Reportage sur l'art russe du XVIIIe siècle. L'art de la Russie dans la première moitié du XVIIIe siècle

1. Caractéristiques générales de l'art russe du XVIIIe siècle. Début du 18ème siècle pour la Russie, il a été marqué par une rupture du mode de vie habituel, un virage vers l'imitation des modèles culturels occidentaux, qui embrassaient principalement la noblesse métropolitaine et provinciale. Art de la Russie depuis le début du XVIIIe siècle. devient laïc.

Des types et des genres d'arts spatiaux jusque-là inconnus apparaissent : gravure, monument, portrait sculptural, architecture de paysage, etc. L'émergence de nouveaux types et genres d'art a été associée à la nécessité de créer des dessins et des cartes de Saint-Pétersbourg en construction, pour refléter les victoires de l'armée et de la marine russes.

Un système de formation professionnelle pour graveurs, sculpteurs et peintres et architectes est en train d'émerger. Souvent, des maîtres reconnus invités de l'étranger font office d'enseignants. Plusieurs styles artistiques viennent d'Europe en Russie - baroque et rococo, classicisme et tendances créatives: réalisme des Lumières, plus tard - sentimentalisme et romantisme.

2. Art russe de la première moitié du XVIIIe siècle. Version russe du style baroque L'essentiel dans le baroque russe est la construction de palais dans la nouvelle capitale de la Russie - Saint-Pétersbourg. Le style artistique phare de la première moitié du XVIIIe siècle. Le baroque devient en Russie - le style de l'absolutisme, incarnant la splendeur et la puissance de l'autocratie russe. Le baroque russe différait de l'Europe occidentale par son pathétique optimiste, son début positif.

En 1706, la Chancellerie des affaires de la ville a été créée pour gérer les travaux de construction, dirigée par U.A. Sinyavin. Sur la rive gauche de la Neva, la construction d'une forteresse-chantier naval de l'Amirauté a commencé. Dans les années Le premier palais d'hiver de Pierre Ier a été construit.Le bâtiment de deux étages, couvert d'un haut toit, était décoré d'un petit portail orné et de pilastres étroits. Dans les années l'architecte Dominico Trezzini a ajouté deux ailes au bâtiment et a souligné son centre avec quatre colonnes.

Vers la fin des années 1720. l'image de Pétersbourg était déterminée. En 1737, la Commission sur la construction de Saint-Pétersbourg a été créée, sa partie architecturale était dirigée par P.M. Eropkine. La commission a élaboré un plan directeur pour la capitale, selon lequel le centre a été transféré du côté de l'Amirauté.

Les directions des trois principales autoroutes de la ville, divergeant de la tour de l'Amirauté, ont été tracées. I. K. Korobov (1700/) a proposé de construire une tour de l'Amirauté en pierre de soixante-dix mètres avec une haute flèche dorée et une girouette en forme de navire. L'Amirauté, reconstruite selon le projet de I.K. Korobov en 1738. Schéma

Toute la région centrale a été ordonnée de n'être construite qu'avec des bâtiments en pierre. Le type de construction prédominant à cette époque était un domaine-palais dans la capitale ou dans sa banlieue. Vue du palais d'hiver d'Anna Ioannovna depuis la Neva. Gravure de G.A.Kachalov d'après un dessin de M.I.Makhaev e.

L'apogée de l'architecture russe au milieu du XVIIIe siècle. associé au style baroque et au nom de Francesco Bartolomeo Rastrelli (), qui a combiné dans son travail les caractéristiques du baroque d'Europe occidentale et de son incarnation dite Narychkine.

Rastrelli a construit le troisième palais d'hiver à Saint-Pétersbourg, combinant les maisons d'Apraksin et de Kikin et construisant deux nouveaux bâtiments aux angles du côté de l'Amirauté. Les façades du palais, s'étendant le long de la Neva sur près de 150 m, conservaient encore les caractéristiques du baroque de Pierre le Grand, mais la main de Rastrelli se faisait déjà sentir dans la conception de plusieurs pièces intérieures - la salle du trône, le hall d'entrée et le Théâtre. MAKHAEV Mikhaïl Ivanovitch Le Troisième Palais d'Hiver à Saint-Pétersbourg. Gravure première moitié du XVIIIe siècle

En 1749, Elizabeth publie un décret sur la construction du monastère de Smolny. La construction de la cathédrale, commencée en 1748, fut suspendue faute de fonds. Rastrelli ne l'a jamais terminé, mais le bâtiment créé était l'une de ses créations remarquables.

Travaillant à la construction du monastère de Smolny, Rastrelli reçoit l'ordre de l'impératrice de commencer les travaux de reconstruction du grand palais de Peterhof. L'architecte a reçu une condition: préserver le complexe de bâtiments laissé par Peter, agrandissant considérablement le palais.

La création la plus parfaite de Rastrelli est le Grand Palais ou Palais de Catherine à Tsarskoïe Selo, dont la construction a été réalisée de 1752 à 1757. La construction du palais, commencée plus tôt, n'a pas satisfait Elizabeth. Rastrelli transforme le palais en une immense suite de salles, érige des pavillons de parc dans un vaste jardin régulier.

Au centre de Saint-Pétersbourg, Rastrelli a érigé le quatrième Palais d'Hiver. Conservé presque inchangé, le Palais, apogée du baroque russe, a été construit sous la forme d'un quadrilatère fermé avec une vaste cour, sa taille domine l'espace environnant.

Chaque façade Rastrelli conçu différemment. Ainsi, la façade nord, face à la Neva, s'étire comme un mur plus ou moins égal, sans rebords apparents. La façade sud donnant sur la place du Palais a sept articulations et est la principale. Son centre est mis en valeur par une large chrysolithe richement décorée, traversée par trois arcs d'entrée. Parmi les façades latérales, la plus expressive est celle de l'ouest, face à l'Amirauté.

Après l'accession au trône de Catherine II, Rastrelli cessa de recevoir des commandes, la cour n'aimait pas le style baroque. Le 23 octobre 1763 Catherine décide de destituer Rastrelli du poste d'architecte en chef. En 1771, il soumet une demande d'admission à l'Académie impériale des sciences, la demande est accordée le 9 janvier 1771. La même année, Rastrelli meurt.

L'influence du travail de Rastrelli était également forte pour les architectes indépendants. L'un de ces maîtres était S.I. Chevakinsky (1709 / vers 1780), qui a construit la cathédrale navale Saint-Nicolas à deux étages ()

Le XVIIIe siècle est limite. La nature de la culture a changé, elle est devenue laïque, de nouveaux genres apparaissent (portrait).

1er quart du XVIIIe siècle - le règne de Pierre, l'émergence de nouveaux genres

2ème quart des coups de palais du 18ème siècle, le règne d'Elisabeth, l'apogée du baroque

2e moitié du XVIIIe siècle, règne de Catherine II, apogée du classicisme.

Il y a construction selon le plan. Les Russes n'avaient aucune expérience, ils ont invité des étrangers: Leblon (selon son projet, ils ont commencé à construire Saint-Pétersbourg en 1703 sur l'île aux lièvres de la forteresse Pierre et Paul). Plus tard, il s'est transformé en prison. Le bâtiment le plus célèbre est la cathédrale. Ici est apparu le premier égout. Le premier musée est le Kuntskamera.

Le premier ensemble de palais et de parc est Peterhof. Se compose d'un parc inférieur et supérieur. Supérieur - parc français. Les fontaines ont été créées par Peter. L'eau est fournie par gravité, presque sans pompes. Celui du bas est paysage. La plus grande fontaine est une grande cascade. Le personnage central est Samson déchirant la gueule du lion. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a été gravement endommagé, il a donc fallu tout restaurer. Sur le territoire, il y a de petits palais (Monplaisir - sur les rives du golfe de Finlande, rappelant une maison hollandaise; Marley - en mémoire du palais de Louis; Hermitage pour les réceptions de chambre). Le toboggan d'échecs avec des lions, la cascade du lion, la fontaine du soleil - tourne autour de son axe, la fontaine des baleines, la fontaine préférée - le mécanisme se brise constamment, les fontaines de la fontaine.

Tsarskoïe Selo - décoré par Catherine et Elizabeth. Palais de Catherine - baroque. Gazebo grinçant, la sculpture la plus célèbre "fille avec une cruche".

Gatchina (Antonio Renaldi). Le palais est le début du classicisme. C'était le château d'Orlov, présenté plus tard à Pavel. Il y a un parc à l'anglaise.

Pavlovsk. Palais de Paul 1 (Cameron) - classicisme.

Milieu du XVIIIe siècle - baroque (Rastrelli - Palais d'Hiver, Monastère Smolny). Un exemple de baroque à Moscou : le clocher de la laure Trinité-Sergius.

La seconde moitié est l'âge d'or du classicisme. Retour à l'antiquité, à la symétrie, aux formes simples. Académie des Arts (Kokorinov), Quarenghi (Institut Smolny pour Noble Maidens). A Moscou : Bajenov (Maison Pachkov, domaine Tsaritsino).

Sculpture

Apparu au 17ème siècle. Martos (Minine et Pojarski),

Falcone ("Le Cavalier de bronze").

1. Peinture russe du XVIIIe siècle

Portrait du XVIIIe siècle :

Cérémonial (en pleine croissance, une personne dans une pose représentative du défilé)

Chambre (petite taille, accent mis sur la personnalité, sur fond sombre avec un minimum de détails)

Allégorique (image sous la forme d'un héros mythologique).

Les artistes devaient maîtriser la peinture à l'huile, le clair-obscur, la perspective. Au milieu du XVIIIe siècle, une académie des arts a été ouverte, où le classicisme dominait.

Rokotov

Le serf du comte Shuvalov (Vasily Maikov, portrait de chambre de Struyskaya).

Lévitski

De la famille d'un prêtre. A Kiev, il crée des icônes (Catherine 2 dans le temple de la justice, Architecte Kokorinov, Demidov, Smolyanki).

Borovikovski

Né dans une famille cosaque. Catherine a vu ses peintures et invitée à Saint-Pétersbourg (Catherine 2 en promenade à Tsarskoïe Selo, Portrait de Lapukhina).

1. Style Empire début XIXe siècle

Elle commence avec l'assassinat de Paul 1er et se termine avec le règne de Nicolas 2. L'art est un instrument d'influence. Nous le diviserons en 2 parties : avant la réforme des années 60 et après.

Décembristes. Politique d'Alexandre 1er : Réforme ministérielle, Conseil d'État, charte universitaire libérale, colonies militaires. La première organisation, l'Artel des officiers du régiment de Semenov, a été dissoute, l'Union du salut de Muravyov et la Southern Society of Pestol. Visant l'abolition de l'autocratie, l'égalité des citoyens, l'abolition du servage. Avec l'avènement de Nicolas, 5 personnes ont été condamnées à mort, 100 ont été exilées en Sibérie.

Direction conservatrice (la théorie de la nationalité officielle)

Libéraux (Slavophiles (Khomiakov, Samarin) et Occidentaux (Botkin, Soloviev))

Démocrate (Herzen, Belinsky)

Théorie Nicolas 1 de la nationalité officielle : Orthodoxie, autocratie, nationalité. (Ouvarov).

Architecture

Haut classicisme ou style Empire. Originaire de France à la fin du 18ème siècle. Basé sur l'architecture ancienne, le style impérial de l'Empire romain. Il diffère du classicisme :

Thème militaire (boucliers, épées, casques)

Monumentalité (ensemble urbain)

Voronikhin (Cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg), Thomas de Thomon (Échange et flèche de l'île Vassilievski), Rossi (Place du Palais, Ministère des Affaires étrangères et des Finances, Palais Mikhailovsky, Théâtre Alexandrinsky, Bâtiments du Sénat, Synode et Place.

Moscou : Bave (reconstruction de la place Rouge, jardin Alexandre - la rivière, le bâtiment de l'arène, le théâtre Bolchoï ont été supprimés)

L'ère de Pierre Ier est d'une importance fondamentale pour tout l'art russe des temps modernes.La Russie dans tous les domaines, y compris dans le domaine de la construction culturelle, devait être sur un pied d'égalité avec les pays d'Europe occidentale. Peter a compris la grande importance pour la Russie de maîtriser l'expérience artistique avancée de l'Occident. Des œuvres de maîtres d'Europe occidentale ont été achetées, des voyages de retraités ont été organisés aux frais de l'État des maîtres russes pour étudier en Europe, des artistes étrangers ont été invités à travailler et à former des maîtres russes en Russie.

I. N. Nikitine. Portrait d'un hetman en plein air. années 1720 Toile, huile.

Constatant les changements dans l'art russe, il ne faut pas oublier qu'ils reposaient sur un grand héritage historique, préparés par le cours antérieur du développement de la culture artistique. Dans l'art du XVIIe siècle. de nouvelles fonctionnalités sont apparues, par exemple, la construction de palais, le genre du portrait dans la peinture a commencé à être déterminé, mais ils ont été pleinement révélés au début du XVIIIe siècle. Les traditions nationales ont également influencé de manière décisive la nature du travail de nombreux maîtres étrangers qui ont travaillé en Russie.

A.M. MATVEEV Réponse automatique avec sa femme. Toile, huile.

L'essence des transformations de Peter dans le domaine de la culture est sa "sécularisation". Cela signifie que l'art devient séculier, il cesse de servir les seuls intérêts d'un culte religieux. La composition même de l'art se transforme, de nouveaux types d'activité artistique apparaissent, des genres, et enfin, le langage pictural change. La base de la peinture est l'observation, l'étude des formes de la nature terrestre et de l'homme, et non la suite de modèles canonisés, comme au Moyen Âge.

Parmi les genres de la peinture, à partir de l'époque de Pierre le Grand et tout au long du XVIIIe siècle. le premier devient un portrait. Le travail de deux portraitistes russes - I. N. Nikitin et A. M. Matveev marque la naissance du portrait psychologique lui-même.

V. L. Borovikovski. Portrait d'A. G. et V. G. Gagarine. 1802. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou

La construction civile et palatiale de l'ère pétrinienne est une nouvelle période brillante dans l'histoire de l'architecture russe.

Subordonné aux tâches d'aménagement de la vie pratique, l'art à l'époque de Pierre était compris comme un haut degré de compétence - des «arts» dans n'importe quelle entreprise, qu'il s'agisse de peinture, de sculpture ou de fabrication d'un modèle de navire ou de mécanismes de montre. La fusion de l'art avec la technologie, la science et l'artisanat détermine le caractère artistique et technique particulier de la culture de l'ère pétrinienne. Non seulement l'État, mais aussi la plus grande action culturelle de Pierre Ier a été la fondation de Saint-Pétersbourg - la nouvelle capitale du jeune Empire russe, qui devient le centre du nouvel art.

A. G. Venetsianov. A la récolte. L'été. années 1820 Toile, huile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

L'art commence à servir les tâches de décoration de la vie et de la vie quotidienne, acquiert, avec une portée monumentale, un caractère festif, magnifique et décoratif. Ces caractéristiques ont été exprimées de la manière la plus vivante et la plus parfaite dans le travail du grand architecte VV Rastrelli - le constructeur du Grand Palais à Tsarskoïe Selo et du Palais d'Hiver à Saint-Pétersbourg - de brillants exemples du style baroque.

Seconde moitié du XVIIIe siècle - l'époque d'une puissante floraison brillante de l'art russe des temps modernes. Le temps de l'apprentissage de l'Europe est révolu. Fondée en 1757, l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg devient une forge de personnel artistique national. Le système d'éducation artistique a été rationalisé, les contacts avec le monde culturel européen se sont resserrés. Le début de l'activité de l'Académie des Arts a coïncidé avec l'établissement du classicisme - un style qui oppose la splendeur décorative et l'extravagance du baroque à une logique stricte, une clarté et des proportions raisonnables, qui sont redécouvertes dans les œuvres classiques de l'art ancien et de la Renaissance. . En architecture, c'est l'époque de l'activité d'architectes aussi remarquables que V.I. Bazhenov - l'auteur de la maison Pashkov à Moscou, M.F. qui a construit le palais de Tauride à Saint-Pétersbourg, C. Cameron - le créateur d'un magnifique palais et paysage ensemble de jardinage à Pavlovsk près de Saint-Pétersbourg. L'essor de la sculpture domestique dans l'œuvre de F. G. Gordeev, I. P. Martos, M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin est également associé à l'ère du classicisme. La sculpture de portrait de F. I. Shubin se distingue par une perspicacité psychologique exceptionnelle, le courage et la flexibilité des techniques artistiques, étrangères à tout schéma conventionnel. La preuve de la maturité de l'art russe, atteinte dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, est la diversité des individus créatifs, qui se reflète, par exemple, dans la différence de style artistique des deux plus grands maîtres du portrait pictural - FS Rokotov et DG Levitsky. La peinture de Levitsky est pleine d'éclat, d'ivresse avec la beauté visible du monde matériel, captive par la plénitude de la vie, l'incroyable variété de types humains recréés, la richesse des intonations émotionnelles - solennité, grâce, ruse, fierté, coquetterie, etc. Rokotov dans les meilleurs portraits des années 1770. apparaît comme un maître des caractéristiques intimes, manifesté dans les nuances et les nuances des expressions faciales, mystérieusement scintillant du crépuscule des arrière-plans pittoresques. L'œuvre de V. L. Borovikovsky, qui a achevé la brillante floraison de l'art du portrait au XVIIIe siècle, a été marquée par l'influence des idées et des humeurs du sentimentalisme.

F. S. Rokotov. Portrait de A. P. Struiskaya (détail). 1772. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Avec le début du 19ème siècle des changements importants se produisent dans l'art russe. Le début du siècle est marqué par la naissance d'un nouveau courant artistique, le romantisme, dont le premier porte-parole est O. A. Kiprensky. La peinture russe doit la découverte de l'écriture de plein air dans le paysage à S. F. Shchedrin. A. G. Venetsianov devient le fondateur du genre quotidien russe. Se tournant pour la première fois vers l'image de la vie paysanne, il la montra comme un monde plein d'harmonie, de grandeur et de beauté. Contrairement à l'opposition entre « nature simple » et « nature élégante » qui existait dans l'esthétique académique, l'élégant a été découvert dans un domaine d'activité jusque-là considéré comme indigne de l'art. Dans le tableau de Venetsianov, pour la première fois, les paroles sincères de la nature rurale russe ont retenti. Excellent pédagogue, il élève une pléiade d'artistes, comme A. V. Tyranov, G. V. Soroka et bien d'autres. L'un des genres phares de leur travail, avec le paysage et le portrait, est l'intérieur. La composition de genre de l'art russe s'enrichit. Dépeignant la vie sous sa forme simple et non cérémonielle, dans le cours paisible de la vie quotidienne, dans des images de leur nature natale, ils ont rendu la beauté dans l'art à la mesure des sentiments des gens ordinaires qui perçoivent la beauté et la poésie comme des moments de repos et de silence, gagné des soucis et des travaux quotidiens. En même temps, un système visuel émerge qui s'oppose à l'école académique, un système basé non pas sur les schémas traditionnels du passé, mais sur la recherche de schémas harmoniques et de poésie dans la réalité quotidienne et quotidienne. Le réel envahit impérieusement l'art et débouche sur les années 40. à l'épanouissement du graphisme quotidien et satirique (V. F. Timm, A. A. Agin), qui est une analogie avec « l'école naturelle » en littérature. Cette ligne d'art culmine dans le travail de PA Fedotov, qui introduit un conflit dans l'image quotidienne, une action dramatique développée avec un arrière-plan social satirique, forçant l'environnement extérieur à servir les objectifs des caractéristiques sociales, morales et psychologiques ultérieures de les personnages. Repenser les formes traditionnelles de l'école académique donne lieu à des créations monumentales dans la peinture historique comme "Le dernier jour de Pompéi" de KP Bryullov, d'une part, et "L'apparition du Christ au peuple" d'AA Ivanov, d'autre part. autre. Ivanov a enrichi la peinture d'un développement psychologique approfondi, la découverte d'une nouvelle méthode d'étude pour travailler sur une grande toile. La sage assimilation de l'héritage classique, la vérification de ses préceptes par sa propre expérience de la peinture en plein air, l'échelle des concepts créatifs, l'attitude envers le don créatif comme une grande responsabilité pour éduquer le peuple et améliorer sa culture spirituelle - tout cela a fait de l'œuvre d'Ivanov non seulement une école de compétence, mais aussi une grande leçon d'humanisme dans l'art.

O. A. Kiprensky. Portrait d'un garçon A. A. Chelishchev. D'ACCORD. 1809. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Premier tiers du XIXe siècle - le stade le plus élevé du développement du classicisme dans l'architecture russe, généralement appelé Empire. La créativité architecturale de cette période n'est pas tant la conception parfaite de bâtiments individuels que l'art de l'organisation architecturale de grands espaces de rues et de places. Tels sont les ensembles d'urbanisme de Saint-Pétersbourg - l'Amirauté (architecte A. D. Zakharov), la Bourse à la pointe de l'île Vasilyevsky (architecte J. Thomas de Thomon), la cathédrale de Kazan (architecte A. N. Voronikhin). Les ensembles de KI Rossi, l'auteur du bâtiment de l'état-major général, qui a achevé la composition de la place du palais, et le complexe de bâtiments, de rues et de places autour du théâtre d'Alexandrie à Saint-Pétersbourg, conçu par lui, sont marqués par une portée grandiose de l'urbanisme.

V. A. Tropinine. Portrait du fils d'Arsène Tropinine. 1818. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Depuis le début des années 1860, depuis l'abolition du servage, l'art russe fait l'objet d'une critique aiguë et parle ainsi de la nécessité de transformations sociales fondamentales. L'art l'a déclaré, dépeignant le mal de l'injustice sociale, exposant les vices et les ulcères de la société (la plupart des œuvres de V. G. Perov des années 1860). Il oppose la stagnation de la vie moderne au pouvoir transformateur des époques historiques critiques (peintures de V.I. Surikov des années 1880).

S. F. Shchedrin. Nuit au clair de lune à Naples. 1828-1829. Toile, huile. Musée d'État russe.

La combinaison de la vérité des personnages et des circonstances avec une représentation véridique de la vie sous les formes dans lesquelles elle est perçue dans l'expérience ordinaire et quotidienne, est une caractéristique du réalisme critique, ou démocratique, conformément à laquelle l'art russe avancé s'est développé depuis le début des années 1860. Le milieu nutritif et le public principal de ce nouvel art était l'intelligentsia raznochintsy. L'apogée du réalisme démocratique dans la seconde moitié du XIXe siècle. associé aux activités de l'Association des expositions itinérantes d'art fondée en 1870 (voir Wanderers). Le leader idéologique et organisateur des Wanderers était I. N. Kramskoy, l'un des artistes les plus profonds, un théoricien, critique et enseignant talentueux. Sous son influence directrice, le TPES a contribué à la consolidation des forces artistiques avancées, à l'expansion et à la démocratisation du public grâce à la disponibilité du langage artistique, à la couverture complète des phénomènes de la vie populaire, à la capacité de rendre l'art socialement sensible, capable de mettre en avant des sujets et des enjeux qui concernent la société à un moment historique donné.

A. I. Kuindzhi. Soirée en Ukraine. 1878. Huile sur toile. Musée d'État russe. Léningrad.

Dans les années 1860 la peinture de genre a dominé, dans les années 70, le rôle du portrait (V. G. Perov, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko) et du paysage (A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I (I. Shishkin, A. I. Kuindzhi, V. D. Polenov). Un rôle majeur dans la promotion de l'art des Wanderers appartenait au remarquable critique d'art et historien de l'art V. V. Stasov. Dans le même temps, l'activité de collecte de P. M. Tretyakov se développait. Sa galerie (voir la galerie Tretiakov) devient le fief de la nouvelle école réaliste, le profil de sa collection est déterminé par les œuvres des Wanderers.

La prochaine période de l'art russe est la fin du 19e - le début du 20e siècle. Les années 1980 ont été une décennie de transition, lorsque le réalisme errant a atteint son apogée dans le travail de I. E. Repin et V. I. Surikov. Au cours de ces années, des chefs-d'œuvre de la peinture russe ont été créés tels que "Matin de l'exécution de Streltsy", "Boyar Morozova" de VI Surikov, "Procession religieuse dans le gouvernorat de Koursk", "Arrestation de la propagande", "Ils n'ont pas attendu" par IE Répine. À côté d'eux se trouvent des artistes d'une nouvelle génération avec un programme créatif différent - V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin. Les contradictions du développement du capitalisme bourgeois tardif exercent leur influence sur la vie spirituelle de la société. Dans l'esprit des artistes, le monde réel est marqué par le stigmate de la cupidité bourgeoise et de la mesquinerie des intérêts. Ils commencent à rechercher l'harmonie et la beauté en dehors de l'apparente réalité prosaïque - dans le domaine de la fantaisie artistique. Sur cette base, l'intérêt pour les contes de fées, les intrigues allégoriques et mythologiques ravive (V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubel), ce qui conduit à la recherche d'une telle forme artistique capable de transférer l'imagination du spectateur dans la sphère des représentations folkloriques, souvenirs du passé ou vagues prémonitions de l'avenir. La prédominance des images et des formes qui expriment indirectement le contenu de la modernité sur les formes de sa réflexion directe est l'un des traits distinctifs de l'art de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. La complexité du langage artistique caractérise le travail des représentants du "Monde de l'Art" - un groupe artistique qui s'est formé au tournant des XIXe et XXe siècles.

V.M. Vasnetsov. Alyonouchka. 1881. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Le style Art nouveau devient décisif à cette période. Parallèlement à la peinture, l'architecture se développe activement, dans laquelle dominent le style Art nouveau, les arts et l'artisanat, le graphisme du livre, la sculpture et l'art théâtral et décoratif. Les domaines d'application de la créativité artistique se développent énormément, mais l'interaction et l'influence mutuelle de tous ces domaines sont plus importantes. Dans ces conditions se forme un type d'artiste universel, capable de « tout faire » - peindre un tableau et un panneau décoratif, réaliser une vignette pour un livre et une peinture monumentale, façonner une sculpture et créer une esquisse de un costume de théâtre. À des degrés divers, les caractéristiques d'un tel universalisme sont marquées, par exemple, par le travail de M. A. Vrubel et du principal architecte du style Art nouveau en Russie, F. O. Shekhtel, ainsi que par les artistes du monde de l'art.

Les étapes les plus importantes de l'évolution de la peinture russe au tournant du siècle ont été marquées par les œuvres de VA Serov, dont le travail est imprégné du désir, en utilisant de nouvelles formes stylistiques, d'éviter les extrêmes formalistes, d'atteindre la clarté et la simplicité classiques, tout en restant fidèle aux préceptes de l'école réaliste, son humanisme, dans lequel sobre - une vision critique du monde se conjugue avec une idée de la haute finalité de l'homme.

A.K. Savrassov. Les Rooks sont arrivés. 1871. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

La vie artistique au début du XXe siècle. est d'une intensité sans précédent. Événements révolutionnaires de 1905-1907 a stimulé le développement de l'art socialement actif. Les œuvres de N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov et d'autres incarnaient les événements sociaux et sociaux les plus importants de ces années, l'image du travailleur comme principale force de la révolution. De nombreux maîtres travaillent dans le domaine des graphiques politiques satiriques et des dessins animés de magazines.

L'éventail des traditions artistiques auxquelles se réfère l'art du XXe siècle est exceptionnellement large. Parallèlement au mouvement errant qui continue sa vie, il existe une variante de la peinture impressionniste parmi les maîtres de l'Union des artistes russes, le symbolisme, représenté par l'œuvre de V. E. Borisov-Musatov et les artistes de l'association Blue Rose.

K. A. Korovine. En hiver. 1894. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

La volonté d'actualiser le langage artistique en se référant au style de l'artisanat urbain et de l'art populaire, des jouets, des estampes populaires, des enseignes, des dessins d'enfants, tout en tenant compte de l'expérience de la dernière peinture française, caractérise les activités des artistes du " Jack of Diamonds" - une société organisée en 1910. Dans le travail des maîtres de ces directions - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov - le rôle de la nature morte augmente considérablement. Les traditions de la peinture russe ancienne reçoivent une nouvelle réfraction dans l'art de K. S. Petrov-Vodkin.

F. A. Vasiliev. Avant la pluie 1869. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Atteint une ascension significative au tournant des XIX-XX siècles. sculpture. P. P. Trubetskoy y introduit des caractéristiques impressionnistes. Ses compositions de portraits se distinguent par l'acuité de l'instant de vie capturé, la richesse des nuances subtiles. Travaillant dans des matériaux souples, Trubetskoy a rendu à la sculpture le sens perdu du matériau, la compréhension de ses propriétés expressives. Le monument à Alexandre III, créé par Trubetskoy en 1909, est un exemple unique de la solution grotesque de l'image dans l'histoire des monuments. Le monument à N.V. Gogol, créé par N.A. Andreev (1909), fait partie des réalisations remarquables de la sculpture monumentale.

Dans la sculpture de 1912 "Homme assis" de A. S. Golubkina, une image apparaît qui synthétise les idées sur le sort du prolétaire moderne - c'est un symbole temporairement enchaîné, mais plein d'un esprit de force rebelle. La créativité de S. T. Konenkov se distingue par une variété de genres et de formes stylistiques. Les véritables impressions des batailles révolutionnaires sont incarnées par le sculpteur dans le portrait "Ouvrier-militant de 1905 Ivan Churkin". Non seulement les traits du visage, mais aussi la solidité du bloc de pierre, soulignée par l'avarice du traitement, donnent naissance à une image de volonté indestructible, trempée dans le feu des batailles de classe. Les traditions de la sculpture classique sont ravivées dans le travail de A. T. Matveev.

S. A. Korovine. Sur le monde. 1893. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Le désir de repenser et de ressusciter à une nouvelle vie presque toutes les images et formes inventées par l'humanité au cours des siècles d'histoire, et en même temps des expérimentations formelles, atteignant parfois le déni de toutes les traditions - telles sont les manifestations extrêmes de la situation artistique dans l'art russe du début du XXe siècle. Cependant, ces extrêmes eux-mêmes étaient un indicateur du conflit interne profond de la vie russe à la veille de la révolution et reflétaient à leur manière la complexité de l'époque, qui, selon A. Blok, a apporté "des changements inouïs, des révoltes sans précédent". ." Dans ces conditions, cette sensibilité aux phénomènes de l'époque s'est développée, que, associée à une haute culture artisanale, les meilleurs artistes de la période pré-révolutionnaire ont apportée à l'art soviétique (voir.

Début du 18ème siècle pour la Russie, il a été marqué par une rupture du mode de vie habituel, un virage vers l'imitation des modèles culturels occidentaux, qui embrassaient principalement la noblesse métropolitaine et provinciale. Art de la Russie depuis le début du XVIIIe siècle. devient laïc. Des types et des genres d'arts spatiaux jusque-là inconnus apparaissent : gravure, monument, portrait sculptural, architecture de paysage, etc. L'émergence de nouveaux types et genres d'art a été associée à la nécessité de créer des dessins et des cartes de Saint-Pétersbourg en construction, pour refléter les victoires de l'armée et de la marine russes.

Un système de formation professionnelle pour graveurs, sculpteurs et peintres et architectes est en train d'émerger. Souvent, des maîtres reconnus invités de l'étranger font office d'enseignants. Plusieurs styles artistiques viennent d'Europe en Russie - baroque et rococo, classicisme, réalisme des Lumières, et plus tard - sentimentalisme et pré-romantisme. Ainsi, les processus artistiques en Russie sont de plus en plus étroitement liés aux processus paneuropéens, seul l'art populaire reste fidèle aux modèles et méthodes d'activité traditionnels.
Le style artistique phare de la première moitié du XVIIIe siècle. Le baroque devient en Russie - le style de l'absolutisme, incarnant la splendeur et la puissance de l'autocratie russe. Le baroque russe différait de l'Europe occidentale par son pathos optimiste et ses débuts positifs. L'essentiel du baroque russe est la construction de palais dans la nouvelle capitale de la Russie - Saint-Pétersbourg.

B.-K. Rastrelli.
Buste de Pierre Ier 1723-1729
Sur la cuirasse de Pierre - images en relief de la bataille de Poltava. Et aussi l'image de Pierre dans la tenue des empereurs romains, sculptant une figure féminine avec un sceptre et un orbe

En 1706, la Chancellerie des affaires de la ville a été créée pour gérer les travaux de construction, dirigée par U.A. Sinyavin. Sur la rive gauche de la Neva, la construction d'une forteresse-chantier naval de l'Amirauté a commencé.
En 1710-1711. Le premier palais d'hiver de Pierre Ier a été construit.Le bâtiment de deux étages, couvert d'un haut toit, était décoré d'un petit portail orné et de pilastres étroits. En 1726-1727. l'architecte Dominico Trezzini a ajouté deux ailes au bâtiment et a souligné son centre avec quatre colonnes.

Vers la fin des années 1720. l'image de Pétersbourg était déterminée. En 1737, la Commission sur la construction de Saint-Pétersbourg a été créée, sa partie architecturale était dirigée par P.M. Eropkine. La commission a élaboré un plan directeur pour la capitale, selon lequel le centre a été transféré du côté de l'Amirauté. Les directions des trois principales autoroutes de la ville, divergeant de la tour de l'Amirauté, ont été tracées. I. K. Korobov (1700/1701-1747) a proposé de construire une tour de l'Amirauté en pierre de soixante-dix mètres avec une haute flèche dorée et une girouette en forme de navire.
Toute la région centrale a été ordonnée de n'être construite qu'avec des bâtiments en pierre. Le type de construction prédominant à cette époque était un domaine-palais dans la capitale ou dans sa banlieue.

L'apogée de l'architecture russe au milieu du XVIIIe siècle. associé au style baroque et au nom de Francesco Bartolomeo Rastrelli (1700-1771), qui a combiné dans son travail les caractéristiques du baroque d'Europe occidentale et son incarnation dite "Narychkine". Arrivé à Saint-Pétersbourg à l'âge de 16 ans, Rastrelli est allé deux fois à l'étranger, commençant à travailler de manière indépendante sous le règne d'Anna Ioannovna. Ses premiers bâtiments furent le palais en bois Winter Annenhof à Moscou et le palais d'été près du Kremlin. Rastrelli a construit le troisième palais d'hiver à Saint-Pétersbourg, combinant les maisons d'Apraksin et de Kikin et construisant deux nouveaux bâtiments aux angles du côté de l'Amirauté. Les façades du palais, s'étendant le long de la Neva sur près de 150 m, conservaient encore les caractéristiques du baroque de Pierre le Grand, mais la main de Rastrelli se faisait déjà sentir dans la conception de plusieurs pièces intérieures - la salle du trône, le hall d'entrée et le Théâtre.

En 1749, Elizabeth publie un décret sur la construction du monastère de Smolny. La construction de la cathédrale, commencée en 1748, fut suspendue faute de fonds. Rastrelli ne l'a jamais terminé, mais le bâtiment créé était l'une de ses créations remarquables.
Travaillant à la construction du monastère de Smolny, Rastrelli reçoit l'ordre de l'impératrice de commencer les travaux de reconstruction du grand palais de Peterhof. L'architecte a reçu une condition: préserver le complexe de bâtiments laissé par Peter, agrandissant considérablement le palais.

La création la plus parfaite de Rastrelli est le Grand Palais ou Palais de Catherine à Tsarskoïe Selo, dont la construction a été réalisée de 1752 à 1757. La construction du palais, commencée plus tôt, n'a pas satisfait Elizabeth. Rastrelli transforme le palais en une immense suite de salles, érige des pavillons de parc dans un vaste jardin régulier. L'autre côté du palais fait face à une immense cour, délimitée par des bâtiments à un étage. L'enfilade de pièces dans la partie centrale du palais avait une finition magnifique - sculptures en bois doré, peinture au plafond.

Au centre de Saint-Pétersbourg, Rastrelli a érigé le quatrième Palais d'Hiver. Conservé presque inchangé, le Palais, apogée du baroque russe, a été construit sous la forme d'un quadrilatère fermé avec une vaste cour, sa taille domine l'espace environnant. D'innombrables colonnes se rassemblent maintenant en groupes, particulièrement pittoresques aux angles du bâtiment, puis se séparent. Il y a des dizaines de vases décoratifs et de statues sur la balustrade du toit. Chaque façade Rastrelli conçu différemment. Ainsi, la façade nord, face à la Neva, s'étire comme un mur plus ou moins égal, sans rebords apparents. La façade sud donnant sur la place du Palais a sept articulations et est la principale. Son centre est mis en valeur par un large rhizolithe richement décoré, traversé par trois arcs d'entrée. Parmi les façades latérales, la plus expressive est celle de l'ouest, face à l'Amirauté. De l'intérieur du palais, créé par Rastrelli, l'Escalier du Jourdain et en partie la Grande Église ont conservé l'aspect baroque. Après l'accession au trône de Catherine II, Rastrelli cessa de recevoir des commandes, la cour n'aimait pas le style baroque. Le 23 octobre 1763 Catherine décide de destituer Rastrelli du poste d'architecte en chef. En 1771, il soumet une demande d'admission à l'Académie impériale des sciences, la demande est accordée le 9 janvier 1771. La même année, Rastrelli meurt.

L'influence du travail de Rastrelli était également forte pour les architectes indépendants. L'un de ces artisans était S. I. Chevakinsky (1709/1713 - vers 1780), qui a construit la cathédrale navale Saint-Nicolas à deux étages.

L'une des peintures les plus appréciées du peuple a été écrite par Ivan Shishkin sur l'île de Gorodomlya, sur le lac Seliger dans la région de Tver. Tout le monde semble pouvoir l'imaginer si clairement sous ses yeux que certains détails importants sont souvent négligés, ce qui entraîne des délires. Tout d'abord, le tableau a été peint non seulement par Shishkin. Les ours préférés de tous ont été représentés par le célèbre peintre Konstantin Savitsky. On pense que Pavel Tretiakov a enlevé sa signature avec les mots que sur la toile "tout, du début à l'exécution, parle de la manière de Chichkine", mais ce n'est pas le cas non plus. En fait, le tableau a été initialement exposé avec les signatures de deux auteurs, et ce n'est qu'alors que Savitsky lui-même a demandé de retirer son nom. De plus, les gens confondent souvent le nom de l'œuvre - il s'avère être «Trois ours», bien qu'il y ait quatre ours, puis «Morning in a Pine Forest», bien que la forêt, par définition, soit du pin.

ALEXEY KONDRATIEVICH SAVRASOV

"Les Rooks sont arrivés"

L'histoire de la création du tableau le plus célèbre de Savrasov "The Rooks Have Arrived" reste encore floue: les opinions des chercheurs sur le lieu de son écriture divergent. Malgré la signature de l'auteur selon laquelle le village de Molvitino, province de Kostroma, a servi de sujet à ce travail, il existe une hypothèse selon laquelle le premier croquis a été créé à Yaroslavl. On suppose également que Savrasov a peint le tableau de mémoire et l'a finalement achevé alors qu'il était déjà à Moscou. Mais en même temps, les biographes de l'artiste affirment que le paysage a été peint le même jour.

Les Tours sont arrivées est très apprécié des contemporains : le tableau est aussitôt acquis par Pavel Tretiakov. Mais la photo a été un tel succès que l'auteur a commandé un grand nombre de ses répliques. Savrasov y a parfois apporté des modifications - toutes les peintures sont immédiatement allées dans différentes collections.

MIKHAÏL NESTEROV

"Vision à la jeunesse Barthélemy"

Lorsque le tableau de Nesterov a été présenté pour la première fois au public au début du XXe siècle, il a désagréablement frappé le public. De nombreux critiques, dont des artistes connus, ont crié haut et fort que ce tableau était « nocif ». À leur avis, Nesterov est presque entré dans le domaine des peintres d'icônes et ils ont jugé inacceptable de croiser une œuvre d'art avec une image d'église. Cependant, il y avait aussi ceux qui ont ressenti l'intention subtile de l'auteur, qui fige encore aujourd'hui le public devant l'image: l'artiste sur une toile a combiné le divin et le réel - les images d'un vieil homme et d'un garçon.

Nesterov lui-même était convaincu que ce tableau était son meilleur travail et, dans sa vieillesse, il aimait répéter: «Je ne vivrai pas. "Jeune Barthélemy" vivra. Maintenant, si dans trente, cinquante ans après ma mort, il dira encore quelque chose aux gens, alors il est vivant, alors je suis aussi vivant.

IVAN GLAZUNOV

« Crucifie-le !

Ivan Glazunov est le successeur de la dynastie créative, le fils du célèbre artiste Ilya Glazunov, souvent confondu avec le créateur du tableau Crucifie-le! Le fait est que le tableau "Crucifiez-le!" était le travail de fin d'études du jeune Ivan, mais il est généralement difficile pour les téléspectateurs d'imaginer qu'une toile aussi grandiose ait été créée par un étudiant. La toile, qui en 1994 a impressionné le comité de graduation par sa composition et sa performance, continue aujourd'hui de susciter à la fois admiration et débats houleux. L'image de Jésus ligoté sur la photo, entouré de personnes armées agressives, est souvent associée à l'image de la Russie.

Ce n'est pas un hasard si Ivan Glazunov s'est tourné vers l'image du Christ : son visage apparaissait souvent sur les toiles de son père, Ilya Glazunov. Puis l'appel de l'ancien Glazunov à l'image du saint a provoqué la colère des autorités soviétiques, aujourd'hui la dynastie des artistes est connue et respectée dans le monde entier.

MICHEL KLODT

"Bosquet de chênes"

Klodt s'est distingué parmi les peintres paysagistes russes du XIXe siècle en ce qu'il a toujours représenté la vie des villageois, sans l'embellir ni l'idéaliser. Dans ses peintures, l'artiste a retranscrit la vie et la nature telles qu'elles étaient sous ses yeux. Et pour obtenir une grande précision d'image, Klodt devait parfois réécrire ses toiles plusieurs fois. Son attention particulière aux détails est perceptible dans le tableau «Oak Grove», qui est également intéressant en ce que Klodt y viole délibérément les canons académiques - les plans proches et moyens sont clairement définis et l'arrière-plan est complètement absent.

Malgré la grande appréciation du travail de Klodt par ses contemporains, sa situation financière est toujours restée difficile, ce qui peut être attribué au manque d'esprit d'entreprise de l'artiste - il ne savait pas comment vendre avec succès ses peintures. Et les dernières années de la vie d'un maître fructueux se sont avérées particulièrement difficiles: Klodt était dans le besoin et a été obligé d'emprunter de l'argent à différentes personnes.

Igor Grabar

« Neige de mars »

Grabar a étudié à la Faculté de droit de l'Université de Saint-Pétersbourg, mais après avoir obtenu son diplôme, il a choisi de devenir artiste et en 1894, il est entré à l'Académie des arts, où a enseigné le célèbre peintre russe Ilya Efimovich Repin.

"March Snow" a été écrit par Grabar en 1904, alors qu'il rendait visite à son ami dans le village de Churilkovo près de Moscou. Sur la photo, l'artiste a voulu représenter une journée de mars ordinaire, tendant vers le coucher du soleil. Tout sur la toile parle de l'approche du printemps : la neige est sombre et saturée d'eau, et sur les toits des cases du village qu'on aperçoit au loin, il n'en reste plus du tout. Grabar a presque terminé le travail sur la toile, mais sur un chemin dégelé, il a accidentellement vu une fille se précipiter pour aller chercher de l'eau avec un joug et deux seaux - l'artiste a immédiatement décidé de changer l'intrigue de la toile et a capturé la figure d'une fille au centre de sa photo.

ARKHIP KUINDZHI

"Nuit au clair de lune sur le Dniepr"

Pour le tableau "Moonlight Night on the Dniepr", une exposition personnelle a été organisée - un fait sans précédent à l'époque. Kuindzhi était qualifié d '"artiste de la couleur" pour son amour du jeu des contrastes de lumière et d'ombre, sa capacité à transmettre efficacement les couchers de soleil ensoleillés et les nuits au clair de lune. Mais cette image a dépassé toutes les attentes du public et déjà au moment de la création a acquis une renommée sans précédent: Kramskoï, Mendeleïev, Tourgueniev et bien d'autres sont venus dans l'atelier de l'artiste pour admirer le paysage inhabituel. "Moonlight Night on the Dnieper" a été hâté d'être acquis par le grand-duc Konstantin Konstantinovich, qui, même lors d'un tour du monde, ne voulait pas s'en séparer. Au fil du temps, notamment en raison de l'air marin humide, le paysage a commencé à s'assombrir et, malheureusement, une grande partie de la richesse des demi-teintes de cette image est aujourd'hui perdue.

VASSILI POLENOV

"Automne doré"

"Golden Autumn" semble encore aujourd'hui incarner le rêve d'un citadin d'un paysage sans tracas quotidien. Avant de commencer à travailler, l'artiste a longuement erré le long des rives de l'Oka dans son propre domaine à la recherche d'une nature meilleure. Enfin, il a choisi un endroit sur une colline, d'où s'ouvrait l'une des meilleures vues panoramiques sur la rivière, que l'artiste avait déjà réussi à capturer dans les peintures «Early Snow» et «Eye in Summer». Cette fois, Polenov a voulu représenter non seulement le paysage qui lui tenait à cœur, mais aussi sa saison préférée - l'automne. Pour la composition du tableau "Golden Autumn", l'artiste a choisi une solution inhabituelle - il a capturé la rivière sous la forme d'un arc. Cette forme d'Oka, comme le notent les historiens de l'art, donne au paysage une complétude et aide l'œil du spectateur à faire un voyage visuel à travers la toile.

VASILY ANDREEVICH TROPININE

"Dentellière"

Le tableau du serf Tropinin "La Dentellière" est devenu célèbre grâce à une heureuse coïncidence. En guise de cadeau pour Pâques, Tropinin, qui avait été serf pendant 47 ans, a reçu sa liberté de son maître, le comte Morkov. Il s'est immédiatement rendu à Saint-Pétersbourg afin de réaliser son vieux rêve - recevoir un diplôme de l'Académie des Arts, où il avait auparavant étudié l'art du dessin. Parmi les autres tableaux qu'il a présentés devant la commission, il y avait La Dentellière. Ce voyage a changé toute la vie de l'ancien serf. Un an plus tard, l'artiste reçut le titre d'académicien et, en 1843, il fut élu membre honoraire de la Société d'art de Moscou.

L'image elle-même était un phénomène d'un nouveau genre de portrait, illustrant les joies ordinaires de la vie, et a ouvert l'artiste Tropinin à la société. On a surtout noté comment l'auteur a réussi à capturer le personnage d'une simple fille penchée sur son travail.

ISAAC ILYICH LEVITAN

"Automne doré"

L'œuvre de Lévitan dans son ensemble et précisément «l'automne doré» n'étaient pas trop courantes pour la peinture russe de cette époque. Levitan a introduit le concept de «paysage d'ambiance» dans la peinture russe, et «Golden Autumn» est l'une des œuvres les plus emblématiques et les plus appréciées du public dans cette veine.

Mais l'image n'est pas trop familière pour Levitan lui-même. L'artiste a consacré plus d'une centaine de toiles à l'automne, mais c'est dans celle-ci qu'il n'a pas reflété la tristesse traditionnelle en pareil cas. Au contraire, chaque élément de la toile semble éclairé par la lumière dorée du soleil. Les historiens de l'art associent ce fait à une période particulière de la vie de l'artiste: en peignant le tableau, Levitan était amoureux. Il existe une version selon laquelle l'auteur n'était pas satisfait de son travail et un an plus tard, il a peint un autre tableau du même nom - la nouvelle toile a déjà été réalisée de la manière familière à l'artiste.

GAVRIIL ROMANOVICH DERZHAVINE

"Monument"

Avec ce travail, Derzhavin a en fait transformé l'idée que la société se faisait des poètes, de la catégorie des "bouffons", il les a transférés à la catégorie des maîtres d'un genre sérieux. Au XVIIIe siècle, l'idée d'un poète bouffon contraint de subir les caprices et les moqueries de la cour était répandue. Le poème de Derzhavin, écrit en 1795, est devenu le premier ouvrage de la littérature russe, où le personnage principal était un poète-créateur avec l'estime de soi. L'auteur du "Monument" prend la défense du poète et parle de la nécessité de reconnaître le droit à la liberté de création. Plus tard, l'histoire de la création miraculeuse s'est incarnée dans le travail des contemporains de l'écrivain: Kapnist et Lomonosov. Ce thème a longtemps survécu à l'ère de Derzhavin lui-même - Pouchkine, Mayakovsky, Akhmatova y sont revenus.