Types d'art théâtral et leurs caractéristiques. Histoire du théâtre : émergence et développement de l'art théâtral, faits divertissants

L'histoire du théâtre (si nous la prenons de la tradition théâtrale grecque antique la plus civilisée) se compte en milliers d'années. Pendant ce temps, le théâtre a subi de nombreux changements et métamorphoses, a subi l'influence de nombreuses cultures et s'est diversifié dans de nombreuses façons originales d'organiser et de présenter la représentation scénique. La variété des moyens d'expression théâtrale contribue à la préservation de la popularité invariable de l'art théâtral tout au long de son histoire. Aujourd'hui, chacun a son propre théâtre, son propre drame et ses types d'art théâtral préférés, qu'il s'agisse de ballet, de comédie musicale ou de drame psychologique.

Dans le studio de théâtre pour adolescents, vous pouvez étudier en détail les principales caractéristiques de chaque type d'art du spectacle. Les étudiants ont une occasion unique de s'essayer dans le rôle d'un acteur de tout genre.

Les genres de l'art théâtral peuvent être très différents les uns des autres, mais ils sont unis par une caractéristique principale : le théâtre est toujours une action, toujours un fragment de la vie de l'esprit humain dans des circonstances non standard, toujours un conflit d'intérêts aigu. . La différence réside dans les ensembles de moyens expressifs qui caractérisent un genre particulier. Par exemple, le ballet exprime des compétences d'acteur dans la danse, les réactions psychophysiques et les dialogues dominent dans le drame, les monologues sublimes, le pathétique, etc., dans la tragédie.

Les principaux types d'arts du spectacle :

• drame,
• la tragédie,
• comédie,
• musical,
• opérette,
• opéra,
• ballet,
• spectacle de marionnettes.

Drame

Traduit du grec, ce mot signifie « action » ou « acte ». Diffère dans le réalisme, et par rapport à la tragédie grandiloquente - même le terre-à-terre de l'intrigue. Au centre de l'histoire se trouve un homme, son monde intérieur et sa lutte avec les circonstances. Souvent, un conflit dramatique affecte les problèmes sociaux et les contradictions personnelles profondes des héros. Le théâtre est aussi un genre littéraire et cinématographique.

La tragédie

Le genre est le prédécesseur du drame. Au centre de la tragédie se trouve toujours la lutte d'une personne avec l'inévitabilité du destin, à la suite de laquelle une personne meurt. La tragédie se caractérise par l'arrogance, les héros parlent en monologues. Souvent, un participant invisible mais implicite à un événement tragique est une divinité ou un destin maléfique. La tragédie est parfois appelée un drame moderne avec un dénouement tragique.

Comédie

La comédie est un genre de théâtre, à l'opposé de la tragédie. Le but de la comédie est de faire rire le spectateur. Elle est obtenue grâce à un concours de circonstances absurde, grâce auquel les héros se retrouvent dans des situations stupides (sitcom), en ridiculisant des personnages ou des phénomènes sociaux (satire), ou grâce à une parodie grossière, grotesque et caricaturale de la réalité (farce) . Une comédie peut être qualifiée de drame avec un dénouement humoristique inattendu.

Musical

Performance musicale et chorégraphique basée sur une intrigue dramatique ou comique. La comédie musicale se distingue par sa portée et son divertissement (décorations complexes, effets spéciaux, scènes de foule, etc.), ainsi que par l'utilisation de genres musicaux modernes, en comparaison avec les genres musicaux traditionnels, de moyens expressifs et de solutions techniques. L'un des genres théâtraux les plus complexes et les plus chers, mais en même temps, c'est le plus résonnant de ces dernières années.

Opérette

Comédie musicale, littéralement "petit opéra". Au sens moderne, c'est un genre musical de l'art théâtral, proche de l'opéra-comique, combinant des dialogues conversationnels avec des numéros de musique et de danse. Contrairement à une comédie musicale, une opérette est une performance au sens classique du terme.

Opéra

Une production musicale, le plus souvent de nature dramatique ou tragique, est une combinaison unique de drame et de voix. Tout dans l'opéra se joue sur la musique. Tous les dialogues et monologues sont présentés par des parties vocales, tandis que les numéros chorégraphiques sont secondaires et ont un caractère de service.

Ballet

Contrairement à l'opéra, le ballet se passe du chant et de la parole. Les moyens d'expression du ballet sont la musique, la danse, la pantomime et le grotesque. Le ballet classique a toujours une intrigue et un drame, il est basé sur la danse classique. Le théâtre moderne part du principe que le ballet est plus libre dans ses moyens, il peut utiliser :

• danses modernes;
• danses nationales;
• acrobaties;
• le jazz;
• Musique électronique;
• musique ethnique.

Tout sur cette liste peut être présent à la fois dans différentes performances et combiné dans une seule performance.

Spectacle de marionnettes

Spectacles dans lesquels tous les rôles sont joués par des poupées, doublés et mis en mouvement par des comédiens. Les acteurs eux-mêmes sont derrière la scène au moment de la représentation et ne sont pas visibles pour le spectateur. Le théâtre de marionnettes est principalement un art théâtral pour enfants.

Le théâtre ne s'arrête pas, il se développe, de nouveaux genres apparaissent, parfois il est difficile de les suivre, et parfois on oublie complètement l'existence des anciennes versions classiques.

Afin que vous ne vous perdiez pas dans la variété des théâtres, nous vous proposons un classement général.

Théâtre d'auteur

Le théâtre d'auteur implique l'appartenance à un directeur artistique dont il diffuse les idées au public. Il s'agit notamment du centre Gogol, du théâtre romain Viktyuk, du théâtre conceptuel Kirill Ganin et d'autres.

Théâtre du Drame

La performance dramatique est basée sur une œuvre littéraire. Le théâtre n'implique pas seulement l'expression de pensées et d'émotions à travers des mots et des expressions faciales, il peut également impliquer des chansons et des danses.

Théâtre d'humour

Le nom parle de lui-même. Dans ces théâtres, la part du lion du répertoire est occupée par des comédies, à la fois basées sur des œuvres littéraires classiques et des pièces de théâtre modernes.

Spectacle de marionnettes

Contrairement aux idées reçues, le théâtre de marionnettes ne propose pas que des spectacles pour enfants. Ils ont aussi souvent des spectacles pour adultes. Il n'y a pas d'acteurs sur scène, mais il y a des poupées et ceux qui les contrôlent. Et puis il y a des performances mixtes, où des personnages joués par des humains interagissent avec des poupées.

Spectacles sur glace

Les patineurs artistiques participent au spectacle sur glace. Habituellement, l'intrigue d'un morceau célèbre est ramenée à la musique. Dans de tels événements, de nombreux effets spéciaux sont utilisés. Les spectacles les plus populaires en Russie sont mis en scène par la compagnie d'Ilya Averbukh.

Théâtre musical

Les théâtres musicaux proposent au public des représentations basées sur le chant et la danse. Des comédies musicales et des opérettes sont généralement présentées ici. De telles performances se distinguent par une présentation vivante et mémorable conçue pour divertir.

Théâtre de rue

Un théâtre de rue est un théâtre de rue car il se déroule en plein air. Le point principal de ces performances est l'improvisation. De telles performances sont souvent gênées par le public, car il n'y a pas de frontière claire entre eux et les acteurs. Pour cette raison, les représentations de théâtre de rue sont souvent expérimentales.

Bouffonnerie

Les représentations dans les théâtres Buff sont basées sur le grotesque, une forte exagération des traits de caractère, certaines actions ou phénomènes. Tout cela conduit à un effet satirique. Les racines de la bouffonnerie sont enracinées dans l'areal commedia dell'arte italienne.

Théâtre national

Les théâtres nationaux signifient des styles et des choix qui ne peuvent être vus que dans un seul pays. De telles idées n'ont pas reçu une large diffusion mondiale. Ces théâtres comprennent le Noo et le Kabuki japonais, le Mak Yong malais, le théâtre de masques Thai Khon et d'autres.

Théâtre d'opéra et de ballet

Dans les théâtres d'opéra et de ballet, seuls des spectacles de ces genres et des concerts de musique classique sont organisés. L'architecture de ces théâtres est spécialement conçue pour eux. Les plus célèbres en Russie sont le Théâtre Bolchoï à Moscou et le Théâtre Mariinsky à Saint-Pétersbourg.

Théâtre du Jeune Spectateur

Le Théâtre pour Jeunes Spectateurs a son nom pour une raison, son public est vraiment composé d'enfants, d'adolescents et de jeunes. Le répertoire est formé en fonction de l'âge du public. Bien que certains théâtres se permettent parfois de mettre en scène des spectacles pour adultes.

Théâtre d'ombres

Pour les représentations dans le théâtre d'ombres, un grand écran translucide et des marionnettes sont utilisés. Ce genre est originaire de Chine, mais s'est rapidement répandu dans le monde entier.

Théâtre immersif

Le théâtre immersif est un genre très récent. Il repose sur l'immersion totale du spectateur dans l'univers de la production. La seule règle est de se taire et de ne pas enlever son masque. Il n'est pas possible de voir de telles performances partout. Alors qu'ils se déroulent à New York, Moscou et Saint-Pétersbourg.

Théâtre d'un seul acteur

Un nom assez révélateur - une seule personne participe vraiment à de telles productions. Parfois, la performance se déroule comme le monologue d'un héros, et parfois l'acteur doit se réincarner dans différents personnages.

Théâtre satirique

Des pièces satiriques ridiculisant les vices publics et personnels sont mises en scène dans des théâtres de satire. Comme il s'agit d'un genre assez courant en littérature, ces théâtres ne manquent pas de pièces de théâtre.

Théâtre sous-marin

Le théâtre sous-marin allie plongée sous-marine et ... ballet. L'idée de ce genre d'art est née en Russie. La durée des représentations n'est que de 40 minutes. Les acteurs retiennent leur souffle pendant 3 à 4 minutes et flottent pour respirer dans les parties de la piscine qui ne sont pas visibles pour le public.

LE THÉÂTRE COMME ART

Comme tout autre art (musique, peinture, littérature), le théâtre a ses propres caractéristiques particulières. Cet art est synthétique : une œuvre théâtrale (performance) est constituée du texte de la pièce, œuvre d'un metteur en scène, acteur, artiste et compositeur. La musique joue un rôle décisif dans l'opéra et le ballet.

Dans le dernier quart du XIXème siècle. dans toute l'Europe, mais principalement en France, ont commencé à se créer théâtres de cabaret , qui combinait les formes du théâtre, de la scène, du chant au restaurant. Les plus célèbres et les plus populaires étaient "Black Cat" à Paris, "Eleven Executioners" à Munich, "Blast It All" à Berlin, "Crooked Mirror" à Saint-Pétersbourg.

Les artistes se sont réunis dans les locaux du café, ce qui a créé une atmosphère particulière. L'espace de telles performances pourrait être le plus inhabituel, mais le plus souvent le sous-sol a été choisi - comme quelque chose d'ordinaire, mais en même temps mystérieux, un peu interdit, souterrain. Les spectacles de cabaret (scènes courtes, parodies ou chansons) tant pour le public que pour les interprètes ont eu une expérience particulière - un sentiment de liberté sans restriction. Le sentiment de mystère était généralement renforcé par le fait que de telles représentations étaient données tard, parfois la nuit. À ce jour, il existe de vrais cabarets dans différentes villes du monde.

Un type particulier de représentation théâtrale - spectacle de marionnettes. En Europe, il est apparu à l'époque de l'Antiquité. Dans la Grèce antique et à Rome, des représentations à domicile étaient jouées. Depuis ce temps, le théâtre a bien sûr changé, mais l'essentiel est resté - seules les poupées participent à de telles représentations. Cependant, ces dernières années, les poupées ont souvent "partagé" la scène avec les acteurs.

Chaque nation a ses propres héros fantoches, à certains égards similaires et à certains égards différents. Mais ils ont tous un point commun : sur scène, ils plaisantent, jouent aux espiègles, ridiculisent les défauts des gens. Les poupées diffèrent les unes des autres, à la fois par "l'apparence" et par la structure. Les plus courantes sont les poupées à fil, les poupées de précision et les poupées en roseau. Les représentations de théâtre de marionnettes nécessitent un équipement spécial et une scène spéciale. Au début, c'était juste une boîte avec des trous faits par le bas (ou le haut). Au Moyen Âge, des représentations étaient organisées sur la place - puis un rideau était tiré entre deux piliers, derrière lesquels se cachaient les marionnettistes. Au XIXème siècle. les représentations ont commencé à être jouées dans des salles spécialement construites.

Une forme particulière de théâtre de marionnettes est le théâtre de marionnettes, des marionnettes en bois. Des scénarios spéciaux ont été composés pour le théâtre de marionnettes. L'histoire du théâtre de marionnettes mondial connaît de nombreux noms célèbres. Les représentations ont été un énorme succès. Revaz Levanovich Gabriadze (né en 1936), marionnettiste et dramaturge géorgien, propose de nouvelles solutions à ses fantasmes.

ORIGINE DU THÉÂTRE.

Le théâtre est un art « en voie de disparition » difficile à décrire. La performance laisse une empreinte dans la mémoire du public et très peu de traces tangibles et matérielles. C'est pourquoi la science du théâtre - les études théâtrales - est apparue tardivement, à la fin du XIXe siècle. Parallèlement, deux théories sur l'origine du théâtre apparaissent. Selon le premier, l'art de Sienne (à la fois occidental et oriental) s'est développé à partir de cérémonies et de rituels magiques. Dans de tels événements, il y avait toujours un jeu, les participants utilisaient souvent des masques et des costumes spéciaux. L'homme "jouait" (représentait, par exemple, une divinité) afin d'influencer le monde environnant - les gens, la nature, les dieux. Au fil du temps, certains rituels se sont transformés en jeux séculaires et ont commencé à servir de divertissement ; plus tard, les participants à ces jeux se sont séparés du public.

Une autre théorie relie l'origine du théâtre européen à la croissance de la conscience de soi de la personnalité. Une personne a besoin de s'exprimer à travers un art spectaculaire, qui a un impact émotionnel puissant.

"JOUER EN ADULTE, SEULEMENT EN MIEUX"

L'idée qu'il est nécessaire de créer des théâtres spéciaux pour les enfants est née depuis longtemps. L'une des premières représentations "pour enfants" était l'œuvre du Théâtre d'art de Moscou. En 1908, il met en scène la pièce "L'Oiseau bleu" du dramaturge belge Maurice Maeterlinck, et depuis lors, la célèbre représentation n'a pas quitté la Sienne du Théâtre d'art de Moscou du nom de M. Gorky. Cette production a déterminé la voie du développement des arts du spectacle pour enfants - un tel théâtre doit être compréhensible pour un enfant, mais en aucun cas primitif, ni unidimensionnel.

En Russie, les théâtres pour enfants ont commencé à apparaître après octobre 1917. Déjà en 1918, le premier théâtre pour enfants du Conseil de Moscou a ouvert ses portes à Moscou. L'organisateur et le directeur sont devenus, les performances ont été conçues par de merveilleux artistes et un célèbre chorégraphe a travaillé ici. Natalya Ilyinichna Sats () a consacré toute sa vie créative au théâtre pour enfants. Dans des années. elle a été directrice artistique du Théâtre pour enfants de Moscou (aujourd'hui Théâtre central pour enfants). Sa dernière idée est le Théâtre musical pour enfants de Moscou (porte le nom). En février 1922, les premiers spectateurs sont reçus par le Théâtre des Jeunes Spectateurs de Léningrad. L'un de ses fondateurs et chef permanent était le réalisateur Alexander Alexandrovich Bryaniev (). Il croyait que dans le théâtre, il était nécessaire d'unir des artistes capables de penser comme des enseignants et des enseignants capables de percevoir la vie comme des artistes.

De nouveaux problèmes purement techniques sont apparus. La salle avait besoin d'une lumière particulière, il fallait qu'elle donne une « image » de l'arrière-plan, qui sera sous les yeux du public pendant plusieurs heures d'action. Des cadres avec des toiles ont été insérés dans une véritable composition architecturale - d'autres bâtiments ou intérieurs y ont été représentés, et ainsi l'illusion d'un espace différent a été créée sur le terrain de jeu. Parfois, un paysage était peint sur toile, comme s'il « défonçait » le mur et éclatait dans le monde clos par l'architecte.

Au Moyen Âge, les représentations ont recommencé à être jouées en plein air. Les formes du folklore médiéval, le théâtre de rue ont été préservées à la Renaissance - dans la construction de la scène shakespearienne. Le nom du grand dramaturge anglais est appelé le type de construction de l'espace théâtral qui existait sous le règne de la reine Eli et les alliances de I Tudor (gg.).

Une particularité de la scène élisabéthaine était sa division en trois terrains de jeux. Une telle scène (fortement saillante dans le public) était prête à accepter tout ce qui naîtrait de la fantaisie du dramaturge. Il a permis de transférer facilement l'action de la pièce d'un pays à l'autre, de déplacer librement les événements dans le temps. Parfois, les détails de la situation étaient expliqués dans le texte émis depuis la scène. Dans les pièces de Shakespeare et de ses contemporains, on peut non seulement trouver des remarques détaillées, mais aussi apprendre des personnages eux-mêmes à quoi ressemble un paysage particulier. Les héros de la pièce "La Tempête" qui se sont miraculeusement échappés du naufrage, sortant de l'eau, disent avec surprise : "Nos vêtements, trempés dans la mer, n'ont pourtant perdu ni fraîcheur ni couleurs" ou : "A mon avis, notre robe a l'air toute neuve... " etc.

Le théâtre lui-même établissait les conventions et les règles qui reliaient les deux parties d'un même ensemble théâtral - la pièce et le public. Tout ce qui pénétrait dans l'espace de jeu, sur la scène, s'est transformé : un arbre dans une baignoire est devenu une forêt, un fauteuil est devenu un trône royal, des vêtements ordinaires sont devenus un costume de théâtre. Au XVIe siècle. dans la ville de Vicence, dans le nord-est de l'Italie, un architecte exceptionnel (de son vrai nom di Pietro di Padova) a construit le Teatro Olimpico (15). Ce bâtiment a été complété par un disciple de Palladio - Vincenzo Scamozzi (). Le Teatro Olimpico avait un plafond à la fois au-dessus de la cour de récréation et au-dessus de l'auditorium. L'espace du théâtre semblait être fermé. Derrière le dos des comédiens, au fond de la scène, des décors architecturaux en trois dimensions ont été placés. Là, dans les profondeurs, l'acteur ne pourrait pas entrer - sinon il détruirait l'espace illusoire. D'autre part, sur le sol en pente des "rues" d'origine, on pouvait placer des personnages peints à plat, sculptés à la bonne échelle, et un monde d'une durée indéfinie apparaissait sous les yeux du public, comme dans les temps anciens. Et au plafond de la salle, le peintre a représenté le ciel, essayant de préserver l'ancien lien avec le monde autour du théâtre.

Beaucoup de ce que les architectes de théâtre et les artistes ont inventé pendant la Renaissance ont survécu dans le théâtre à ce jour. La ligne de rampe (fr. Rampe), frontière entre l'espace de vision et de jeu, est encore souvent signalée par de petites lampes. Equipés de réflecteurs spéciaux, ils sont placés pour éclairer la scène et le visage des acteurs. Sur des supports en porte-à-faux poussés hors du mur, des câbles (cordes) ont été tirés et, à l'aide d'un dispositif spécial, les personnages ont survolé la scène. Malgré les dernières avancées de la technologie scénique moderne, le principe de cet appareil est toujours considéré comme le plus fiable. Vers la fin du XVIIe siècle. dans l'architecture théâtrale, la loge a enfin pris forme, la même que l'on retrouve aujourd'hui dans le théâtre. Une attention particulière a été portée aux artistes jusqu'à la fin du XIXe siècle. payé pour que le spectateur ait le sentiment que cette boîte contient un espace énorme. Cette scène dite italienne est devenue la plus courante du théâtre européen.

Dans les limites de la scène italienne de la boîte, l'artiste, suivant les instructions du dramaturge, a aligné le décor selon des plans : du premier plan (la ligne de la rampe) il a progressivement « étiré » l'image et l'a réduite à l'arrière-plan - une toile de fond pittoresque et plate. Sur les coulisses, alignées des deux côtés de la scène, sur les plans des padugs, il y a une image, par exemple, d'une forêt. Les troncs des arbres peints sur les ailes, les branches s'entrelaçant au-dessus de la scène dans la peinture des padugs, forment une sorte d'arcs qui descendent de plan en plan en profondeur et se confondent avec le paysage forestier du fond. Ce système de décorations, qui a pris forme dans le théâtre baroque (fin du XVIe - milieu du XVIIIe siècle), s'appelait ainsi - arcs de coulisses. Peintres et décorateurs ont accompli de véritables miracles sur la scène du théâtre. La technique théâtrale, qui s'est compliquée au fil du temps, a permis d'agencer sur scène incendies, inondations, éruptions volcaniques... L'un des plus grands artistes de théâtre de la fin du 18e - début du 19e siècles. Pietro di Gottardo Gonzago (il a appelé le décor de théâtre "la musique pour les yeux".

En tant qu'art indépendant, la décoration théâtrale n'a pris forme qu'au milieu du XIXe siècle. La dramaturgie a commencé à fixer de nouvelles tâches pour le théâtre - non seulement pour désigner un lieu d'action ou une époque historique. Il est difficile d'imaginer les événements qui se déroulent dans "l'inspecteur général" de Gogol, ou dans "Woe from Wit" de Griboïedov, ou dans "Boris Godounov" de Pouchkine, sans signes spécifiques des temps, sans détails caractéristiques de la vie quotidienne et du costume . Le théâtre dramatique évoluait rapidement vers la création d'un environnement réaliste sur scène.

Dans la première mise en scène de la pièce "Late Love" en 1873, l'artiste du Théâtre Maly P. Isakov a placé un poêle hollandais avec des tuiles sur la scène dans une pièce de la scène, derrière des tuiles fumées près de la porte du foyer, comme cela arrive toujours dans la vraie vie. Ce détail provoqua presque l'indignation du public, habitué au « beau et sublime ». Les comédiens ont en revanche remercié l'artiste de "ne pas jouer, mais vivre dans son intérieur". "La véracité de l'arrêt" les a aidés à ressentir l'atmosphère spécifique de l'action.

La naissance du théâtre de metteur en scène au tournant du XXe siècle a donné lieu à de nouvelles expérimentations théâtrales, et à la scénographie du début du XXe siècle. a traversé une période de découvertes dans son histoire. De petites choses, des accessoires séparés ont aidé à résoudre le même problème théâtral de base d'interaction entre les espaces de jeu et de spectateurs. Séparés par une rampe, la performance et le public s'influencent mutuellement, l'ambiance générale naît grâce aux efforts du réalisateur, de l'artiste, des acteurs - et bien sûr du spectateur.

Durant la première moitié du XXe siècle. les réalisateurs et les graphes de scène ont analysé de manière cohérente toutes les possibilités de la scène de la boîte et ont expérimenté la scène de l'arène. Ils maîtrisent le volume verticalement, en diagonale, rendant sa tridimensionnalité de plus en plus tangible, extrayant le maximum d'expressivité figurative de l'espace scénique.

Autour des metteurs en scène de différentes écoles et tendances, des artistes partageant les mêmes idées se sont réunis, qui ont apporté de nouvelles idées plastiques au théâtre. Un exemple est l'union créative d'Alexander Yakovlevich Tairov (), le directeur en chef du Théâtre de Chambre de Moscou, avec le peintre Alexandra Alexandrovna Exter () et l'architecte Alexander Alexandrovich Vesnin ().

Alexandra Exter est venue au Chamber Theatre de la peinture de chevalet. À la recherche de nouveaux rythmes, elle a transformé le planificateur de scène en escaliers inégaux, créant des compositions plastiques inhabituelles dans les performances de Tairov. créé pour la pièce "Phaedra" (1922; une pièce de Racine) une installation de plates-formes inclinées, à laquelle sont sortis les personnages en costumes colorés et sur des chats, qui sont venus du théâtre antique à la représentation du 20ème siècle.

Les acteurs portaient de grandes coiffes qui ressemblaient aux finitions architecturales du temple. Dans une telle tenue, il est impossible de se déplacer rapidement sur un plan incliné, de gesticuler vigoureusement, de tourner la tête - en un mot, le plastique domestique habituel a été exclu par l'artiste. La nécessité de surmonter physiquement les difficultés scénographiques a donné aux acteurs une force inattendue pour l'expressivité émotionnelle et plastique ultime.

Au début des années 20. XXe siècle. dans les Ateliers de Théâtre Supérieur d'Etat du Soleil. Meyerhold a étudié et travaillé avec des acteurs, des réalisateurs et des scénographes. C'était essentiel pour son théâtre. Dans les performances de Meyerhold, le scénographe a construit un décor pour l'ouvrier-acteur. Tous les détails de la machine, "l'instrument" de l'acteur (son corps, sa voix) devaient fonctionner en parfaite harmonie.

Les traditions théâtrales du passé sont étudiées et utilisées par la mise en scène contemporaine. De nos jours, les scénographes travaillent en permanence avec le metteur en scène, dont le rôle dans la préparation des spectacles ne cesse de croître.

Lorsque le spectateur vient au théâtre aujourd'hui, il réalise clairement la conventionnalité de l'action théâtrale et n'exige pas une vie absolue de similitude. Le public attend des impressions qui éveilleront des sentiments, évoqueront des associations avec ce que chacun a vécu dans sa propre vie.

Il y a des spectacles où les sièges des spectateurs sont placés directement sur la scène. C'est ainsi que le metteur en scène et le décorateur parviennent à forcer le public à reconsidérer les idées habituelles sur ce que « le théâtre montre et le spectateur regarde ». (Des techniques similaires peuvent être trouvées dans le passé.) Dans la pièce de 1998 mise en scène par Valery Vladimirovich Fokin (né en 1946) et l'artiste Sergei Mikhailovich Barkhin (né en 1938) "Tatiana Repina" (basée sur une pièce parodique peu connue), l'action prend place dans l'église, pendant le mariage. Les spectateurs peuvent s'asseoir sur la scène, jouant le rôle d'invités lors d'une cérémonie de mariage ou d'un anniversaire. La perception du public est renforcée par le fait qu'il se trouve dans un espace destiné au jeu d'acteur.

L'espace théâtral peut aujourd'hui représenter à la fois l'Univers et une pièce dans un appartement ordinaire. Cela dépend des tâches définies et résolues par les créateurs de la pièce.

THÉÂTRE SHAKESPEARE

Les tragédies, comédies et chroniques de Shakespeare ont été mises en scène dans les locaux du Théâtre Globus (construit en 1599). Le nom s'explique par la similitude extérieure : l'auditorium couvrait la scène sur trois côtés et commémorait le globe. Cependant, il existe une autre signification symbolique du nom : le théâtre est le monde, et tous les principaux sujets de la vie humaine sont présentés dans les pièces. Il y avait un dais au-dessus de la Sienne du "Globe", et au-dessus de la tête des spectateurs il y avait un ciel ouvert.

D'autres théâtres anglais ont été aménagés de la même manière. Le bâtiment était une cour couverte, où le public, qui achetait des billets bon marché, marchait, se tenait debout ou s'asseyait sur des boîtes et des paniers. Les places dans les tribunes entourant la cour étaient plus chères - le public y était assis confortablement sur des bancs et était à l'abri des intempéries. Au-dessus d'une simple scène de planches, recouverte d'un auvent de la pluie, il y avait une tourelle sur laquelle un drapeau flottait le jour de la représentation. Des théâtres à Londres étaient construits en dehors du centre-ville, de l'autre côté de la Tamise, et si les habitants de la ville voyaient le drapeau le matin, ils savaient qu'il y aurait une représentation aujourd'hui. Assis dans des bateaux, emportant avec eux des paniers de provisions et des capes chaudes, les gens traversaient la rivière à la nage et se rendaient au théâtre, où les représentations duraient plusieurs heures d'affilée jusqu'à ce qu'il fasse nuit.

Le public était très différent : artisans avec apprentis et étudiants, soldats et vagabonds, détectives déguisés traquant voleurs et escrocs, marchands guindés avec leurs femmes. Dans les loges des tribunes, on pouvait voir des dames et des messieurs nobles portant des masques qui leur couvraient le visage - ils n'auraient pas dû être parmi les citoyens ordinaires à la représentation d'un théâtre « public ». Un masque à cette époque était aussi courant dans la vie de tous les jours que des gants ou un chapeau. Il était porté pour protéger le visage du froid et du vent, de la poussière et de la chaleur, pour se cacher des regards impudiques. En un mot, le masque sur le visage n'a surpris personne.

COSTUME DE THÉÂTRE

L'acteur portait toujours une robe qui ne pouvait pas être aussi traditionnelle qu'une tenue décontractée. Pas seulement "confortable", "chaud", "beau" - sur scène, il est aussi "visible", "expressif", "figuratif".

Tout au long de son histoire, le théâtre a utilisé la magie du costume, qui existe pourtant dans la vraie vie. Les vêtements du pauvre, les riches vêtements du courtisan, les armures militaires souvent en avance, avant la connaissance intime d'une personne, déterminent beaucoup dans notre attitude à son égard. Une composition de costume composée de détails familiers de vêtements, mais d'une manière spéciale, "parlant", peut souligner certains traits du caractère d'un personnage, révéler l'essence des événements qui se déroulent dans la pièce, raconter une époque historique, etc. .associations, enrichit et approfondit l'impression à la fois de la performance et du héros. Le costume incorpore le symbolisme de la culture traditionnelle. Mettre les vêtements de quelqu'un d'autre signifie utiliser l'apparence d'une autre personne. Dans les pièces de Shakespeare ou de Goldoni, l'héroïne s'habille en homme - et devient méconnaissable même pour les proches, même si, à part le costume, elle n'a rien changé à son apparence. Aphelia dans le quatrième acte de "Hamlet" apparaît dans une longue chemise, avec des cheveux duveteux (contrairement à la robe de cour et à la coiffure) - et le spectateur n'a pas besoin de mots, la folie de l'héroïne est évidente pour lui. Après tout, l'idée que la destruction de l'harmonie externe est un signe de la destruction de l'harmonie interne existe dans la culture de tout peuple.

Le symbolisme de la couleur (le rouge est l'amour, le noir est la tristesse, le vert est l'espoir) et joue un certain rôle dans les vêtements de maison. Mais le théâtre a fait de la couleur du costume l'un des moyens d'exprimer l'état émotionnel du personnage. Ainsi, Hamlet est toujours vêtu de noir sur les scènes des différents théâtres. De par sa conception, sa coupe, sa texture, le costume de théâtre, en règle générale, diffère de celui de tous les jours. Les conditions naturelles (chaud - froid), l'appartenance sociale d'une personne (paysan, citadin) et la mode jouent également un rôle important dans la vie. Au théâtre, beaucoup est également déterminé par le genre de la performance, le style artistique de la performance. En ballet, par exemple, en chorégraphie traditionnelle, il ne peut y avoir de robe lourde. Et dans une performance dramatique saturée de mouvement, le costume ne doit pas empêcher l'acteur de se sentir libre dans l'espace scénique.

Souvent, les artistes de théâtre, dessinant des croquis de costumes, déforment et exagèrent les formes du corps humain. Le costume dans la pièce sur un thème moderne, assez curieusement, est l'un des problèmes les plus difficiles. Il est impossible de faire monter sur scène un acteur habillé dans un magasin voisin. Seule une sélection précise des détails, une palette de couleurs bien pensée, des correspondances ou des contrastes dans l'apparence des héros aideront à la naissance d'une image artistique.

DANS LA MAISON ET ENVIRON

Dans la première production de la pièce "The Cherry Orchard" en 1904, avec l'artiste de théâtre Viktor Andreevich Simov (), il a composé sur papier un plan de presque tout le manoir, bien que seules deux pièces aient été montrées au spectateur dans le jouer. Mais si les comédiens imaginent toute la maison, ils savent d'où ils viennent dans la salle sur la Sienne, où mène chaque porte, où il y avait "une chambre d'enfant, ma belle et jolie chambre", leurs délires sont inévitablement transmis au public. Le spectateur a le sens de la réalité de l'espace dans lequel se déroule la vie des personnages sous leurs yeux. Quand le rideau s'ouvre, selon la pièce de Tchekhov, il n'y a personne sur la Sienne. Puis Dunyasha et Lopakhin entrent - et l'action commence. Au Théâtre d'art de Moscou, l'action a commencé immédiatement : à l'aube, les premiers rayons du soleil peignent l'espace blanc givré à l'extérieur des fenêtres de la pièce. Après l'obscurité et le silence, interrompus seulement par des éclairs de feu et le crépitement des bûches derrière la porte entrouverte du poêle, la Sienne est inondée de soleil, et le chant des oiseaux tombe dessus, comme cela arrive au printemps à l'aube.

L'ARTISTE AU THÉÂTRE

Le concept de la manière créative individuelle d'un artiste en scénographie prend une signification particulière. L'artiste de théâtre collabore avec différents théâtres et différents metteurs en scène, et dans chaque œuvre, il est comme un acteur sur une terre de Sienne - et non comme lui-même, et est définitivement reconnaissable. Le réalisateur, à son tour, choisit un maître qui lui est proche dans le style en tant que co-auteur.

Dans le théâtre russe de la seconde moitié du XXe siècle. l'une des plus intéressantes fut l'union créative du réalisateur et scénographe David Lvovich Borovsky-Brodsky (né en 1934). Les meilleures performances de Borovsky sur la Sienne du Théâtre Taganka sont "Hamlet" (la tragédie de W. Shakespeare), "House on the Embankment" (basé sur une histoire) et "The Dawns Here Are Quiet" (basé sur une histoire ). La fantaisie de l'artiste y crée des images métaphoriques complexes à l'aide de textures et de choses authentiques. Terre, bois, fer "entrent en collision" sur la terre de Sienne, et cette interaction conflictuelle se transforme en symbole. Les lames forgées d'Hamlet percent les planches de la tablette de Sienne, les fendant presque. Les fossoyeurs jettent de la vraie terre sur la Sienne. Un immense rideau tricoté se traîne horizontalement, tourne autour d'un axe - il devient un partenaire presque animé des personnages de la pièce. Dans la pièce "The Dawns Here Are Quiet", le corps d'un camion militaire, dans lequel les filles montent au début de l'action, est ensuite "porté" sur les planches, devenant soit des arbres dans la forêt, soit maintenant les murs d'un maison dans les mémoires des héroïnes, ou des retards jetés sur le marais.

Le caractère unique de la pensée de cet artiste s'est manifesté dans les représentations du Théâtre d'art de Moscou - dans les productions des pièces "Echelon" et "Ivanov". Les solutions de Borovsky s'apparentent à une formule mathématique : cachée entre deux crochets, elle peut être étendue sur plusieurs pages - et à nouveau pliée en une petite ligne. Ses images, composées de détails choisis avec précision, donnent une portée extraordinaire à l'imagination du spectateur.

"Echelon" raconte comment pendant la Grande Guerre patriotique les femmes, les enfants et les vieillards vont à l'arrière. Sur la Sienne, il y a une structure assemblée à partir de rails de chemin de fer, de poteaux télégraphiques et de portes en teplushka. Le bruit des roues aux joints des rails, les piliers vacillant à l'extérieur de la fenêtre, le cliquetis d'une porte cochère, le rythme monotone des histoires de route donnent naissance à une image complexe et expressive, avec une simplicité extérieure et sans prétention, l'image de la performance.

Leventhal (né en 1938) travaille beaucoup dans le théâtre musical, et pas seulement en Russie. Pensée pittoresque, oreille musicale absolue, sens subtil du style permettent à ce scénographe d'être très différent dans les performances - et toujours reconnaissable.

Avec le metteur en scène Leventhal a mis en scène des opéras. "Music for the Eyes" sonne de la Sienne dans la peinture, les textures et les plastiques des formes scéniques. Pour véhiculer les images complexes des œuvres de Prokofiev, l'artiste utilise tous les moyens dont dispose le théâtre. Dans l'opéra Le Joueur, le tableau est littéralement suspendu au-dessus de la Sienne sur des cordons de tulle. La lumière de la scène s'emplit d'air, rend ce tableau "sonore". Les techniques et méthodes de différents types d'art interagissent dans le théâtre moderne. L'expérience du remarquable artiste tchèque Josef Svoboda peut être qualifiée d'innovatrice. Au tournant des années 50 et 60, utilisant le cinéma et la téléprojection (c'est-à-dire la technologie d'autres arts), il crée le célèbre Laterna Magic - un spectacle dans lequel l'acteur interagit avec une projection en mouvement. Mais toutes sortes de cascades sur la Sienne théâtrale ne sont pas nouvelles. La liberté a apporté au théâtre la compréhension qu'il est nécessaire de comprendre artistiquement toute technique utilisée par un scénographe. À première vue, les installations scéniques de ce maître sont pleines de possibilités de transformations inattendues, dont chacune révèle plus profondément la solution figurative de la performance.

L'effort de la liberté pour une variété de langages scénographiques pousse la technique théâtrale elle-même à s'améliorer. Les effets lumineux et techniques de ses performances, sans devenir une fin en soi, rendent le « vocabulaire » de l'artiste plus riche et plus expressif. Les techniques scénographiques et les méthodes de travail d'un artiste de théâtre moderne sont diverses. Peinture, lumière, textures et objets authentiques, nouvelles technologies audio, vidéo, informatiques - tout peut être utilisé pour créer une image artistique de la performance.

MAGIE ZAKULISIE.

La troisième cloche sonna. La salle plonge lentement dans l'obscurité, le rideau s'ouvre en silence, et un tableau émerge progressivement de l'obscurité sous les yeux du public : un matin d'automne ensoleillé, un vieux parc envahi par la végétation, une petite tonnelle en bois à gauche, un banc au centre ; au loin, à flanc de colline, un chemin part, et derrière les troncs d'arbres, à travers leurs cimes éclaircies, une forêt et un ciel bleu clair sont visibles. La salle devient silencieuse. La pièce commence.

Ce monde quasi réel a été inventé par un réalisateur et un artiste. Au moyen du théâtre, ils ont pu transmettre de manière véridique et poétique la beauté de la nature automnale, pour accorder le spectateur à l'ambiance souhaitée. Et ils ont été aidés par des personnes que le spectateur ne voit pas, mais qui, avec les acteurs, le réalisateur et l'artiste, sont abordés par des applaudissements. Les coulisses du théâtre sont un monde merveilleux. L'esprit de créativité collective règne toujours ici. De nombreuses personnes de spécialités diverses, parfois insolites et rares participent à la création du spectacle.

Tout d'abord, le chef décorateur, qui travaille depuis longtemps avec le metteur en scène sur la solution artistique de la performance, apporte au théâtre des esquisses du décor. Mais les croquis sont des images plates en deux dimensions, et la scène est en trois dimensions. Par conséquent, l'artiste de théâtre ne peut évaluer correctement les résultats de son travail qu'en complétant la mise en scène du décor. A cette étape nécessaire et extrêmement importante, un maquettiste vient en aide à l'artiste. La particularité du métier de modèle de théâtre réside dans le fait qu'il est à la fois artiste, menuisier, serrurier et drapier. Le maître travaille à une certaine échelle - 1:20. Chaque théâtre a un porte-modèle - une image vingt fois plus petite de la scène. Dans cette "boîte", le maquettiste "évoque". Tout d'abord, il fait généralement une soi-disant coupe - "estime" les décorations à partir de papier ordinaire. C'est comme un brouillon, à partir duquel vous pouvez ensuite complètement, sans erreurs, faire une mise en page à partir de bois, de carton, de tissu et d'autres matériaux.

La mise en page, ainsi que les croquis des décors, costumes, mobilier et accessoires sont présentés au conseil artistique du théâtre. Les principaux acteurs, réalisateurs et autres employés faisant autorité discutent et approuvent la solution proposée pour la performance. Parmi les personnes présentes à la réunion du conseil artistique se trouve toujours le chef de poste. C'est le nom abrégé dans le théâtre pour le chef du département de production artistique, c'est-à-dire un groupe de travailleurs artistiques et techniques qui participent à la conception de la pièce. Le chef de poste est un poste à responsabilité. Il gère le processus de fabrication des décorations et surveille leur exploitation ultérieure.

Lors d'une réunion technique, tenue par le chef de poste, ils dressent un état des lieux de l'assemblage - une description détaillée de chaque détail de la conception de la décoration et de la technologie pour sa fabrication.

Des décorations de plusieurs types sont utilisées. Les rigides, ou triples, sont constitués de bois (planches, barres, contreplaqué) et de métal. Ils doivent être à la fois solides et légers, et rapidement mis en place sur scène. Les décorations rigides sont pliables - de sorte qu'il est pratique de les ranger et de les transporter pendant la visite. Les décorations douces sont un tapis avec lequel le panneau de scène (sol) est serré, des rideaux qui couvrent la scène sur les côtés, des coussins qui couvrent le haut de la scène, ainsi que des toiles de fond qui créent l'arrière-plan. Les meubles, les luminaires (lustres, lampes de table, appliques et autres lampes) et les accessoires sont également soigneusement décrits. Le même inventaire détaillé est dressé pour les costumes.

Avant de commencer à travailler dans une production, qu'il s'agisse d'une usine ou d'un chantier de construction, vous devez déterminer combien d'argent vous devez dépenser, c'est-à-dire calculer l'estimation. C'est la même chose au théâtre. Ce document est établi par le responsable des ateliers. Il prend en compte tous les coûts à venir et commande au service approvisionnement les matériaux pour les décors et les costumes.

Avec le metteur en scène, le chef de poste coordonne le planning de remise des décors à la scène. Le directeur indique plus tôt les détails de conception dont il a besoin et le chef de poste calcule le temps de travail. Les dessins des décors sont réalisés par le designer. Souvent, le concepteur, et parfois l'artiste lui-même, doit créer des modèles - des dessins ou des dessins exacts en taille réelle. Et enfin, la production des décors débute dans les ateliers de production artistique du théâtre. L'atelier de menuiserie est équipé de machines avec lesquelles vous pouvez scier et traiter des planches, découper des pièces au contour complexe dans du contreplaqué. Ici, ils fabriquent des murs décoratifs (cadres faits de barres, serrées avec du tissu), des escaliers, des machines (plates-formes pliables de différentes hauteurs sur la scène), des colonnes, des corniches, des portes, des fenêtres, des reliefs, etc.

Boutique de décoration pittoresque.

Parmi les ouvriers de cet atelier, il y a des ébénistes, des ébénistes - c'est le nom des artisans de la fabrication de meubles. Un tourneur et un sculpteur les aident.Si les conifères sont principalement utilisés pour les décorations, alors les meubles sont mieux faits de bouleau, de chêne ou de hêtre, et le tilleul doux est bon pour les pièces sculptées. Les tables de théâtre, les chaises et les canapés sont différents de ceux de la maison ordinaire. Le design est léger, mais les pièces sont très étroitement liées - après tout, au théâtre, les meubles sont beaucoup plus souvent transférés d'un endroit à l'autre qu'à la maison.

Si vous avez besoin de décorations particulièrement durables, les cadres sont préparés chez le serrurier. Ils réalisent également l'assemblage de ferrures métalliques - « hardware » : des charnières pour relier des pièces de décorations, des œillets pour la suspension, des agrafes, des crochets et bien plus encore. En plus des serruriers, la boutique comprend un soudeur, un ferblantier, un tourneur de métaux. Ici, ils peuvent souder un abat-jour de forme complexe à partir de fil de fer, fabriquer un lustre, un vieux gobelet ou de fausses épées.

Décors, ailes, coussins, nappes, housses de meubles sont cousus dans l'atelier de décoration douce. Les ouvriers de cet atelier réalisent des décors appliqués sur tulle et résille. Ici, sur des cadres longs et larges, un maillage spécial d'un tissage spécial appelé "insecte" est tissé à partir d'un fil épais. Il conserve bien sa forme et sert également de base pour les applications. Dans l'atelier des décorations douces travaille un maître d'une spécialité très ancienne - un tapissier, un drapier. Il sait tapisser et garnir un fauteuil à l'ancienne avec des rubans, serrer avec du tissu de soie et garnir un abat-jour avec une frange. Il sait confectionner et coudre des draperies luxuriantes avec des coquilles Saint-Jacques, des lambrequins et des pompons "pour les chambres royales".

Il est loin d'être toujours possible d'acheter des tissus de la couleur souhaitée, c'est pourquoi il est bon que les ateliers disposent de leur propre équipement pour la teinture des tissus - de grandes chaudières dans lesquelles les tissus sont teints, un bain de rinçage, des rouleaux essoreurs et un sèche-linge. À propos, en même temps que la peinture, le matériau des décorations est traité avec un composé spécial - imprégnation ignifuge.

Pour le traitement final, les détails de conception sont envoyés à l'atelier de décoration scénique. L'étape la plus importante du travail consiste à peindre des décorations douces d'après les croquis de l'artiste. Les locaux de l'atelier sont spacieux, lumineux, avec de hauts plafonds et des galeries. Il est plus pratique de transférer l'image de l'esquisse à la toile de fond de manière simple - "par cellules". Pour ce faire, le fond est d'abord dessiné avec de fines lignes sur la grille, et sur le croquis, afin de ne pas gâcher le travail de l'auteur, les lignes conformes à l'échelle sont esquissées avec des fils tendus. Dans l'arsenal de l'artiste sur les interprètes - des pinceaux de différentes tailles. Tous les pinceaux ont de longs manches : après tout, les maîtres écrivent debout. Dans leur travail, les artistes utilisent des peintures à l'aniline (à base d'eau), des peintures à colle (comme la gouache), etc. Pour peindre, par exemple, des nuages ​​aux bords aérés et flous, l'artiste utilise un pulvérisateur de peinture électrique. De près, la peinture théâtrale est un enchevêtrement continu de traits de couleurs, de points, de lignes. On ne peut voir l'œuvre de loin qu'en montant à la galerie, ce que font de temps en temps les maîtres.

Les peintres sur tissu font des merveilles. Ils transforment la toile de jute bon marché en brocart : la sieste de velours de coton est lissée avec de la colle d'amidon selon un pochoir à motifs, peint avec de la peinture "or" - et devant le spectateur se trouve un ancien tissu précieux. De telles textures créées artificiellement semblent beaucoup plus spectaculaires depuis la scène que les textures naturelles. Le travail de la fausse boutique est également important. Les accessoires sont des produits représentant des objets réels qui, pour une raison ou une autre, sont difficiles ou impossibles à utiliser sur scène. L'artiste accessoiriste est un touche-à-tout. Il prend divers matériaux pour son travail : bois, contreplaqué, fil de fer, étain, polystyrène, caoutchouc mousse, tissu, papier, etc. Coudre. Le but de l'œuvre est de faire une telle chose de sorte qu'il serait difficile de la distinguer de la vraie, même de près. Un matériau d'accessoires préféré s'appelle le papier mâché. Il s'agit d'une masse obtenue à partir d'un mélange de papier ou de carton avec de la colle, de l'amidon, du gypse, etc.

Dans certains ateliers de théâtre, l'ancien métier de fabrication de fleurs artificielles est conservé à ce jour. Bien sûr, vous pouvez prendre des fleurs fabriquées en usine. Et si vous deviez décorer le chapeau ? Alors le magasin n'aidera pas. Un petit bouquet élégant sera confectionné dans le théâtre même. L'atelier de couture s'occupe des costumes de théâtre. Le travail des tailleurs dans cet atelier ressemble extérieurement au travail dans un atelier ordinaire: les mêmes machines à coudre, mannequins, planches à repasser, fers lourds, grandes tables. Mais au lieu de costumes modernes à la mode sur les mannequins, il y a un vieux caraco avec des boutons dorés, une longue robe luxueuse avec des jupons gonflés ou une tenue inhabituelle d'un personnage de conte de fées.

Il y a aussi un atelier de chapellerie dans la boutique. Les chapeliers choisissent des plumes, des rubans de soie, des galons, de la dentelle, de la bijouterie, des fleurs artificielles, etc. Il existe une machine spéciale pour le traitement des talons et des semelles. Mais le cordonnier fait l'essentiel du travail à la main, assis devant une table basse - un établi - sur un tabouret bas.

L'atelier le plus nombreux est le département machine-décoration, qui est dirigé par le chef machiniste. La scène est équipée d'une variété de mécanismes complexes (autrefois on les appelait "machines"), et le chef d'atelier doit savoir comment ils fonctionnent. Dans sa subordination se trouvent les ouvriers de scène, ou assembleurs. Le chef de poste, avec l'artiste, prépare le plan (un dessin montrant l'emplacement des décors), et les ouvriers installent les décors. Tout d'abord, remplissez le tapis sur le plateau de scène. Ensuite, les ascenseurs de fusée nécessaires sont abaissés et des décorations douces y sont attachées. Après cela, ils sortent les décorations dures et les attachent à la tablette. Le service d'éclairage électrique "gère" les équipements avec lesquels la scène est éclairée. Divers projecteurs sont placés dans la rampe, sur les élévations de soffite, sur les tours de portail, dans les caissons d'éclairage ; utiliser du matériel portable sur des trépieds et des installations de projection. Également en charge de cet atelier sont electrobutaforia - lustres, lampes de table, bougeoirs et candélabres (la flamme de la bougie est imitée par la lumière d'une petite lampe). Avant la représentation, les enlumineurs placent les projecteurs à leur place, vérifient les filtres lumineux (films spéciaux résistants à la chaleur de différentes couleurs), connectent l'électrobutaphorie. Pour chaque représentation, un schéma d'implantation est établi qui fixe l'emplacement des équipements. De plus, chaque performance a son propre score de lumière, qui enregistre comment la lumière change dans les peintures. L'illuminateur conduit la performance au panneau de commande.

La conception sonore n'est pas moins importante que la lumière. Dans un atelier spécial, sous la direction du metteur en scène, la bande son du spectacle est créée. Dans la bibliothèque musicale du théâtre (collection d'enregistrements), vous trouverez tout ce que vous voulez : le bruit du ressac, le sifflement d'un blizzard et l'aboiement d'un chien. Les enregistrements terminés sont édités.

La console de l'ingénieur du son est généralement située dans la boîte devant la scène. Le score sonore (un enregistrement similaire au score de la lumière) indique à l'opérateur ces moments pendant la performance quand allumer et quand éteindre le phonogramme. Pour rendre le son volumétrique, les haut-parleurs sont placés de part et d'autre de la scène, aussi bien en profondeur que dans l'auditorium. Il y a un atelier dans le théâtre où rien n'est fait - des meubles, des tapis, de grandes tentures de fenêtres et de portes, des corniches pour eux sont stockés ici. Avant la représentation, l'ouvrier met tout cela en scène par endroits. Pour ne pas se tromper, de petites marques sont faites sur le tapis - des marques.

Le département accessoires est en charge des petits détails du mobilier et des objets avec lesquels l'acteur travaille. Ils sont rangés dans des armoires spacieuses et pratiques avec des étiquettes avec les noms des représentations sur les portes. Il est souvent nécessaire d'acquérir des choses réelles et non fausses - après tout, dans chaque représentation, il y a des accessoires "sortants": nourriture, allumettes, cigarettes et bien d'autres choses qui sont "détruites" au cours de l'action. Soit dit en passant, les "accessoires vivants" - un chien, un chat ou un épouvantail dans une cage - sont également une préoccupation des accessoires. Immédiatement avant la représentation, les costumes sont apportés du magasin. Pour cela, il existe des chariots métalliques spéciaux avec un cadre: les chaussures sont pliées en bas et les combinaisons sont suspendues aux cintres. Les costumiers aident les artistes à s'habiller.

Avant le début de la pièce, les comédiens s'inquiètent en coulisses. Il n'y a qu'une seule personne sur scène maintenant. Il examine hâtivement mais soigneusement l'ensemble. Nous devons tout vérifier une dernière fois. Cet homme est assistant réalisateur. Il dirige le déroulement du spectacle : donne des appels au début, ouvre et ferme le rideau, appelle les comédiens à monter sur scène, prévient le personnel des services scéniques du changement de décor à venir. C'est ainsi que l'art du théâtre se crée et vit dans les ateliers et dans les coulisses par le travail de création conjoint de professionnels et de passionnés dans leur domaine.

POURQUOI AVEZ-VOUS BESOIN D'UN DIRECTEUR

Le public ne voit pas le réalisateur sur scène pendant l'action, il ne peut apparaître qu'après la représentation - pour s'incliner avec les acteurs et saluer le public. Le théâtre a vécu pendant des siècles sans même essayer de poser une question. pourquoi ai-je besoin d'un réalisateur ? Et à notre époque, lorsqu'ils vont voir un nouveau spectacle, les gens s'intéressent souvent à qui a mis en scène le spectacle.

Le théâtre a toujours eu une personne qui a travaillé avec des acteurs, des artistes, a résolu une variété de problèmes - créatifs et techniques. Mais pendant longtemps ce "personnage" est resté dans l'ombre, même la définition pour lui n'a pas été immédiatement trouvée. Ce n'est qu'au début du XIXe siècle, dans l'environnement théâtral, qu'on a commencé à mentionner quelqu'un qui était le chef de la préparation de la pièce - le créateur du monde de la scène. Au tournant des XVIII-XIX siècles. un nouveau concept est apparu sur les pages des publications théâtrales allemandes - "direction". Cependant, dans différents pays, la nouvelle figure du processus théâtral a été appelée différemment, et au début, les tâches et les formes de travail dépendent du nom.

Gordon Craig.

En russe, le concept de "diriger" vient de l'allemand : regiegep - "gérer". Par conséquent, le réalisateur est celui qui dirige, dirige. En français, le nom a une connotation professionnelle : le réalisateur est appelé le « maître de la mise en scène ». Mise-en-scene (du français mise enscene - "mise en scène sur scène") est la disposition des acteurs sur la scène à chaque instant de la représentation. L'alternance des mises en scène dans l'ordre prescrit par la pièce donne lieu à l'action scénique.

En Angleterre, le metteur en scène était celui qui « produit » la performance - qui fait le travail d'organisation qui précède celui de création. Avec l'avènement du cinéma, les créateurs de représentations théâtrales ont commencé à être appelés réalisateurs, c'est-à-dire celui qui dirige l'action et est responsable de tout. Parfois, un autre terme est utilisé - réalisateur. L'origine de ce nom a aussi une explication. Le processus de travail sur une pièce implique la traduction, la transposition d'un texte littéraire dans une langue particulière de la scène. Le metteur en scène reproduit, c'est-à-dire met en scène, la pièce avec l'aide d'acteurs, d'un décorateur, d'un compositeur, etc.

Le metteur en scène a de nombreuses tâches : il doit être l'organisateur, le professeur et l'interprète du texte de la pièce - une sorte de meneur, le "propriétaire" de la pièce. Les gens du théâtre et le public ont réalisé le rôle principal du metteur en scène non pas immédiatement, mais progressivement. Tout au long du XIXème siècle. l'existence même de la nouvelle profession a été remise en question - les auteurs et parfois les acteurs ne voulaient pas obéir au réalisateur. Les créateurs de performances ont souvent assigné des responsabilités. L'un travaillait avec les comédiens, le second décidait du cadrage de la scène, le troisième expliquait à la troupe le plan du dramaturge, etc. diriger (transformer la parole de l'écrit en parole).

Certains historiens pensent que le metteur en scène existe depuis la création du théâtre, et ils ont en partie raison : quelqu'un a toujours été occupé à préparer le spectacle. Il y a aussi une autre opinion : la mise en scène n'est apparue qu'avec l'émergence d'un type particulier de théâtre, qui nécessitait une construction complexe de l'action scénique, un travail avec un ensemble (littéralement « ensemble ») d'acteurs, et la création d'une scène atmosphère. Un tel drame est apparu dans le dernier quart du XIXe siècle, et il s'appelait ainsi : un nouveau drame. C'est alors que les interprètes de ce drame sont venus au théâtre - les metteurs en scène; ils se sont efforcés de créer un monde artistique particulier sur la scène. La pièce était désormais comprise comme un tout, elle devait confirmer l'unité de l'intention et du jeu du metteur en scène. Le concept même de « design » est également né à la fin du XIXe siècle.

Cependant, l'idée de la mise en scène est apparue près d'un siècle plus tôt : les romantiques allemands de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle parlaient de la représentation théâtrale comme d'un monde indépendant créé par un artiste-créateur. L'écrivain et dramaturge russe Nikolai Vasilyevich Gogol () croyait que quelqu'un dans le théâtre devrait "être en charge" à la fois de la tragédie et de la comédie. Il a qualifié cet « acteur de l'artiste » de « chœur sur l'attente » (une analogie claire avec le réalisateur !). « Un seul véritable acteur, un artiste, peut entendre la vie contenue dans la pièce, et faire en sorte que cette vie devienne visible et vivante pour tous les acteurs ; lui seul peut entendre la mesure légale des répétitions - comment les faire, quand s'arrêter et combien d'entre eux suffisent pour cela, pour que la pièce puisse apparaître dans toute sa perfection devant le public », a affirmé Gogol, définissant très précisément et en détail le sens de l'œuvre mise en scène du metteur en scène. Mais dans le théâtre russe ensuite, dans les années 40. XIXème siècle Ces déclarations de l'écrivain ne semblaient qu'une chimère, une utopie. L'idée même de la nécessité de mettre en scène en Russie est venue plus tard que dans d'autres pays européens - seulement à la toute fin du XIXe siècle.

Le metteur en scène crée une performance - une œuvre théâtrale particulière : une telle idée a pris racine dans l'esprit des théoriciens et des praticiens du théâtre au tournant des XIXe et XXe siècles. Bien que le chorégraphe (ou chorégraphe) soit apparu dans le théâtre musical bien plus tôt. Créateurs de ballets du XVIIIe siècle et surtout au XIXe siècle, lorsque le ballet romantique a conquis la scène, ce sont de clairs prédécesseurs des metteurs en scène modernes. Fin 19e - début 20e siècle - le moment de l'apparition des grands réalisateurs. Maintenant, le succès de la représentation commence à dépendre de l'intention du metteur en scène, de sa compréhension de la pièce. Les acteurs finissent par reconnaître leur rôle subalterne. Cependant, le paradoxe (plus précisément, même une règle qui ne prévoit pas d'exceptions) est qu'une performance réussie, une œuvre véritablement fictive, ne peut être créée que si l'acteur et le réalisateur sont égaux en degré de talent, en capacité de comprendre le texte de la pièce. Et un bon acteur obéit finalement à la volonté du metteur en scène, car la performance est leur création commune.

Depuis le début du XXe siècle. partout, à l'exception de l'Italie et des États-Unis d'Amérique, où la formation du théâtre différait de celle européenne, les metteurs en scène ont commencé à déterminer la voie du développement de l'art de la scène. Très vite, les disputes sur la nécessité de la mise en scène ont presque cessé, mais une autre polémique a surgi : sur les tâches de mise en scène. Personne ne doutait que c'était de l'art. L'un des fondateurs du Théâtre d'art de Moscou, Vladimir Ivanovich Nemirovich Danchenko () croyait: le réalisateur doit mourir dans l'acteur, c'est-à-dire que le réalisateur doit mettre son intention dans la conscience de l'acteur, c'est à travers lui qu'il exprime tout qu'il entend dire lui-même. Pour chaque pièce, le metteur en scène doit trouver une forme particulière de vie sur scène, pénétrer profondément dans les intentions de l'auteur et comprendre les formes de sa pensée. Le célèbre expérimentateur dans le domaine de l'art théâtral Vsevolod Emilievich Meyerhold a soutenu cette approche. Il pensait que le metteur en scène était "l'auteur de la pièce" et qu'il devait donc se sentir libre. Le texte de l'auteur, selon Meyerhold, impose un certain cadre à la liberté d'intention du réalisateur, mais le réalisateur ne peut et ne doit en aucun cas être esclave du texte.

De tels conflits se poursuivent à ce jour, car avec l'apparition de la figure du metteur en scène dans le processus théâtral, l'interprétation, c'est-à-dire la compréhension, l'explication de la pièce par le metteur en scène, a commencé à jouer un rôle important. Quelle est la liberté du réalisateur dans l'interprétation du texte littéraire ? Qu'est-ce qui intéresse le metteur en scène en premier lieu : une pièce ou une occasion d'exprimer ses idées, de repenser voire de déformer le projet du dramaturge ? Bien sûr, tout dépend de l'individualité du réalisateur, de sa volonté, de sa compréhension des problèmes essentiels de l'être, donc de sa vision du monde. Les limites de la liberté d'interprétation dans l'art de la mise en scène existent bien sûr, mais chacun décide de cette question pour lui-même. Lorsque la mise en scène s'est imposée comme un métier de la scène et une forme particulière de pensée théâtrale, la question s'est inévitablement posée du style de mise en scène. Quel rôle jouent les principes de la ressemblance dans le travail de tel ou tel réalisateur, lorsque la scène devient un « coupé de la vie » ? À quelle fréquence et à quelle fréquence le réalisateur utilise-t-il des métaphores ? Quel est son rapport à la tradition théâtrale ? Le concept de métaphore dans les arts du spectacle est assez compliqué, en partie déroutant. Cependant, le langage de la scène est le langage de l'art ; par conséquent, le réalisateur doit maîtriser les formes de la pensée artistique, créer sa propre image du monde.

Diriger l'art, comme tout autre, est avant tout une pensée figurative. Dans la pièce, les images sont faites de jeu, de rythme, de tempo et dépendent de la construction de l'espace scénique. Histoire des arts de la scène du XXe siècle. connaît les impressionnantes images de mise en scène du monde, reflétant les particularités de la vision du monde artistique de divers maîtres. Les créateurs reconnus de métaphores scéniques étaient Craig (), Vsevolod Emilievich Meyerhold, George Strehler (1, Yuri Petrovich Lyubimov (né en 1917), les chorégraphes Maurice Bejart (au nom de famille permanent Berger, né en 1927) et Mate Egk, ainsi que Robert Wilson et Luc Bondi travaillent avec succès sur les scènes d'opéra. Une métaphore scénique, composée par le metteur en scène, aide à comprendre l'essence d'un phénomène ou d'un événement. Sur scène, les métaphores, contrairement aux métaphores littéraires, sont le plus souvent spatiales, elles sont créées par le metteur en scène de la performance avec l'artiste et le scénographe. Parfois cela arrive. il est difficile de déterminer à qui appartient telle ou telle décision spatiale : le metteur en scène ou le scénographe. Cependant, cela n'a pas vraiment d'importance. le résultat - l'impact sur le public, l'expression la plus vive de l'essence de l'intention du réalisateur.

Yuri Lyubimov répète sur scène avec un acteur.

Ainsi, le manteau d'or de la pyramide est entré dans l'histoire de l'art théâtral, qui a transformé la suite du roi en un monstre dangereux. Il a été spécialement conçu pour la pièce Hamlet de Gordon Craig, mise en scène au Théâtre d'art de Moscou (1911). Un lourd rideau en tricot dans le même "Hamlet" mis en scène par Youri Lyubimov en 1971 symbolisait le destin.

Dès que le metteur en scène a acquis une position dominante dans le théâtre, le problème de la compréhension mutuelle entre les participants à la représentation est devenu important. Différents styles, différentes passions créatives peuvent se heurter sur scène. Le metteur en scène est invité à combiner tous les éléments en un tout, en tenant compte des particularités des caractères des acteurs et des goûts de l'artiste, en comprenant la dualité de leur rôle dans la préparation de la performance. Acteurs et scénographe sont à la fois indépendants et subordonnés à la volonté du metteur en scène. Dans son œuvre, il doit rappeler la double, voire la triple subordination de l'acteur. Le participant à l'action scénique doit se laisser guider par le texte de la pièce (en tout cas, prononcer les mots écrits par le dramaturge), suivre les instructions du metteur en scène et maîtriser l'espace construit par le scénographe.

Histoire du théâtre du XXe siècle a montré qu'à la demande du metteur en scène et avec l'aide des acteurs qui incarnent son idée sur scène, même le genre de la pièce sur la base de la performance peut être modifié. Au gré du réalisateur, un texte comique prend les traits d'une tragédie, une intrigue tragique est interprétée comme satirique et un personnage dramatique a l'air drôle. Une véritable œuvre d'art théâtral n'est née que dans la communauté créative de tous les participants à l'action scénique, mais le rôle principal du metteur en scène doit certainement être préservé.

EFFETS DE LUMIÈRE DANS LA SCÈNE

Les effets de lumière sont créés non seulement à l'aide d'appareils électriques dans le théâtre. Il est intéressant d'utiliser certains tissus en combinaison avec la lumière. Le tulle et le velours noir donnent des effets particulièrement inhabituels. Le tulle a une propriété remarquable : il devient invisible lorsque l'espace par derrière est éclairé, et se transforme en un « mur » opaque lorsqu'il est éclairé par l'avant. Jetez un œil aux rideaux de tulle ordinaires pour la maison. On voit parfaitement ce qui se passe dans la rue si on regarde à travers eux par la fenêtre quand la pièce est sombre. Mais dès que la lumière est allumée, les rideaux perdent leur transparence. Certes, vous devez garder à l'esprit que le tulle domestique est généralement blanc et que le tulle théâtral est noir (le blanc est teinté de gris ou peint). Si, devant un fond pittoresque, plusieurs fonds de tulle sont placés à une certaine distance les uns des autres et éclairés, alors le spectateur aura un sens plus fort de la profondeur spatiale : une légère brume apparaît, ce qui est particulièrement important dans les paysages de paysage. Le velours noir absorbe les rayons lumineux et crée ainsi un effet d'invisibilité. Par exemple, le personnage "disparaîtra" facilement sur le fond de velours noir, recouvert du même tissu. Cette technique est particulièrement bonne dans une performance de conte de fées.

BRUIT DE SCÈNE

Et de nos jours, dans certains théâtres, ils utilisent des appareils pour imiter les sons, inventés il y a de nombreuses années - lorsque les gens n'avaient pas d'appareils d'enregistrement et de reproduction sonores. Des sifflets de dessins variés représentent le chant des oiseaux, des coups sur une feuille de fer suspendue au châssis - des coups de tonnerre, des frottements contre le tissu tendu d'un tambour en bois nervuré - le bruit du vent... De nos jours, de tels appareils ne sont pas utilisés très souvent. Et travailler avec eux est un art particulier. Mais le son en direct créé par ces appareils simples est d'une fiabilité incomparable avec le son provenant des haut-parleurs.

CHAMBRE DE FABRICATION EX

Un détail important de l'apparence scénique d'un acteur est le maquillage. Il permet à l'interprète de changer l'apparence, aide à créer une image. L'acteur recherche un dessin de maquillage avec une maquilleuse. Le soi-disant maquillage de portrait est particulièrement difficile, lorsque l'artiste doit devenir comme une personne célèbre. Mais le maquillage peut être léger, il suffit de souligner les traits du visage, de les rendre plus expressifs.

Les tâches des travailleurs de l'atelier de maquillage comprennent également la fabrication de perruques et d'onlays (moustache, barbe, favoris) après le travail. Les coussinets sont collés au visage avec de la colle spéciale, et chaque acteur a « sa » barbe et sa moustache. Pour faciliter le travail, le postier fixe sur un flan de bois un "chapeau" en tulle en forme de tête et cousu d'un étroit ruban de papier de coton pour la solidité et le maintien de la forme.

DE LA SÉLECTION D'UNE CHANSON À LA PREMIÈRE

À différentes époques, les performances ont été préparées de différentes manières. La pratique de la répétition, commune aux théâtres de tous les pays, s'est progressivement développée. Tout commence par le choix d'une pièce. Le réalisateur lit le texte aux acteurs, puis attribue les rôles, puis lit les rôles. L'étape suivante consiste en des répétitions "à boire" (de Lat. Repetitio - "répétition"). En parallèle, le metteur en scène travaille avec le chef décorateur : ils discutent de la construction de l'espace scénique dans lequel se déroulera l'action de la pièce. Le dernier mot appartient toujours au réalisateur - les acteurs suivent ses instructions.

Lorsque les décors et les costumes sont préparés, les répétitions de la salle spéciale (de répétition) sont transférées sur scène. Les participants du spectacle, déjà maquillés et costumés, s'installent dans l'espace de Sienne. Habituellement, une performance est préparée pour deux, trois et parfois cinq mois. Il faut coordonner le jeu des comédiens avec la scène de foule, avec les bruiteurs, et réfléchir à l'éclairage. Les répétitions de montage se font sans comédiens : elles mettent en scène, élaborent la fermeture et l'ouverture du rideau. Enfin, le jour de la répétition générale arrive (parfois appelé le spectacle "Maman et Papa"). Maintenant, la performance peut être montrée au public - le jour de la première est à venir.

AU THÉÂTRE MUSICAL

Lors de la mise en scène d'un opéra, il y a aussi une étape de répétitions sur scène. D'abord - dans la salle de classe, sous le piano, dans les enclos (écrans, marches, rampes - plates-formes inclinées, machines - plates-formes qui s'élèvent au-dessus du sol) avec du mobilier (tables, bancs, canapés, fauteuils, chaises, etc.), avec accessoires, accessoires (samovar, bouquets de fleurs, encrier, papier, bol pour faire de la confiture, éventails, etc.). Props traduit du latin signifie "nécessaire". Maintenant, après de longues répétitions scéniques au piano, une nouvelle étape de répétitions avec l'orchestre va commencer. Toutes les disputes, les éclaircissements, la recherche de la commodité du chant, l'audibilité du texte, l'authenticité du comportement se terminent par les répétitions principales, que l'on appelle "runs", "répétitions générales". Maintenant, les costumes sont apportés des vestiaires, ils sont "installés". Avant la répétition générale, il y a une "salle de lumière" et une "salle de réunion".

Une scène de l'opéra La Dame de Pique. Théâtre Mariinsky, Saint-Pétersbourg, 1890

Dans un théâtre musical, tous les allumages des dispositifs d'éclairage (spots, spots) se font exactement selon des phrases musicales, et les enlumineurs y sont engagés. Toute la préparation de l'éclairage peut avoir lieu sur le décor avec ou sans personnes. Le changement de conception d'une image à l'autre s'effectue sous le commandement de l'assistant réalisateur sous la direction du chauffeur de la sienne. Le dépaysement s'effectue soit avec le rideau fermé pendant les "entractes assis", lorsque le public est assis. lieu (c'est ce qu'on appelle le "changement propre"), ou pendant un long entracte. Si vous regardez derrière le rideau fermé, vous pouvez voir à quelle vitesse toutes les personnes impliquées dans le réarrangement s'épuisent - accessoires, accessoires, enlumineurs, sienne ouvrière. Pour s'assurer qu'ils n'entrent pas en collision et que chacun, sans interférer les uns avec les autres, fasse son propre truc, et il y a des répétitions de montage. En plus des comédiens, un chœur participe obligatoirement à l'opéra, qui se compose de plusieurs groupes de voix : femmes - sopranos et altos, hommes - ténors, barytons, basses. Ils peuvent se produire simultanément en voix, c'est-à-dire selon celles fournies par le compositeur. Le chef de chœur prépare le chœur pour l'exécution, apprend les parties avec eux. À la suite d'efforts conjoints, une représentation d'opéra est née, dans laquelle l'audible se conjugue avec le visible.

1. LE THÉÂTRE COMME ART Comme tout autre art (musique, peinture, littérature), le théâtre a ses propres caractéristiques particulières. Cet art est synthétique : une œuvre théâtrale (performance) est constituée du texte de la pièce, œuvre d'un metteur en scène, acteur, artiste et compositeur. La musique joue un rôle décisif dans l'opéra et le ballet. Le théâtre est un art collectif. Le spectacle est le résultat des activités de nombreuses personnes, non seulement celles qui apparaissent sur scène, mais aussi celles qui cousent des costumes, fabriquent des accessoires, mettent la lumière et rencontrent le public. Ce n'est pas pour rien qu'il existe une définition des « travailleurs de théâtre » : une représentation est à la fois création et production. Le théâtre offre sa propre façon de connaître le monde environnant et, par conséquent, son propre ensemble de moyens artistiques. Une performance est à la fois une action spéciale jouée dans l'espace de la scène et une pensée figurative spéciale qui est différente, disons, de la musique. Une représentation théâtrale est basée sur un texte, comme une pièce pour une représentation dramatique. Même dans ces mises en scène où le mot en tant que tel est absent, le texte est parfois nécessaire ; en particulier, le ballet, et parfois la pantomime, a un script - un livret. Le processus de travail sur une pièce consiste à transférer un texte dramatique à la scène - c'est une sorte de "traduction" d'une langue à une autre. Du coup, le mot littéraire devient un mot de scène. La première chose que le spectateur voit après l'ouverture (ou le lever) du rideau est l'espace scénique dans lequel le décor est placé. Ils indiquent le lieu de l'action, le temps historique, reflètent la saveur nationale. A l'aide de constructions spatiales, même l'humeur des personnages peut être rendue (par exemple, dans un épisode de la souffrance du héros, plonger la scène dans l'obscurité ou resserrer son fond avec du noir). Pendant l'action, à l'aide d'une technique spéciale, le décor est changé : le jour se transforme en nuit, l'hiver - en été, la rue - en pièce. Cette technique a évolué avec la pensée scientifique de l'humanité. Les mécanismes de levage, les boucliers et les trappes, qui dans les temps anciens étaient actionnés manuellement, sont maintenant levés et abaissés par l'électronique. Les bougies et les lampes à gaz ont été remplacées par des ampoules électriques ; les lasers sont également souvent utilisés. Dès l'Antiquité, deux types de scènes et de salles se sont constitués : une scène en loges et une scène en amphithéâtre. La scène de la loge prévoit des gradins et un parterre, et le public entoure la scène de l'amphithéâtre de trois côtés. Les deux types sont utilisés dans le monde aujourd'hui. La technologie moderne permet de changer l'espace théâtral - d'aménager une plate-forme au milieu de l'auditorium, de mettre le spectateur sur scène et de jouer la performance dans la salle. Une grande importance a toujours été attachée au bâtiment du théâtre. Les théâtres étaient généralement construits sur la place centrale de la ville ; les architectes voulaient que les bâtiments soient beaux et attirent l'attention. En venant au théâtre, le spectateur se détache du quotidien, comme s'il s'élevait au-dessus de la réalité. Ce n'est donc pas un hasard si un escalier orné de miroirs mène souvent au hall. La musique contribue à renforcer l'impact émotionnel d'une performance dramatique. Parfois, cela sonne non seulement pendant l'action, mais aussi pendant l'entracte - pour garder le public intéressé. Le personnage principal de la pièce est l'acteur. Le spectateur voit devant lui une personne qui, d'une manière mystérieuse, s'est transformée en une image artistique - une sorte d'œuvre d'art. Bien sûr, l'œuvre d'art n'est pas l'interprète lui-même, mais son rôle. Elle est la création d'un acteur, créé par la voix, les nerfs et quelque chose d'imperceptible - l'esprit, l'âme. Pour que l'action sur scène soit perçue dans son ensemble, il est nécessaire de l'organiser de manière réfléchie et cohérente. Ces fonctions dans le théâtre moderne sont exercées par le metteur en scène. Bien sûr, beaucoup dépend du talent des acteurs de la pièce, mais néanmoins ils sont subordonnés à la volonté du leader - le réalisateur. Les gens, comme il y a plusieurs siècles, viennent au théâtre. Le texte des pièces sonne de la scène, transformé par les forces et les sentiments des interprètes. Les artistes mènent leur propre dialogue - et pas seulement verbal. C'est une conversation de gestes, de postures, de regards et d'expressions faciales. L'imagination d'un artiste-décorateur à l'aide de la couleur, de la lumière, des structures architecturales du site fait « parler » l'espace de la scène. Et tout cela s'articule dans le strict cadre de l'intention du réalisateur, qui donne complétude et intégrité aux éléments hétérogènes. Le spectateur évalue consciemment (et parfois inconsciemment, comme contre son gré) le jeu des acteurs et la mise en scène, la correspondance de la solution de l'espace théâtral à l'idée générale. Mais l'essentiel est que lui, le spectateur, s'implique dans l'art, contrairement à d'autres, créés ici et maintenant. Comprenant le sens de la pièce, il comprend le sens de la vie. L'histoire du théâtre continue.

2. Types de théâtre.

Le type le plus courant et le plus populaire est théâtre dramatique... Le principal moyen d'expression est mot(ce n'est pas un hasard si ce théâtre est parfois appelé familier). Le sens des événements se déroulant sur la scène, les caractères des personnages sont révélés à l'aide de mots qui s'additionnent au texte (il peut être prosaïque ou poétique).

Le Théâtre Bolchoï est le plus grand théâtre d'opéra et de ballet de Russie.

L'opéra est un autre type d'art théâtral. À l'opéra, la convention du théâtre est particulièrement évidente - après tout, dans la vie, les gens ne chantent pas pour parler de leurs sentiments. L'essentiel dans l'opéra, c'est la musique. Cependant, la partition (notation musicale) doit être présentée, jouée sur scène, le contenu de l'œuvre ne sera pleinement révélé que dans l'espace scénique. Une telle performance requiert une compétence particulière de la part des interprètes : ils doivent non seulement être capables de chanter, mais aussi avoir des qualités d'acteur. A l'aide de sons, l'acteur-chanteur est capable d'exprimer les sentiments les plus complexes. L'impact d'une performance musicale - avec une solide formation de chanteurs, un bon orchestre, une direction professionnelle - peut être puissant, voire enivrant. Il subjugue le spectateur, l'emmène dans le monde des sons divins.

U. Lopatkina et I. Zelensky interprètent "Diamonds" du ballet "Jewels" de George Balanchine.

Au 16ème siècle, un théâtre de ballet a commencé à se former sur la base de danses de cour et folkloriques. Le mot même "ballet" vient du latin tardif ballare- "Danse". Dans le ballet, les événements et les relations des personnages sont racontés sur les mouvements et les danses que les artistes exécutent sur la musique composée sur la base du livret. Livret(du livret italien - "petit livre") - un texte littéraire d'opéra ou un scénario pour ballet et pantomime, qui définit le contenu - la séquence d'actions sur la scène. À la fin du 20e siècle, les performances sans intrigue basées sur la musique d'œuvres symphoniques se sont généralisées. Le chorégraphe propose de telles performances. "Chorea" en traduction du grec ancien signifie "danse", et "gra" fo "signifie" j'écris. "Par conséquent, le chorégraphe" écrit la performance "à l'aide de la danse, construit des compositions plastiques en accord avec la musique et le Dans les représentations de ballet, en règle générale, les solistes sont également occupés luminaires- c'est ainsi que l'artiste principal du corps de ballet, qui a dansé sur la première ligne, plus proche du public, a été appelé dans le théâtre russe. Le corps de ballet est le nom donné aux participants des scènes de foule.

L'histoire de l'opérette remonte à un peu plus d'un siècle et demi. En science, il y a deux points de vue sur l'opérette. Certains érudits le considèrent comme une forme indépendante d'art théâtral, d'autres - un genre (on peut en dire autant de la comédie musicale).

Les premières représentations, principalement à contenu comique, apparaissent dans la seconde moitié du XIXe siècle au théâtre Bouff-Parisienne à Paris. Les intrigues d'opérettes sont généralement comiques, les dialogues conversationnels alternent avec le chant et la danse. Parfois, les numéros musicaux ne sont pas liés à l'intrigue, ils sont intermédiaires.

A la fin du 19ème siècle aux États-Unis est apparu musical... Il s'agit d'une œuvre scénique (à la fois comique et dramatique en termes d'intrigue), qui utilise des formes de pop art, de théâtre dramatique, de ballet et d'opéra, et de danse de tous les jours. Dans une opérette, des fragments musicaux peuvent être insérés, dans une comédie musicale - jamais, ils sont "dissous" dans l'action. Musical- l'art pour tous. Les intrigues sont généralement simples et les mélodies deviennent souvent des slapsticks. L'histoire de la comédie musicale a commencé en 1866, lorsque la performance musicale et dramatique "The Black Rogue" (dans une autre traduction "The Rogue Villain") a été présentée à New York. Le succès a été écrasant et inattendu. Cependant, la comédie musicale n'a pris sa juste place parmi les autres types d'art théâtral que dans les années 20 du XXe siècle. Des performances similaires ont commencé à apparaître aux États-Unis, puis après la Seconde Guerre mondiale, sur les scènes d'Angleterre, d'Autriche et de France. Les comédies musicales les plus réussies ont été tournées : « Cabaret », « Cherbourg Umbrellas », « The Sound of Music ».

Mime. Théâtre de Pantomime.

Le type le plus ancien de représentations théâtrales est la pantomime (du grec « panto« mimos »-« tout reproduire par imitation. ») Cet art trouve son origine dans l'antiquité. La pantomime moderne est une représentation sans paroles : ce sont soit des numéros courts, soit une action scénique détaillée avec une intrigue. Au XIXe siècle, l'art de la pantomime est rendu célèbre par le clown anglais Joseph Grimaldi (1778-1837) et le français Pierrot-Jean Gaspard Deburau (1796-1846). La tradition est perpétuée par Etienne Decroux (1898 -1985) et Jean-Louis Barrot (1910-1994). Décret fonda l'école dite. pure pantomime - pour ne faire sur scène « que ce qui est au-delà du pouvoir des autres arts ». plus véridique et plus brillant qu'un mot.Les traditions de Barro et Decroux ont été poursuivies par le célèbre imitateur français Marcel Marceau (1923-2007)., dont le répertoire comprend des performances complexes et profondes sur des thèmes mythologiques et bibliques.

Dans le dernier quart du XIXe siècle, dans toute l'Europe, mais principalement en France, commencent à se créer des théâtres de cabaret, dans lesquels se mêlent les formes du théâtre, des variétés et du chant de restaurant. Les plus célèbres et les plus populaires étaient "Black Cat" à Paris, "Eleven Executioners" à Munich, "Blast It All" à Berlin, "Crooked Mirror" à Saint-Pétersbourg.

Les artistes se sont réunis dans les locaux du café, ce qui a créé une atmosphère particulière. L'espace de telles performances pourrait être le plus inhabituel, mais le plus souvent le sous-sol a été choisi - comme quelque chose d'ordinaire, mais en même temps mystérieux, un peu interdit, souterrain. Les spectacles de cabaret (scènes courtes, parodies ou chansons) tant pour le public que pour les interprètes ont eu une expérience particulière - un sentiment de liberté sans restriction. Le sentiment de mystère était généralement renforcé par le fait que de telles représentations étaient données tard, parfois la nuit. À ce jour, il existe de vrais cabarets dans différentes villes du monde.

Poupées et marionnettistes.

Un type particulier de représentation théâtrale - spectacle de marionnettes... En Europe, il est apparu à l'époque de l'Antiquité. Des représentations à domicile ont été jouées dans la Grèce antique et à Rome. Depuis ce temps, le théâtre a bien sûr changé, mais l'essentiel est resté - seules les poupées participent à de telles représentations. Cependant, ces dernières années, les poupées ont souvent "partagé" la scène avec les acteurs.

Chaque nation a ses propres héros fantoches, quelque peu similaires, mais quelque peu différents. Mais ils ont tous un point commun : sur scène, ils plaisantent, jouent les espiègles, ridiculisent les défauts des gens. Les poupées diffèrent les unes des autres, à la fois par "l'apparence" et par la structure. Les plus courantes sont les marionnettes à fil, les marionnettes à gants et les marionnettes à canne.

Les représentations de théâtre de marionnettes nécessitent un équipement spécial et une scène spéciale. Au début, c'était juste une boîte avec des trous faits par le bas (ou le haut). Au Moyen Âge, des représentations étaient organisées sur la place - puis un rideau était tiré entre deux piliers, derrière lesquels se cachaient les marionnettistes. Au 19ème siècle, les représentations ont commencé à être jouées dans des salles spécialement construites.

Une forme particulière de théâtre de marionnettes - Théâtre de marionnettes, poupées en bois... Des scénarios spéciaux ont été composés pour le théâtre de marionnettes.

AVANLOZHA- des places dans l'auditorium, une salle devant l'entrée de la loge.
PROSCENIUM- le devant de la scène (entre le rideau et la rampe).
ACTE- une partie achevée d'une œuvre dramatique ou d'une représentation théâtrale ; la même chose que l'action.
ACTEUR, actrice - interprète (interprète) de rôles.
AMPLUE- des rôles de même nature, correspondant au talent et aux données externes d'un acteur particulier.
AMPHITHÉÂTRE- 1) une construction antique pour spectacles : une arène ovale, autour de laquelle il y avait des places pour les spectateurs avec des corniches ; 2) sièges dans l'auditorium, situé derrière le parterre.
ENGAGEMENT- invitation d'un acteur pour une certaine durée à participer à des représentations ou à des concerts.
ANNONCE- annonce des prochaines tournées, spectacles,
concerts.- un personnage volontairement réduit, déshéroïsé dans la pièce, occupant une des places principales.
ENTRACTE- une pause entre les actions (actes) de la performance, entre les sections du concert.
ENTREPRENEUR- propriétaire, bailleur, locataire d'un immeuble privé
théâtre ANTREPRISE- théâtre privé.
FULL HOUSE- une annonce que tous les billets (pour la pièce, la représentation) sont vendus.
APOTHÉOSE- la messe solennelle finale d'un spectacle ou d'un programme de concert festif.
ARIERSCÈNE- la partie de la scène la plus éloignée de la salle.
BALAGAN- une représentation théâtrale d'un personnage comique, présentée dans les foires et festivals (en Russie depuis le XVIIIe siècle).
BALCON- des sièges dans l'auditorium, situé en amphithéâtre à différents gradins.
MEZZANINE- le premier étage de balcons au-dessus du parterre et de l'amphithéâtre dans l'auditorium ou la salle de concert.
BÉNÉFICIER À- 1) une représentation théâtrale en l'honneur d'un acteur ; 2) un spectacle dont j'ai reçu la collection au profit d'un ou plusieurs comédiens, ainsi que d'autres travailleurs du théâtre.
Benoir- des loges au niveau de Sienne ou légèrement plus bas de part et d'autre des stalles.
BERICAOBA- Théâtre folklorique d'improvisation géorgienne de masques. Il a existé de l'Antiquité au début du 20ème siècle.
BURLESQUE- une représentation comique exagérée sur scène.
Stand- un ouvrier de théâtre en charge des accessoires. Il est fait par un artiste d'accessoires.
ACCESSOIRES- articles spécialement fabriqués et utilisés à la place de choses réelles dans les représentations théâtrales.
BOUFFON- le rôle d'un acteur utilisant des techniques clownesques pour jouer le rôle.
BOUFFONNERIE- 1) performance avec l'utilisation de techniques clownesques; 2) exagération comique accentuée extérieurement, parfois caricatures de personnages.
VERTEP- Le théâtre de marionnettes folklorique ukrainien, qui s'est répandu aux XVIIe-XIXe siècles. Les poupées, fixées sur un fil à l'intérieur d'une boîte à deux niveaux - une crèche, ont été mises en mouvement par un commis. Scènes bibliques. Les spectacles satiriques étaient accompagnés de musique.
GALERIE- le niveau supérieur de l'auditorium.
GASTRONOMIE- un acteur de la Rome antique.
VISITER- représentation d'acteurs sur la route dans d'autres théâtres.
HÉROS- le personnage principal de la pièce.
GÉNÉRAL Répétition - la dernière avant une représentation ou un concert.
GRANDAM- le rôle d'une actrice jouant le rôle de dames nobles.
GRANDCOKET- le rôle d'une dame noble adulte.
SE RÉCONCILIER- 1) l'art de changer l'apparence d'un acteur (principalement le visage) à l'aide de peintures spéciales, d'autocollants, d'une perruque, d'une coiffure, etc. 2) peintures et autres accessoires de maquillage.
GRIMER- un spécialiste du maquillage pour comédiens.
SALLE DE MAQUILLAGE- salle de maquillage et d'habillage des comédiens.
ACTION- la partie finie du spectacle. Identique à l'acte.
DÉCLAMATION- lecture expressive claire à haute voix.
DÉCORATION- décoration de la scène sur la scène théâtrale, créant l'image visuelle de la performance.
JORURI- une sorte de théâtre de marionnettes au Japon. Les pièces de Joruri sont jouées sur la scène du théâtre kabuki.
DIVERTISSEMENT- une performance musicale ou dramatique à partir d'un certain nombre de numéros distincts, généralement donnés en plus de la performance.
DRAMATURGE- l'auteur d'œuvres dramatiques.
DRAMATURGIE- 1) art dramatique, théorie de la construction des œuvres dramatiques ; 2) la totalité de ces travaux ; 3) intrigue et base de composition d'une œuvre théâtrale distincte.
LE MÉCHANT- le rôle d'un acteur jouant des personnages négatifs.
INGENUE- le rôle d'une actrice jouant le rôle d'une fille naïve.
INTERMÉDIA- une petite pièce jouée entre les actes d'une pièce de théâtre ou d'opéra ; insérer une scène.
KABUKI- l'un des types de théâtre classique au Japon. Comprend la musique, la danse, le théâtre, formés au 17ème siècle. Depuis 1652, seuls des hommes ont joué dans de telles troupes.
LA PEINTURE- partie d'un acte dans un drame.
CLACA- un groupe spécial de personnes embauchées pour créer un succès ou un échec artificiel d'une représentation, un acteur.
COCKET- le rôle d'une actrice jouant le rôle d'une belle fille.
GRILLES- la partie supérieure (invisible au spectateur) de la scène pour l'installation des blocs, des mécanismes scéniques et la suspension des éléments de décoration.
COMÉDIEN- le rôle d'un acteur jouant des rôles comiques.
CONFIDENT- un acteur jouant le rôle d'un protagoniste approximatif.
COURNES- une sorte de sandales à semelles très épaisses d'acteurs grecs et romains antiques pour augmenter la hauteur.
DES CLASSES- les parties planes du décor (douces, tendues sur des cadres), situées sur les côtés de la scène.
PAROLIER- le rôle d'un acteur jouant des personnages lyriques.
ACTEUR- le nom de l'acteur dans la Russie antique.
LOGE- un ensemble de sièges en salle (autour du parterre et sur gradins), séparés par des cloisons ou des barrières.
FANTOCHE- une marionnette de théâtre, que le marionnettiste met en mouvement à l'aide de fils.
MIZANSCÈNE- l'emplacement des acteurs sur la scène à un moment ou à un autre de la représentation. L'art de la mise en scène est l'un des éléments les plus importants de la mise en scène.
MIME- un acteur de pantomime.
MIMIKA- l'un des éléments importants de l'art d'un acteur, le mouvement expressif des muscles du visage.
MONOLOGUE- le discours de l'acteur adressé au public ou à lui-même
MUSIC-HALL- une sorte de théâtre pop, mêlant pop, cirque, danse et genres musicaux. Les premiers music-halls sont apparus en Grande-Bretagne au milieu du XIXe siècle.
PERSONNES THÉÂTRE - 1) le théâtre, existant parmi le peuple, organiquement associé à l'art populaire oral ; 2) le théâtre professionnel de la seconde moitié du XIXe siècle, dont les activités s'adressaient à un large public ; 3) théâtre amateur non professionnel (apparu en Russie au milieu du XIXe siècle).
NOU- l'un des types de théâtre traditionnel japonais. Comprend la musique, la danse, le théâtre. Traits caractéristiques : conventionnalité des décors, les personnages principaux sont masqués, le costume est dépourvu de concrétisation quotidienne.
PADUGA- une bande de rideau en haut de la scène.
PANTOMIME- une sorte d'art scénique, dans lequel une image artistique est créée sans l'aide de mots, au moyen de mouvements expressifs, de gestes, d'expressions faciales.
PARTENAIRE- le plan du sol de l'auditorium avec des sièges pour les spectateurs, généralement en dessous du niveau de la scène.
PELGENTE- une scène mobile en forme de grande voiture dans un théâtre médiéval. Il était utilisé lors de la mise en scène de mystères, de miracles, de processions.
PETIMÈTRE- l'image d'un dandy dans une comédie satirique.
PERSIL- le personnage principal des spectacles de marionnettes folkloriques russes ; connu dès la première moitié du XVIIe siècle.
CALENDRIER- un synonyme du mot "scène".
DÉCLARATION- le processus créatif de création d'une performance ; le même que la performance.
PREMIER, première - un acteur, actrice, occupant une position de leader dans la troupe, jouant les rôles principaux.
PREMIÈRE- la première (ou l'une des premières) projection publique payante d'une nouvelle performance.
DIVA- une actrice qui joue les rôles principaux.
NIAIS- le rôle d'un acteur jouant un innocent.
RAMPE- des appareils d'éclairage au sol de la scène le long de son bord avant, cachés du public par le côté.
REVUE- performance pop ou théâtrale, composée de plusieurs numéros, unis par un même thème.
RÉALISATEUR- un metteur en scène, à partir de sa propre idée, crée une nouvelle réalité scénique, combinant le travail d'acteurs, d'un artiste et d'un compositeur.
RÉSONEUR- le rôle d'acteur exprimant moralisateur
jugements.- les objets utilisés dans les représentations théâtrales.
RÉPÉTITION- la principale forme de préparation du théâtre
les performances.- un ensemble d'œuvres jouées au théâtre.
RÉPLIQUE- une courte déclaration prononcée par un acteur en réponse aux paroles d'un autre.
SKENA- une salle pour se changer et sortir des acteurs de théâtre dans la Grèce antique.
SOLISTE- l'acteur principal de la pièce.
SOFFITE- une partie du matériel d'éclairage du théâtre, des lampes à lumière diffuse, éclairant la scène de face et d'en haut.
JOUER- performance théatrale. Il est créé sur la base d'une œuvre scénique dramatique ou musicale conformément à l'intention du metteur en scène par les efforts conjoints d'acteurs, d'artistes, etc.
STATISTIQUE- l'acteur de la foule, jouant le rôle sans paroles.
SOUBRETTE- le rôle d'un serviteur plein de ressources.
SOUFFLEUR- un ouvrier de théâtre, qui surveille le déroulement des répétitions et de la représentation selon le texte de la pièce et, si nécessaire, guide les comédiens avec les mots du rôle.
THÉÂTRE- une forme d'art dont le moyen d'expression spécifique est l'action scénique qui surgit dans le processus d'un acteur jouant devant un public.
THÉÂTRE MARIONNETTE - une sorte de spectacle théâtral dans lequel jouent des marionnettes, contrôlées par des comédiens-marionnettistes.
THÉÂTRE MINIATURE - un type de théâtre dans lequel sont mises en scène des œuvres dites de petites formes (pièces en un acte, parodies, scènes, sketches).
THÉÂTRE SHADOWS est un type de représentation théâtrale basé sur l'utilisation de marionnettes plates, qui se situent entre la source lumineuse et l'écran ou se superposent à celui-ci.
TÉLARIA- dispositifs de changement de décor dans les théâtres antiques d'Europe occidentale.
TRAVESTIR- le rôle d'une comédienne jouant le rôle d'adolescentes.
TRAGÉDIEN~ le rôle d'un acteur jouant des rôles tragiques.
TROUPE- la distribution du théâtre.
PRISE- chambre sous la scène.
GROS- le rôle d'un acteur jouant des personnages spectaculaires, narcissiques et limités (principalement des jeunes).
FIGURINE- un acteur jouant un rôle sans paroles ; le même que le supplément.
LE FINAL- la partie finale du spectacle.
FURKI- des dispositifs pour déplacer le décor sur la scène.
ETOILE- une actrice du genre divertissement.
ÉTUDE- dans la pédagogie du théâtre moderne, un exercice pour le développement et l'amélioration de la technique du jeu d'acteur.
ÉTAGE- l'un des étages intermédiaires ou supérieurs de l'auditorium.