tient invariablement en observateur extérieur, regardant à travers la vitre un spectacle divertissant. Pour lui, l'origine et la valeur relative des cultures artistiques et poétiques qu'il reproduit lui sont totalement indifférentes. Dans l'acméisme, Mandelstam occupait une position particulière. Pas étonnant qu'A. Blok, parlant plus tard des acméistes et de leurs épigones, ait distingué Akhmatova et Mandelstam de cet environnement comme des maîtres des paroles vraiment dramatiques. Défendre en 1910-1916 "décisions" esthétiques de son "Atelier", le poète était déjà alors largement en désaccord avec Gumilyov et Gorodetsky. Mandelstam était étranger à l'aristocratie nietzschéenne de Gumilyov, au rationalisme programmatique de ses œuvres romantiques, sujet à un pathétique pathétique prédéterminé. Le chemin du développement créatif de Mandelstam était également différent de celui de Gumilyov. Gumilyov, incapable de "surmonter" le symbolisme dans son travail, est arrivé à la fin de son parcours créatif à une vision du monde pessimiste et presque mystique. L'intensité dramatique des paroles de Mandelstam exprimait le désir du poète de surmonter les humeurs pessimistes, l'état de lutte interne avec lui-même. Pendant la Première Guerre mondiale, des motifs anti-guerre et anti-tsaristes retentissaient dans la poésie de Mandelstam (« Place du Palais », « Ménagerie », etc.). Le poète s'intéresse à des questions telles que la place de ses paroles dans la modernité révolutionnaire, les moyens d'actualiser et de restructurer le langage poétique. Les différences fondamentales entre Mandelstam et "l'Atelier", le monde de l'élite littéraire, qui continuait à s'isoler de la réalité sociale, sont indiquées. Mandelstam ressent la Révolution d'Octobre comme un tournant grandiose, comme une ère historiquement nouvelle. Mais il n'a pas accepté le caractère d'une nouvelle vie. Dans ses poèmes ultérieurs, le thème tragique de la solitude, et de l'amour de la vie, et le désir de se faire complice du "bruit du temps" ("Non, jamais, je n'ai été le contemporain de personne...", "Stans", " Perdu dans le ciel ») son. Dans le domaine de la poétique, il est passé de la "matérialité" imaginaire de la "Pierre" "à la poétique des allégories complexes et abstraites, en harmonie avec de tels phénomènes du symbolisme tardif en Occident". "Seule Akhmatova est allée en tant que poète sur les chemins du nouveau réalisme artistique qu'elle a découvert, étroitement lié aux traditions de la poésie classique russe…".

Premiers travaux d'Anna Andreevna Akhmatova(vrai nom - I Gorenko; 1889-1966) a exprimé de nombreux principes de l'esthétique acméiste. Mais en même temps, la nature de la vision du monde d'Akhmatova l'a délimitée - une acméiste, sur le travail de laquelle Gumilyov a construit des programmes acméistes, à partir de l'acméisme. Pas étonnant que Blok l'ait qualifiée de "véritable exception" parmi les acméistes.

Contrairement à l'appel acméiste à accepter la réalité "dans la totalité des beautés et des laideurs", les paroles d'Akhmatova sont remplies du drame le plus profond, d'un sens aigu de la fragilité, de la disharmonie de l'être, d'une catastrophe imminente. C'est pourquoi les motifs de malheur, de chagrin, de nostalgie, de mort imminente sont si fréquents dans ses poèmes ("Le cœur languit, ne sachant même pas // Les raisons de son chagrin", etc.). La "voix du trouble" résonnait constamment dans son travail. Les paroles d'Akhmatova se distinguaient de la poésie socialement indifférente de l'acméisme par le fait que dans les premiers poèmes de la poétesse, le thème principal de son travail ultérieur était déjà plus ou moins clairement identifié - le thème de la patrie, un sentiment spécial et intime de haute patriotisme (« Tu sais, je languis en captivité… », 1913 ; « J'y viendrai, et la langueur s'envolera… », 1916 ; « La prière », 1915, etc.). La conclusion logique de ce thème à l'époque pré-octobre était le poème bien connu écrit à l'automne 1917 - "J'avais une voix, il a appelé de manière consolante ...".

Les paroles d'Akhmatova s'appuyaient sur les réalisations de la poésie russe classique - l'œuvre de Pouchkine, Baratynsky, Tyutchev, Nekrasov et de ses contemporains - l'œuvre de Blok. Akhmatova a inscrit un couplet sur l'exemplaire du Rosaire remis à Blok, qui révèle la nature du lien entre ses premiers travaux et les motifs et images de la poésie de Blok :

Tu m'as donné de l'anxiété

Et la capacité d'écrire de la poésie.

"Blok a réveillé la muse d'Akhmatova", écrit V. Zhirmunsky, "mais ensuite elle a suivi sa propre voie, surmontant l'héritage du symbolisme de Blok". Le sentiment du caractère catastrophique de l'être, appréhendé par Blok dans la clé historique et philosophique, se manifeste chez Akhmatova sous l'aspect de destins personnels, sous des formes intimes, « de chambre ». La gamme de thèmes dans les premières paroles d'Akhmatova est beaucoup plus étroite que celle de Blok. Les poèmes de ses premiers livres - "Evening" (1912), "Rosary" (1914), "The White Flock" (1917) - sont pour la plupart des paroles d'amour. Le recueil "Evening" est sorti avec une préface de Kuzmin, qui voyait les particularités de la poésie "pointue et fragile" d'Akhmatova dans cette "sensibilité accrue à laquelle aspiraient les membres des sociétés condamnées à périr". "Evening" est un livre de regrets, pressentiments du couchant (le nom de la collection est typique), dissonances spirituelles. Ici, il n'y a ni complaisance, ni acceptation paisible, joyeuse et irréfléchie de la vie, déclarée par Kuzmin. Ce sont les paroles d'espoirs non réalisés, d'illusions d'amour dispersées, de déceptions, de "tristesse gracieuse", comme l'a dit S. Gorodetsky. Le recueil "Rosaire" s'est ouvert sur le poème "Confusion", qui définit les principaux motifs du livre :

C'était étouffant à cause de la lumière brûlante,

Et ses yeux sont comme des rayons.

J'ai juste frissonné : ça

Peut m'apprivoiser.

Penché - il dira quelque chose ...

Du sang coula de son visage.

Laissez-le reposer comme une pierre tombale

Pour ma vie mon amour.

Tous les thèmes de ses premières collections étaient tirés du thème de l'amour.

La maturité poétique est venue à Akhmatova après sa "rencontre" avec les poèmes d'In.F. Annensky, à qui elle a pris l'art de transmettre des mouvements spirituels, des nuances d'expériences psychologiques à travers la vie quotidienne et quotidienne. L'image dans les paroles d'Akhmatova se déroule dans des détails concrets et sensuels, à travers lesquels le thème psychologique principal des poèmes, les conflits psychologiques, est révélé. C'est ainsi que surgit le symbolisme "propre" caractéristique d'Akhmatov. Akhmatova se caractérise non par la musicalité du vers symboliste, mais par la transmission logiquement exacte des observations les plus subtiles. Ses poèmes prennent le caractère d'une épigramme, se terminant souvent par des aphorismes, des maximes, dans lesquelles la voix de l'auteur se fait entendre, son humeur se fait sentir :

J'ai froid... Ailé ​​ou aptère,

Le dieu joyeux ne me rendra pas visite.

La perception du phénomène du monde extérieur est transmise comme l'expression d'un fait psychologique :

Quelle différence avec les câlins

Le toucher de ces mains.

L'aphorisme du langage des paroles d'Akhmatova ne le rend pas « poétique » au sens étroit du terme ; son vocabulaire s'efforce d'atteindre la simplicité du discours familier :

Tu es ma lettre, chérie, ne la froisse pas,

Jusqu'à la fin, mon ami, lisez-le.

Le discours direct inclus dans les lignes du verset, comme le discours de l'auteur, est construit selon les lois du discours familier. Mais c'est aussi le langage de la pensée profonde. Les événements, les faits, les détails à leur sujet révèlent l'idée générale de la poétesse sur la vie, l'amour et la mort. Le style des paroles d'Akhmatova se caractérise par l'obscurcissement de l'élément émotionnel. Les expériences de l'héroïne, les changements d'humeur ne sont pas transmis directement par les paroles, mais comme reflétés dans les phénomènes du monde extérieur. Mais dans le choix des événements et des objets, dans leur perception changeante, une profonde tension émotionnelle se fait sentir. Les traits de ce style ont marqué le poème "La dernière fois que nous nous sommes rencontrés alors ...". Quelques détails de l'environnement ressortent dans la mémoire de l'héroïne (« hautes eaux dans la Neva », « haute maison royale », « forteresse Pierre et Paul », « l'air n'était pas du tout à nous »), fragments d'une conversation ( "Il a parlé de l'été et de // Qu'il est absurde pour une femme d'être poète"), clairement imprimé dans l'esprit dans un moment d'excitation émotionnelle. Seul le mot "dernier" ("la dernière fois que nous nous sommes rencontrés alors", "la dernière de toutes les chansons folles"), répété au début et à la fin du poème, et une montée de voix excitée dans les lignes parlent directement d'expérience émotionnelle : "Comme je me souvenais de la haute maison royale//Et de la forteresse Pierre et Paul !" Mais dans l'histoire des phénomènes du monde extérieur, il y a toute une histoire sur la vie spirituelle de l'héroïne. Dans la sphère intime « matérielle » des expériences individuelles, « Soir » et « Rosaire » incarnent les thèmes « éternels » de l'amour, de la mort, de la séparation, des rencontres, des réconforts, qui sous cette forme acquièrent une expressivité émotionnelle aiguë, Akhmatova. La critique a noté à plusieurs reprises le style «dramaturgique» propre aux paroles d'Akhmatova, lorsque l'émotion lyrique était dramatisée dans une intrigue externe, une collision de répliques dialogiques. Dans The White Flock, de nouvelles tendances dans le style d'Akhmatova, associées à la croissance de la conscience civile et nationale de la poétesse, sont également apparues. Les années de la Première Guerre mondiale et de la catastrophe nationale ont aiguisé le sens du lien du poète avec le peuple, son histoire, et ont suscité un sentiment de responsabilité pour le sort de la Russie. Le prosaïsme accentué du discours familier est brisé par des intonations oratoires pathétiques, il est remplacé par un style poétique élevé. La muse d'Akhmatova n'est plus la muse du symbolisme. « Ayant adopté l'art verbal de l'ère symbolique, elle l'a adapté à l'expression d'expériences nouvelles, bien réelles, concrètes, simples et terrestres. Si la poésie des symbolistes voyait dans l'image d'une femme un reflet de l'éternel féminin, alors les poèmes d'Akhmatova parlent de l'invariablement féminin.

L'acméisme (du grec Acme - "le plus haut degré de quelque chose, florissant, pinacle, pointe") est une tendance du modernisme russe qui s'est formée dans les années 1910 et, dans ses attitudes poétiques, est basée sur son maître, le symbolisme russe. Les acméistes opposaient la bimondité transcendantale des symbolistes au monde des sentiments humains ordinaires, dépourvu de contenu mystique.

En 1911, à Saint-Pétersbourg, "l'Atelier des poètes" est né - une association littéraire de jeunes auteurs proches du symbolisme, mais qui cherchaient de nouvelles voies dans la littérature. Le nom «atelier» correspondait à leur vision de la poésie comme un métier nécessitant une haute technique du vers. N. Gumilyov et S. Gorodetsky étaient à la tête de la "Boutique des Poètes" (1911-1914), A. Akhmatova en était la secrétaire. Dans les années post-révolutionnaires, "l'Atelier des Poètes" a cessé d'exister en tant qu'école littéraire. Le travail des poètes les plus célèbres classés comme acméisme - A. Akhmatova, O. Mandelstam, N. Gumilyov, en partie M. Kuzmin - déjà au milieu des années 1910. dépasse le cadre des déclarations acméistes et acquiert des destins individuels.

Le dernier témoin de «comment c'était», la propriétaire d'une mémoire phénoménale des dates et des événements - Anna Akhmatova - présente très étrangement des informations sur l'histoire de l'acméisme.

Le nom de la jeune Akhmatova était étroitement associé à l'acméisme, qui a commencé à prendre forme vers 1910, c'est-à-dire à peu près au même moment où elle a commencé à publier ses premiers poèmes. Les fondateurs de l'acméisme étaient N. Gumilyov et S. Gorodetsky, ils ont également été rejoints par O. Mandelstam, V. Narbut, M. Zenkevich, N. Otsup et quelques autres poètes qui ont proclamé la nécessité d'un rejet partiel de certains préceptes de " symbolique "traditionnelle". Dans un certain sens, ils se considéraient comme venus le remplacer, car à leurs yeux, le symbolisme en tant que courant artistique s'était déjà épuisé.

Les acméistes se fixent pour objectif de réformer le symbolisme, dont le principal malheur, de leur point de vue, est qu'il « oriente ses forces principales vers le domaine de l'inconnu » et « fraternise tour à tour avec le mysticisme, puis avec la théosophie, puis avec le occulte." Donc - pas de mysticisme : le monde doit apparaître tel qu'il est - visible, matériel, charnel, vivant et mortel, coloré et sonore. Cette première condition de l'art acméiste, c'est-à-dire sa sobriété et son réalisme sonore du regard sur le monde, devrait, selon les fondateurs du nouveau courant, affecter aussi la forme de leurs œuvres.

De 1905 à 1910, Akhmatova n'était pas à Tsarskoïe Selo, car la famille, après le départ de son père et la mort d'une de ses sœurs de la tuberculose, s'est déplacée vers le sud vers la mer Noire, puis vers Kiev. Apparemment, ce furent des années de développement spirituel et artistique très intensif. Elle est revenue à Tsarskoe Selo à l'âge adulte, ayant déjà beaucoup vécu intérieurement. Dans ses notes autobiographiques, écrites dans la vieillesse, il y a des lignes sur les fortes impressions d'une jeune fille de seize ans sur les événements de 1905, en particulier des témoignages oculaires du soulèvement sur le cuirassé Potemkine.

Akhmatova a marqué son retour à Tsarskoïe Selo avec le remarquable poème "Le premier retour":

Un lourd linceul est posé sur le sol.

Les cloches sonnent solennellement.

Et encore une fois l'esprit est confus et dérangé

L'ennui langoureux de Tsarskoïe Selo.

Pour la première fois dans l'œuvre d'Akhmatova, le thème de la fin d'une époque est apparu et une mélodie de pressentiments douloureux, un sentiment d'une catastrophe imminente, a émergé. Tout le symbolisme figuratif du poème (suaire, cloches, rêve de mort) indique que nous parlons d'événements de sens général - du temps, de la tragédie de l'époque, du sort de la Russie.

On peut dire que la rencontre avec Tsarskoïe Selo en 1910 fut comme un choc. Jamais auparavant, avec tous les changements qui ont eu lieu dans la famille et avec tous les événements douloureux qui se sont soudainement abattus sur la maison, Akhmatova a connu un sens aussi aigu du changement irréversible et fatal de toute sa vie - non seulement la sienne, mais également universelle.

Exceptionnellement important dans ce poème sont les lignes que "l'esprit est confus et perturbé." Dans cette phrase - un signe avant-coureur de presque tout le futur Akhmatova, un artiste avec une conscience aiguisée et un esprit confus, éternellement en quête et insatisfait.

Le début des années 10 a été marqué dans son destin par des événements importants : elle a épousé Nikolai Gumilyov, s'est liée d'amitié avec l'artiste Amadeo Modigliani et a sorti son premier livre, Evening, qui lui a valu une renommée instantanée.

Akhmatova et Gumilyov étaient apparemment égaux en talent poétique, ce qui, bien sûr, ne pouvait que compliquer leur vie. Valeria Sreznevskaya, l'amie la plus proche d'Akhmatova, a écrit dans ses mémoires: «... Bien sûr, ils étaient trop libres et trop grands pour devenir une paire de« colombes bleues » roucoulantes. Leur relation était plus un art martial secret… »

Pas de secrets et pas de tristesse,

Pas la sage volonté du destin -

Ces rencontres partaient toujours

L'impact du combat...

Pas de secrets, pas de tristesse...

Selon l'entrepôt de son talent, Akhmatova a ouvert le monde à l'aide d'un instrument si subtil et sensible, qui lui a été donné par la nature, que tous les détails sonores et colorés des choses, des gestes et des événements sont entrés facilement et naturellement dans ses vers, remplissant avec une force de vie vive, élastique et même, malgré le glissement des ténèbres sombres, semi-enfantinement festive :

Le vent étouffant souffle chaud,

Le soleil a brûlé mes mains

Au-dessus de moi se trouve une voûte aérienne,

Comme du verre bleu

Le vent souffle chaud...

Bien des années plus tard, réfléchissant aux difficultés et aux aléas du travail poétique, elle écrit :

Quand sauriez-vous à partir de quelles ordures

Les poèmes grandissent, ne connaissant pas la honte,

Comme un pissenlit jaune près de la clôture

Comme la bardane et le quinoa.

Ses vers, y compris les plus anciens, imprimés sur les pages d'Apollon (1909) et d'Hyperborée, le vers est encore imparfait ("les premières tentatives timides", dira-t-elle plus tard), parfois presque adolescent dans l'intonation, est néanmoins né d'impressions directes de la vie , même si ces impressions se limitaient aux préoccupations et aux intérêts de "son propre cercle".

Les premiers travaux de la poétesse s'inscrivent assez facilement dans le cadre de l'acméisme: dans les poèmes "Soirées" et "Rosaire", nous trouvons immédiatement cette objectivité et cette clarté des contours, que N. Gumilyov, S. Gorodetsky, M. Kuzmin et autre.

Il est très important de savoir comment Akhmatova elle-même a évalué ce groupe et son séjour dans celui-ci, en particulier dans la vieillesse, lorsque l'histoire a mis à sa place une grande partie de ce qui s'est passé dans la littérature des années 10.

Akhmatova, jusqu'aux derniers jours de sa vie, a hautement apprécié le rôle de l'acméisme à la fois dans sa propre vie et dans la littérature de cette époque. Elle n'a cessé de se qualifier d'acméiste - comme au mépris de ceux qui ne voulaient pas voir le rôle et la signification de ce mouvement.

Il ne fait aucun doute que le groupe acméiste, dirigé par un maître tel que Gumilyov, et comprenant Mandelstam, a eu un effet favorable sur la formation d'Akhmatova. Elle a trouvé un soutien dans ce groupe pour le côté le plus important de son talent - le réalisme, elle a appris l'exactitude du mot poétique et la clarté du verset lui-même.

Il convient de garder à l'esprit qu'il existait de nombreuses différences entre les acméistes, qui se sont révélées presque dès le début de l'émergence de ce groupe. Peu d'entre eux ont adhéré au proclamé. Chacun a suivi sa propre voie et il est difficile d'imaginer des artistes plus dissemblables que, disons, Akhmatova et Gumilyov ou Mandelstam et Zenkevich.

Paradoxalement, la variété des mœurs artistiques qui se développe dans « l'école », qui ne prévoit pas la diversité, est due à l'incohérence du programme acméiste lui-même.

Le réalisme des acméistes était marqué par des traits évidents de nouveauté - principalement, bien sûr, par rapport au symbolisme. À Akhmatova, cela s'exprimait dans la clarté de l'image de l'environnement extérieur, de l'intérieur, même dans une sorte d'image stéréoscopique, lorsqu'un détail, l'un ou l'autre trait est clairement visible, ainsi que dans la motivation psychologique de toutes les actions et des expériences, dans la complète objectivité de l'analyse des sentiments amoureux.

Les paroles d'Akhmatova pendant la période de ses premiers livres («Soirée», «Rosaire», «White Flock») sont presque exclusivement des paroles d'amour.

La nouveauté des paroles d'amour d'Akhmatova a attiré l'attention de ses contemporains presque dès ses premiers poèmes, publiés dans Apollo, mais, malheureusement, la lourde bannière de l'acméisme, sous laquelle se tenait la jeune poétesse, a longtemps semblé se draper aux yeux de beaucoup son apparence vraie et originale et lui ont fait constamment corréler ses poèmes soit avec l'acméisme, soit avec le symbolisme, soit avec l'une ou l'autre des théories linguistiques ou littéraires qui, pour une raison quelconque, sont venues au premier plan. D'intérêt sont les vers où Akhmatova - qui, soit dit en passant, est très rare chez elle - va à la "troisième personne", c'est-à-dire qu'il semblerait qu'elle utilise un genre purement narratif qui implique à la fois la cohérence et même la description, mais même dans de tels vers, elle préfère toujours la fragmentation lyrique, le flou et la réticence. Voici un de ces poèmes, écrit au nom d'un homme :

Est venu. Je n'ai pas montré d'excitation

Regardant indifféremment par la fenêtre.

Elle s'est assise comme une idole de porcelaine

Dans la position qu'elle avait choisie depuis longtemps.

Être joyeux est une chose commune

Être prudent est plus difficile.

Ou la paresse langoureuse a vaincu

Après les nuits épicées de mars ?

Est venu. je ne me suis pas enthousiasmé...

Selon les aveux ultérieurs d'Akhmatova, elle a toujours rêvé d'écrire de la prose. Ce désir s'est particulièrement intensifié en elle dans les années 1950 et 1960, lorsqu'elle s'est mise à plusieurs reprises à écrire des notes autobiographiques, des pages d'un journal intime, et qu'elle a vraiment écrit une prose magnifique - sur Modigliani, sur Mandelstam.

Presque immédiatement après la parution du premier livre, et après le "Rosaire" et "White Pack" en particulier, ils ont commencé à parler du "mystère d'Akhmatova".

Blok, qui appréciait beaucoup les vers virtuoses d'Akhmatova, mais notait avec déplaisir l'isolement excessif de son monde spirituel et la « marionnette » des personnages, lui écrivait dans une de ses lettres : « Pas besoin d'un fiancé mort, pas besoin de marionnettes , pas besoin d'exotisme, pas besoin d'équations à dix inconnues, il faut encore plus dur, plus laid, plus douloureux.

Blok a distingué Akhmatova de l'acméisme, l'a qualifiée d'exception, non seulement parce qu'elle était très talentueuse (certains autres membres de "l'Atelier des poètes" étaient également talentueux). Il l'a particulièrement distinguée et, avec toute son exigence, lui a donné la préférence précisément parce que ses poèmes, quoique dans une moindre mesure que les siens, étaient imprégnés des mêmes prémonitions sourdes de changements imminents, de la même vibration de douleur que les siens. Par conséquent, abandonnant les exquises marquises et comtesses, perruques et rubans qu'Akhmatova a pris pour son «soir» des accessoires de Kuzmin qui lui étaient étrangers, il a apprécié l'essentiel en elle: la capacité d'être intérieurement sensible aux secousses vivantes de la vie commune. C'est cette sensibilité, cette réactivité aux rythmes sourds de l'histoire qui était l'essentiel dans l'œuvre d'Akhmatova : les confessions lyriques transformées sous sa plume en témoignage expressif de l'époque.

Son principal sentiment poétique de ces années est le sentiment de l'extrême fragilité de l'être, la proximité d'une catastrophe imminente inévitable, pour ainsi dire, la «fin du monde». Mais ni Akhmatova ni son entourage ne pouvaient alors comprendre la véritable raison d'une attitude aussi tragique. Dans l'esprit de la philosophie et de la poétique décadentes et symbolistes, ces raisons étaient mystifiées, la « fin » approchante acquit des contours apocalyptiques, il s'agissait d'être en général, rien de moins :

C'est comme si le monde se terminait...

Le sentiment de fragilité de la vie est peut-être le plus important et même le plus déterminant dans ses paroles des années pré-révolutionnaires. En parcourant les poèmes d'Akhmatova de ces années-là, on ne peut s'empêcher de sentir que le motif d'instabilité parcourt trop rigoureusement et brusquement toutes ses intrigues et que, par conséquent, la vie elle-même entourant une personne souffrante est instable.

Un voile transparent tombe

Sur le gazon frais et fond imperceptiblement.

Printemps cruel et froid

Les reins coulés tuent.

Peut neiger.

Dans "Un poème sans héros", écrit plusieurs années plus tard, elle, renouant avec ses souvenirs des années de sa jeunesse, décrit Pétersbourg en 1913. C'est une vue de loin - déjà du haut du dernier demi-siècle, mais dans le passage ci-dessus, qui est une restauration de sentiments disparus depuis longtemps, on peut clairement entendre (non sans l'intention de l'auteur, bien sûr) des motifs individuels de ses premiers textes, et en particulier le plus important d'entre eux - le motif du déplacement de tout autour du monde, son mouvement effroyablement inévitable vers une sorte de futur vague, lequel est inconnu. Il est clair que Pétersbourg, personnifiant aux yeux du poète la Russie et l'histoire russe, comme vacillante, s'est détachée de tout ce qui la retenait et l'a liée au passé mort, aux tombes et aux morts.

Le thème d'une conscience blessée et même « rageuse » confère aux paroles d'amour d'Akhmatova un caractère résolument original, elle, ce thème, à sa manière et très largement, repousse les limites du triangle amoureux traditionnel, nous montrant l'âme humaine dans sa souffrance et douleur, essentiellement incommensurable avec une situation spécifique de la vie quotidienne . Dans les paroles d'Akhmatov, il s'agit toujours de quelque chose de plus que ce qui est dit directement dans le poème.

Tout est enlevé : à la fois la force et l'amour.

Un corps abandonné dans une ville laide

Pas content du soleil. Se sentir comme du sang

J'ai déjà bien froid.

Tout est enlevé : à la fois la force et l'amour...

Il est caractéristique que ce soit dans les versets de ce sens que les associations bibliques et historiques apparaissent de plus en plus - elles repoussent à leur tour les limites des intrigues lyriques, leur donnant soit un caractère universel, soit un caractère historique et culturel.

La Russie était un pays plutôt sombre, inconnu et mystérieux pour Akhmatova, et le village apparaissait de la fenêtre du domaine du manoir comme une sorte de dépôt de prière et de travail, rayonnant une lumière calme, constante et apaisante d'humilité et de douceur. Cependant, une telle compréhension est tout à fait compréhensible, étant donné l'extrême éloignement d'Akhmatova ces années-là des problèmes sociopolitiques les plus importants et les plus urgents qui ont inquiété et agité le pays :

Dans cette vie j'ai vu un peu

J'ai juste chanté et attendu...

Priez pour les pauvres, les perdus...

Dans ses livres de cette époque, il y a beaucoup de paysages russes peints avec amour, invariablement réchauffés par une affection touchante et fidèle, un sentiment profond et vif. Elle réchauffait souvent sa muse glacée, parfois brisée et fragile au feu russe traditionnel, et cela n'a jamais été une belle technique classique pour elle. La guerre dans l'esprit d'Akhmatova est toujours un grand désastre, une tragédie et un mal. Mais un mal et un blasphème encore plus grands seraient de le transformer en une farce de rêves, et plus encore de le glorifier - de chanter le toast de la mort. A cet égard, elle était infiniment loin de la littérature semi-officielle, qui glorifiait la guerre malgré les souffrances et les malheurs évidents et incalculables du peuple. La mélodie du requiem l'élève nettement au-dessus du milieu littéraire :

J'ai la tristesse que le roi David

Des millénaires royalement accordés.

Peut neiger

Dans les mêmes années, elle a une autre image - inattendue - de la Muse. Mendiante et au foulard troué, telle une paysanne réfugiée ou une femme brûlée, elle apparaît dans l'un des poèmes sur fond d'éclair sanglant, au milieu de marécages gris engloutis par un feu dansant. Sa longue voix sourde, pleine d'un désir cruel, résonne haut et fort entre le ciel brûlant et la terre enflammée. Une sorte de résultat du chemin parcouru par Akhmatova avant la révolution devrait à juste titre être considéré comme son poème «J'avais une voix. Il appela avec consolation… », écrit en 1917 et représentant une vive invective dirigée contre ceux qui, pendant les années de dures épreuves, s'apprêtaient à quitter leur patrie :

Il a dit "Viens ici

Laisse ta terre sourde et pécheresse,

La principale chose qui séparait Akhmatova des émigrants était le sens du patriotisme. Ne comprenant pas le véritable sens de la révolution - et en cela elle différait de Blok et plus encore de Mayakovsky - Akhmatova, à en juger par les poèmes publiés en 1917-1920, liés aux événements de la révolution et de la guerre civile qui se déroulaient devant elle depuis le point de vue de ses vues. Elle condamnait la guerre civile, comme elle condamnerait n'importe quelle guerre dans ces années-là, et cette guerre lui paraissait d'autant plus terrible qu'elle s'accompagnait de l'intervention de puissances étrangères et qu'elle était menée par des peuples appartenant à une même patrie.

« J'avais une voix. Il a appelé de manière consolante ... "- l'une des œuvres les plus frappantes et les plus symptomatiques de la période de la révolution. Il n'y a aucune compréhension, aucune acceptation, mais la voix de cette intelligentsia a résonné avec passion et dignité, qui a traversé des tourments, fait des erreurs, douté, cherché, rejeté, trouvé, mais au milieu de tout ce cycle, elle avait déjà fait son choix principal, est restée solidaire de son pays, de son peuple. L'attachement national à la terre natale, qu'il est dommage de fuir, et la base culturelle et démocratique interne inhérente à la large aile de l'intelligentsia russe ont joué ici un rôle.

Le poème d'Akhmatova a été perçu par une certaine partie de l'intelligentsia avec une grande irritation - à peu près comme le poème d'A. Blok "Les Douze" a été perçu. La réprimande fâchée d'Akhmatova était, sans aucun doute, du même côté que le travail de Blok, malgré le fait qu'il y avait une différence fondamentale entre eux.

Plus tard, les paroles d'Akhmatova prennent une nouvelle couleur, basée sur le mythe de la famille. Les composantes de ce mythe sont des faits privés connus d'un cercle restreint d'initiés au contenu des secrets de famille. Akhmatova mettra l'accent sur ce "particulier", en disant que "... tout l'acméisme est né de ses observations (Gumilyov - M.S.) sur mes poèmes de ces années, ainsi que sur les poèmes de Mandelstam". Le concept même de « famille » peut avoir un sens plus intime, à savoir littéral : « couple marié ». Cette valeur est naturellement associée au couple Gumilev-Akhmatova. Il faut dire que l'aspect particulier se manifeste activement dans le système du mythe acméiste. Malgré l'interprétation détaillée par Gumilyov dans l'article «L'héritage du symbolisme et de l'acméisme» du nom de la direction, ce nom en lui-même a servi de matériau fertile pour la création de mythes. VIRGINIE. Piast a suggéré que "... le mot" acméisme ", bien qu'il soit censé être dérivé du grec" acmé "-" point ", " haut ", - mais a été remplacé, inconsciemment dicté, peut-être, par ce pseudonyme-nom de famille. " Akhmatov "Le suffixe "at", "atum", "atus" n'est-il pas latin ici ... "Akhmatus" - ce mot latin, selon les lois de la langue française, se transformerait en "acme" français, comme "amatus" dans "em", dans le nom français "Aime", et armatus dans arme "". Dans ses notes autobiographiques ultérieures, A. Akhmatova a souligné l'absence de lien entre son pseudonyme et le nom du mouvement littéraire. Un autre témoin oculaire de "l'histoire acméiste" Georgy Adamovich dans ses mémoires reproduira l'ère de l'acméisme à travers le prisme de ce mythe, mettant la révolution, l'effondrement de "l'Atelier des Poètes" et ... le divorce de Gumilyov et Akhmatova : "Après la révolution, tout a changé dans notre vie. Cependant, pas immédiatement. Au début, il semblait que le bouleversement politique ne devrait pas affecter la vie privée, - mais ces illusions n'ont pas duré longtemps. Khmatova a divorcé de Gumilyov, l'existence du premier "Atelier des poètes" a cessé, le "Stray Dog" a été fermé ... ". Lorsque «Alien Sky» est sorti fin avril, des amis en ont livré un exemplaire à Gumilyov à Florence, ayant appris avec surprise qu'Anna Andreevna vivait à Rome.

La "confession" d'Akhmatova semble non seulement "terrible", mais aussi assez étrange: "Je ne me souviens pas clairement de l'Italie ...". Cela a été dit en 1925, alors qu'Akhmatova n'était qu'à treize ans de son voyage en Italie. Et dans le «Poème sans héros» (années 40-60), l'auteur reproduit de manière vivante et vivante les impressions italiennes:

Et comme s'il se souvenait de quelque chose,

« Vous vous trompez : la Venise des Doges -

C'est à proximité...

De plus, les « caprices » de sa mémoire mentionneront spécifiquement :

Entre "se souvenir" et "se souvenir", d'autres,

Distance à partir de Luga

Au pays des combats de satin.

Ces "bizarreries" sont liées, comme le montre le contexte, principalement à "l'épisode italien". De plus, la ligne sur le «pays des bauds de satin» est fournie dans le «Poème» avec une note «ridiculement véridique» de l'éditeur: «Bauta est un demi-masque vénitien avec une cape». Ainsi, dans "Reshka", le thème du poème "1913" est légèrement révélé et le motif d'un voyage printanier en Italie encadrant ce thème est révélé. L'image de Venise représente alors ce motif, puisque « Venise, faisant partie du tout, représente en même temps ce tout ». La postulation du fait de la proximité spatiale de la province de Saint-Pétersbourg avec le centre de la culture mondiale s'inscrit organiquement dans la structure mythologique - la structure du mythe de Saint-Pétersbourg. Le «mythe acméiste» agit par rapport au «Pétersbourg» comme une partie - au tout. Ce rapport des deux mythes qu'Akhmatova fixera dans ses brouillons, dans lesquels elle laissera en pointillés de nombreuses intrigues de son œuvre, en particulier "Poèmes sans héros":

Dans son poème de résultats, Akhmatova affirme une fois de plus le point de vue "artistique", d'une part, sur la juxtaposition de Saint-Pétersbourg et de Venise ("la Venise des Doges est proche...), et d'autre part, sur la juxtaposition de la "banlieue " et le "centre" "Meadows" - "pays des combats de satin"). Le même «paradoxe spatial» se manifestera dans le fragment d'Akhmatov «Sur l'atelier des poètes», où il est souligné que l'acméisme, que Mandelstam appelait «l'aspiration à la culture mondiale», était «résolu» à Tsarskoïe Selo. De plus, dans une phrase-formule laconique indiquant une adresse spécifique (Malaya, 63), comme déjà mentionné ci-dessus, le «mythe familial» est implicitement plié, qui est devenu la base d'un autre sous-texte acméiste. N. Gumilyov a exprimé «en privé» la formule de la culture du XXe siècle d'une manière similaire, mais phraséologiquement différente, affirmant que «la vie culturelle de Saint-Pétersbourg à la veille de la guerre était si élevée que l'Europe éclairée lui semblait un Province." La forme de vie culturelle à l'époque de son apogée à la veille du coucher du soleil pour Gumilyov et son entourage proche était l'acméisme.

L'acméisme (du grec Akme - le plus haut degré de quelque chose, épanouissement, maturité, apogée, pointe) est l'une des tendances modernistes de la poésie russe des années 1910, dont la base était le rejet de l'ambiguïté et de la fluidité des images et la désir de clarté matérielle, d'image et de justesse, chasse au mot poétique /17/.

La poésie "terrestre" des acméistes est sujette à l'intimité, à l'esthétisme et à la poétisation des sentiments de l'homme primordial. L'acméisme se caractérisait par une apolitisme extrême, une indifférence totale aux problèmes d'actualité de notre temps.

Le début d'une nouvelle tendance a été posé à l'automne 1911, lorsqu'un conflit a éclaté dans le salon poétique de Vyacheslav Ivanov. Plusieurs jeunes poètes talentueux ont quitté avec défi la prochaine réunion de "l'Académie du vers", indignés par les critiques des "maîtres" du symbolisme.

Un an plus tard, à l'automne 1912, les six poètes qui formèrent l'Union "Atelier des Poètes" décidèrent non seulement formellement, mais aussi idéologiquement de se séparer des Symbolistes. Ils ont organisé une nouvelle communauté, se faisant appeler "Acmeists". Dans le même temps, "l'Atelier des Poètes" en tant que structure organisationnelle a été préservé - les acméistes y sont restés en tant qu'association poétique interne / 43 /.

Les acméistes n'avaient pas de programme philosophique et esthétique détaillé. Mais si dans la poésie du symbolisme le facteur déterminant était la fugacité, l'instantanéité de l'être, un certain mystère couvert d'une auréole de mysticisme, alors une vision réaliste des choses était posée comme pierre angulaire dans la poésie de l'acméisme. L'instabilité floue et le flou des symboles ont été remplacés par des images verbales précises. Le mot, selon les acméistes, aurait dû acquérir son sens originel.

Le point culminant de la hiérarchie des valeurs était pour eux la culture. Un trait distinctif du cercle des poètes acméistes était leur "cohésion organisationnelle" /57/. En substance, les acméistes n'étaient pas tant un mouvement organisé avec une plate-forme théorique commune, mais un groupe de poètes talentueux et très différents qui étaient unis par une amitié personnelle. Les symbolistes n'avaient rien de tel. Les Acméistes ont immédiatement agi comme un seul groupe.

Les grands principes de l'acméisme étaient:

La libération de la poésie du symbolisme fait appel à l'idéal, le retour de la clarté à celui-ci ;

Rejet de la nébuleuse mystique, acceptation du monde terrestre dans sa diversité, concretité visible, sonorité, couleur ;

Le désir de donner au mot un sens spécifique, précis ;

Objectivité et clarté des images, netteté des détails;

Appel à une personne, à "l'authenticité" de ses sentiments;

Poétisation du monde des émotions primordiales, principe naturel biologique primitif ;

Un appel aux époques littéraires passées, aux associations esthétiques les plus larges, « nostalgie de la culture mondiale » /20/.

En février 1914, il se sépare. La "boutique des poètes" était fermée. En tant que tendance littéraire, l'acméisme n'a pas duré longtemps - environ deux ans, mais il a eu un impact significatif sur le travail ultérieur de nombreux poètes.

L'acméisme compte six des participants les plus actifs du courant: N. Gumilyov, A. Akhmatova, O. Mandelstam, S. Gorodetsky, M. Zenkevich, V. Narbut.

Les premiers travaux d'Anna Akhmatova exprimaient de nombreux principes d'esthétique acméiste, perçus par la poétesse dans un sens individuel. Cependant, la nature de la vision du monde la distinguait des autres acméistes. Blok l'a qualifiée de "véritable exception" parmi les acméistes. "Seule Akhmatova est allée en tant que poète sur les chemins du nouveau réalisme artistique qu'elle a découvert, étroitement lié aux traditions de la poésie classique russe ...", écrit Zhirmunsky / 26 /. La gravitation vers la tradition classique stricte et harmonieusement ajustée de la poésie russe du XXe siècle était prédéterminée bien avant qu'Akhmatova ne devienne poète. Un rôle important à cet égard a été joué par son éducation classique, son enfance passée à Tsarskoïe Selo, son éducation dans les meilleures traditions de la culture noble russe.

Une caractéristique des premiers travaux de la poésie d'Akhmatova est l'interprétation du poète en tant que gardien de la chair du monde, de ses formes, de ses odeurs et de ses sons. Tout dans son travail est imprégné des sensations du monde environnant /29/.

"Le vent souffle chaud, étouffant,

Le soleil a brûlé mes mains

Au-dessus de moi se trouve une voûte aérienne,

Comme du verre bleu

Les immortels sentent sec

Dans une tresse éparse.

Sur le tronc d'un épicéa noueux

Autoroute des fourmis.

L'étang est d'argent paresseux,

La vie est redevenue facile...

Qui rêvera de moi aujourd'hui

Dans la maille légère d'un hamac ?

Dans le cadre de l'acméisme, Akhmatova a développé une compréhension de l'être en tant que présence, qui est un principe important pour la philosophie de l'acméisme - le principe de "domestication", l'habitation de l'espace environnant comme une forme d'attitude créative à la vie. Ce sentiment de connexion intime et chaleureux s'est reflété dans les travaux ultérieurs d'Akhmatova.

Une perception purement valorisante du monde réel, y compris la « prose de la vie », était la base idéologique d'une nouvelle manière d'incarner les émotions /48/.

Mais contrairement à l'appel acméiste à accepter la réalité "dans la totalité des beautés et des laideurs", les paroles d'Akhmatova sont remplies du drame le plus profond, d'un sens aigu de la fragilité, de la disharmonie de l'être, d'une catastrophe imminente.

La poésie d'Akhmatova a une propriété qui la distingue des autres acméistes : c'est l'intimité, l'auto-absorption, l'immersion dans les secrets de l'âme - féminine, complexe et raffinée / 49 /.

Mais cette intimité est renforcée par la clarté et la rigueur, qui ne permettent aucune « ouverture ».

"Oh ferme la! de discours passionnants et passionnés

Je suis en feu et je tremble

Et les yeux tendres effrayés,

Je ne t'emmène pas.

Oh ferme la! dans mon jeune coeur

Vous avez réveillé quelque chose d'étrange.

La vie me semble un merveilleux rêve mystérieux

Où baiser-fleurs

Pourquoi es-tu si penché vers moi

Qu'as-tu lu dans mes yeux,

Pourquoi est-ce que je tremble ? pourquoi suis-je en feu?

Quitter! Oh, pourquoi es-tu venu."

Le travail d'Anna Akhmatova dans le groupe des acméistes et dans la poésie russe dans son ensemble doit être défini comme un "lyrisme tragique". La tragédie, même dans ses premiers poèmes, est le fond le plus profond et le plus distinct, le plus brillant, parfois même le plus joyeux, sur lequel cette tragédie est montrée. Si ses collègues de l'acméisme se définissent selon le principe de la transformation artistique de la réalité extérieure dans un aspect objectif, dans l'énergie de l'action, dans l'expérience directe de la culture comme mémoire et comme l'un des buts de la vie, alors Akhmatova se concentre sur attention artistique sur la sphère émotionnelle intérieure, sur la formation de la personnalité, sur les conflits internes par lesquels passe la personnalité /29/. Regardons les lignes :

Trois dans la salle à manger sonnèrent,

Et dire au revoir, en se tenant à la balustrade,

Elle semblait dire avec difficulté :

"C'est tout... Oh, non, j'ai oublié,

Je t'aime, je t'aimais

Déjà alors !" - "Oui".

C'est le conflit lyrique d'Akhmatova. Ici, vous pouvez déjà sentir l'intensité tragique dans laquelle la source du travail tardif d'Akhmatova.

Le thème principal des paroles d'Akhmatova a toujours été l'amour. Elle a développé un concept particulier de l'amour, dont l'incarnation était une découverte psychologique et poétique dans les paroles russes du XXe siècle /29/. Akhmatova s'est éloignée du stéréotype symboliste de la représentation de l'amour comme une réfraction dans l'âme humaine de certaines entités du monde (harmonie universelle, débuts élémentaires ou chaotiques) et s'est concentrée sur les "signes terrestres", l'aspect psychologique de l'amour :

C'était étouffant à cause de la lumière brûlante,

Et ses yeux sont comme des rayons.

J'ai juste frissonné : ça

Peut m'apprivoiser.

Il s'est penché - il dirait quelque chose ...

Du sang coula de son visage.

Laissez-le reposer comme une pierre tombale

Pour ma vie mon amour.

L'essence de l'amour, selon Akhmatova, est dramatique, et pas seulement l'amour sans réciprocité, mais aussi «heureux». Le «moment arrêté» du bonheur meurt, car la satisfaction de l'amour est lourde de désir et de refroidissement. L'analyse de cet état est consacrée au poème "Il y a un trait chéri dans la proximité des gens...".

L'interprétation de l'amour a affecté le développement de l'image de l'héroïne lyrique. Sous la simplicité extérieure de l'apparence se cache une image complètement nouvelle d'une femme moderne - avec une logique paradoxale de comportement qui échappe aux définitions statiques, avec une conscience "à plusieurs niveaux", dans laquelle coexistent des principes contradictoires.

Des facettes contrastées de la conscience sont personnifiées dans différents types de l'héroïne lyrique /29/. Dans certains poèmes, il s'agit d'un représentant de la bohème littéraire et artistique. Par example:

"Oui, je les aimais, ces rassemblements de la nuit, -

Verres à glace sur une petite table,

Sur café noir odorant, fine vapeur,

Cheminée rouge lourde, chaleur hivernale,

La gaieté d'une plaisanterie littéraire caustique

Et le premier regard d'un ami, impuissant et effrayant."

Parfois, le "je" lyrique est stylisé comme une villageoise :

"Mon mari m'a fouetté à motifs,

Ceinture à double pli.

Pour vous dans la fenêtre à battant

Je suis assis avec le feu toute la nuit ... "

La tendance à l'aliénation du héros lyrique au « je » de l'auteur est caractéristique de la poétique de l'acméisme. Mais si Gumilyov s'est tourné vers la forme personnaliste d'expression du «je» lyrique et que le héros du premier Mandelstam s'est «dissous» dans l'objectivité du monde représenté, alors «l'objectivation» d'Akhmatova de l'héroïne lyrique s'est produite différemment.

La poétesse, pour ainsi dire, a détruit la convention artistique de l'effusion poétique. En conséquence, les «masques stylistiques» de l'héroïne étaient perçus par les lecteurs comme authentiques et le récit lyrique lui-même était perçu comme une confession de l'âme. L'effet d '«auto-reconnaissance» a été obtenu par l'auteur en introduisant des détails quotidiens dans le poème, une indication spécifique de l'heure ou du lieu et l'imitation du discours familier.

"Dans cette robe grise de tous les jours,

Sur des talons usés...

Mais, comme avant, une étreinte brûlante,

La même peur dans les grands yeux.

La prosaïsation, la domestication de la situation lyrique a souvent conduit à une interprétation littérale des textes et à la naissance de mythes sur sa vie personnelle.

D'autre part, Akhmatova a créé une atmosphère d'euphémisme et de mystère impénétrable autour de ses poèmes - les prototypes et les destinataires de nombre de ses poèmes font encore l'objet de débats. La combinaison de l'authenticité psychologique de l'expérience avec le désir de « supprimer » le « je » lyrique, de le cacher derrière une image-masque est l'une des nouvelles solutions artistiques des premiers Akhmatova /51/.

Elle a créé une poésie vibrante et émotionnelle; plus que n'importe lequel des acméistes, elle a comblé le fossé entre le discours poétique et le discours familier. Elle évite la métaphorisation, la complexité de l'épithète, tout en elle se construit sur le transfert d'expérience, l'état d'âme, sur la recherche de l'image visuelle la plus juste. Par example:

"L'infirmière de l'insomnie est allée chez les autres,

Je ne languis pas sur la cendre grise,

Et la flèche tordue de la tour de l'horloge

Cela ne me semble pas être une flèche mortelle."

Les poèmes d'Akhmatova se distinguent par leur simplicité, leur sincérité et leur naturel. Elle n'a apparemment pas à faire d'effort pour suivre les principes de l'école, car la fidélité aux objets et aux perceptions découle directement de sa nature. Akhmatova ressent vivement les choses - la physionomie des choses, enveloppant leur atmosphère émotionnelle. Chaque détail est inextricablement lié à son humeur, formant un tout vivant. Les premiers Akhmatova s'efforcent de transmettre indirectement des états psychologiques par la fixation de manifestations externes du comportement humain, la délimitation d'une situation d'événement, les objets environnants. Par example:

"Alors, impuissant, ma poitrine est devenue froide,

Mais mes pas étaient légers.

je mets ma main droite

Le gant de la main gauche."

Ainsi, l'acméisme a eu une grande influence sur le travail d'Akhmatova, mais en même temps, ses poèmes diffèrent fortement dans leur concept des œuvres d'autres poètes acméistes.

Les acméistes ont refusé d'incarner des entités inconnues qui ne peuvent pas être vérifiées. L'approche d'Akhmatova aux expériences intérieures, en fait, était la même, mais ses essences non manifestées passent du plan ontologique au plan psychologique. Le monde dans la poésie d'Akhmatova est inséparable de la conscience qui perçoit. Par conséquent, l'image de la réalité est toujours doublée: les réalités du monde extérieur ont de la valeur en elles-mêmes et contiennent des informations sur l'état interne de l'héroïne.

Cependant, la révolution poétique d'Akhmatova n'a pas consisté dans le fait qu'elle a commencé à utiliser des mots ayant une signification objective pour incarner des émotions, mais dans le fait qu'elle a uni deux sphères de l'être - l'externe, l'objectif et l'intérieur, le subjectif, et a fait de la première une plan d'expression de ce dernier. Et cela, à son tour, était le résultat d'une nouvelle pensée - acméiste.