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Le but de la leçon : créer les conditions pour révéler les traits de l'Art nouveau dans la peinture et l'architecture à travers le potentiel analytique et créatif des lycéens.

Tâches:

• exécution de travaux indépendants par des lycéens en groupe (analyse d'œuvres d'art);
• familiarisation des étudiants avec une variété d'approches créatives grâce à du matériel visuel et de démonstration;
• effectuer un travail créatif sur la création d'un motif ornemental dans le style Art nouveau;
• démonstration de la perception subjective par les lycéens des enjeux moraux du style artistique.

Matériel de cours :

• présentation informatique (ordinateur, projecteur, écran);
• ordinateurs avec accès Internet;
• cahiers, crayons de couleur.

Planification de cours schématique détaillée :

PENDANT LES COURS

I. Salutation

Annonces de travaux créatifs à venir pour créer un dessin dans un nouveau style. Démonstration de trois œuvres dans un nouveau style (non étudié) : « Kiss » de G. Klimt, « Demon » de M. Vrubel, « House of Mila » de A. Gaudi ( Pièce jointe 1 , diapositive 1)

II. Prof:

- Rappelons-nous ce que nous avons décrit dans la dernière leçon (Deux pommes, l'une dans l'esprit de l'impressionnisme, et l'autre dans le post-impressionnisme).

En quoi ces deux pommes sont-elles différentes ? (On note le moyen d'expression et l'idée qui est investie dans cette image, ce qui en sera significatif pour les impressionnistes et les postimpressionnistes)
– Qu'en pensez-vous, quels moyens d'expression de l'impressionnisme ou du post-impressionnisme sont utilisés dans les œuvres présentées ? (En termes d'expressivité, ces œuvres seront proches du post-impressionnisme, grâce au motif linéaire, à la clarté de la silhouette)
Sortir: L'essentiel c'est les images symbole

Association d'artistes "Monde de l'Art" "Sécession" (diapo 10).
L'Art nouveau se concentre sur les traditions opposées à l'Antiquité et à la Renaissance, sur l'art pré-Renaissance, sur le Moyen Âge russe et occidental (diapositive 11).
Le moderne se caractérise par une soif d'images "hybrides" - sirènes, centaures, sphinx (diapos 12-16).
Des symboles étranges de l'obscurité et de la nuit sont utilisés. La palette de couleurs de Modern crée chez le spectateur le sentiment d'être dans le royaume sous-marin, dans le monde des symboles à valeurs multiples (diapos 17-19).
Les rêves sur le beau, d'un autre monde sont caractéristiques (diapos 20-21).
Il y a un engagement envers les images de la nature et en particulier envers l'élément eau. Il cherche à rétablir le lien entre l'homme et la nature, qui se manifeste par la large pénétration des motifs "végétaux" (diapos 22-29).
Design ouvert moderne. Unité de style et d'ensemble (diapos 30-31).
Un objet, un motif est le signe d'un contenu différent, universel et éternel. Externe et interne, visible et invisible sont indissociables.
Le moderne est sujet à la stylisation (diapositive 33).

La tâche: Parmi les mots proposés, ne sélectionnez que ceux qui seront caractéristiques du style Art nouveau.
Mots : beauté, vide, spiritualité, réalisme, symbole, splendeur, décor, harmonie, frivolité, primitivité, euphémisme, récit, nationalité, orientalisme, canonicité., expression de soi.

La tâche: Imaginez et décrivez ce qui suit :

• Forces de style (beauté, synthèse des arts, expression de soi, etc.)
• Faiblesses de style (incompréhensibilité des symboles, éloignement de la réalité)
• Possibilités de style ("La beauté sauvera le monde", large application dans le design)
• Risques (coût élevé du projet, dû à la liberté d'expression, aller dans le chaos - modernisme))

VI. travail créatif

Image d'une fleur dans le style Art Nouveau. Les diapositives 34, 35 sont présentées avant le travail créatif Applications 1 , où les lycéens parmi les emblèmes proposés de différents arts choisissent ceux réalisés dans le style Art Nouveau.
Au tableau, le professeur représente une fleur ordinaire de forme simple. Les élèves du gymnase sont invités à représenter cette fleur dans l'esprit de l'Art nouveau, en compliquant sa forme en ajoutant un motif ornemental.

Exemple de création réalisée

v. Parmi les aphorismes, citations, énoncés proposés, les élèves sont invités à choisir le plus représentatif du sujet de la leçon.

• « Dès le début, le nouvel art était prétentieux et narcissique. Cela conduisait inévitablement à toutes sortes d'exagérations, d'incohérences et d'extravagances..."
• "Celui qu'une personne entreprend de représenter, il se joue toujours en même temps" ( M. Monten b)
• "La peinture est quelque chose de semblable entre une pensée et une chose" ( S.Coleridge)
• "La présence personnelle nuit à la gloire" ( F. Pétrarque)
• "Une grande partie de ce qui s'appelle l'art moderne babille sur ce qui a déjà été clairement dit par l'art ancien"
• « Une maison doit aller à son propriétaire comme une robe parfaitement taillée » architecte ( V. Orta)
• "Je regarde ce film pour la quatrième fois et je dois vous dire qu'aujourd'hui les acteurs ont joué comme jamais" ( F. Ranevskaïa)

Moderne style dans l'art européen et américain de la fin du XIXe - début du XXe siècle (du français moderne- dernier, moderne).

Dans différents pays ont reçu des noms différents: en Russie - "moderne",

en France, Belgique et Angleterre - "Art Nouveau",

en Allemagne - "Art Nouveau",

en Autriche-Hongrie - "sécession",

en Italie - "liberté" etc.

La base idéologique de l'émergence de la modernité était les vues philosophiques et esthétiques de F. Nietzsche, A. Bergenson et d'autres. Selon ses théoriciens, la modernité aurait dû devenir un mode de vie d'une nouvelle société, créer un environnement objet-spatial intégral et esthétiquement riche autour d'une personne.

Dans les années 1860-1870, le style éclectique domine l'Europe, qui consistait à citer et à répéter des styles artistiques antérieurs. Mais déjà dans années 1880 dans les œuvres d'un certain nombre de maîtres, un nouveau style a commencé à se développer, qui oppose l'éclectisme aux nouvelles techniques artistiques. William Morris (1834-1869) a créé des meubles d'inspiration florale et Arthur McMurdo (1851-1942) a utilisé des motifs élégants et ondulés dans les graphiques de livres. La caractéristique la plus remarquable de la modernité était rejet des angles droits et des lignes au profit de lignes courbes plus lisses. Souvent, les artistes ont pris des ornements du monde végétal comme base de leurs dessins. "Carte de visite" de ce style était la broderie de Hermann Obrist « Frappe du Fléau ». C'est ainsi qu'est né le style Art nouveau. ». L'Art nouveau s'est efforcé de devenir un style synthétique unique dans lequel tous les éléments de l'environnement humain étaient fabriqués dans la même tonalité.

Cercle des idées moderne souvent emprunté à symbolisme. mais L'Art nouveau se distinguait par des incohérences internes: il était axé sur un goût raffiné et raffiné, soutenait les principes de «l'art pour l'art» et s'efforçait en même temps de servir et «d'éduquer» le consommateur de masse.

Valeur exceptionnelle dans la modernité avait principes particuliers mise en forme . Ils étaient dans assimilation des formes et structures naturelles et organiques . lieu important dans la pratique artistique L'Art nouveau occupé ornement, surtout légume.

Couleurs modernes - majoritairement tons froids et ternes .

Pour la peinture moderne typiquement début décoratif accentué, travail ponctuel et rôle exclusif des lignes et des contours lisses.

caractéristique de l'ère moderne était un programme l'universalisme des artistes engagés dans une grande variété d'activités artistiques. Cela s'est particulièrement clairement manifesté dans le travail des maîtres de l'association "World of Art" et du cercle Abramtsevo près de Moscou, dont beaucoup étaient à la fois peintres et écrivains.

mi graphistes, décorateurs,

créateurs de mode, etc.

Avec peinture Art Nouveau associés P. Gauguin, M. Denis,

P. Bonnard en France, G. Klimt en Autriche, E. Munch

en Norvège, M. Vrubel, V. Vasnetsov, A. Benois,

L. Bakst, A. Golovin, K. Somov en Russie.

Fin des années 1880 en France P. Gauguin et un groupe de ses disciples, appelant à suivre les "profondeurs mystérieuses de la pensée", s'est approché du symbolisme. Dans les années 1890 et en France (groupe "Nabi"), et dans d'autres pays, le symbolisme a trouvé une justification stylistique assez large dans le "moderne", devenant un élément inséparable et souvent déterminant de ses programmes artistiques, de sa structure de contenu figuratif et de sa poétique. P. Gauguin est le père fondateur du symbolisme.

Avec le "Christ vert", la création du "Christ jaune" est considérée comme l'une des œuvres phares de Gauguin dans le symbolisme.

Maurice Denis - Peintre symboliste français. A partir de 1887, Maurice Denis étudie à Paris à l'Académie Julian et à l'Ecole des Beaux-Arts. Influencé par Paul Gauguin. Avec Pierre Bonnard, Paul Sérusier et Edouard Vuillard Maurice Denis fonde un groupe artistique "Nabi" Et considéré comme son théoricien le plus éminent. Conformément aux idées de cette direction de la peinture, Maurice Denis peint des tableaux qui se distinguent par la simplicité des formes, la douceur des lignes et la pâleur des couleurs. Durant ces années, Denis reçoit le surnom de « Nabi des belles icônes », que lui confère le caractère simplifié et un peu archaïque de sa peinture. En 1919, Maurice Denis participe à la création des "Ateliers d'Art Religieux", est à la tête de l'association "néotraditionaliste

Tendance "ciel" dans la peinture française A l'âge de vingt ans, Denis fait la déclaration suivante, qui est souvent considérée comme la clé pour comprendre la peinture moderne : "Souvenez-vous que le tableau - avant de représenter un cheval de guerre, ou une femme nue, ou toute anecdote - est plat surface recouverte de peintures dans un certain ordre. Cette perception de l'art a finalement conduit la peinture à l'abstraction.

Pierre Bonnard- Peintre, dessinateur, lithographe français. Peintre - néo-impressionniste, symboliste. A étudié le droit dans sa jeunesse. La gravure japonaise classique, ainsi que l'œuvre du célèbre peintre Paul Gauguin, ont eu une énorme influence sur son travail. Pendant un certain temps, Bonnard a fait partie d'un groupe de jeunes peintres organisé par Gauguin lui-même et fortement influencé par les œuvres symboliques-synthétiques de son fondateur. On disait de lui : "Il sait décorer les côtés de nos vies avec des motifs spirituels et chatoyants de son imagination." La beauté sensuelle et festive de ses toiles a été donnée par une combinaison habile du rythme souple des lignes avec de subtils contrastes de couleurs. Bonnard était dans l'art groupe "Nabi", recherche de l'image à travers la simplification de la couleur, du dessin et de l'intrigue, ce qui se reflète pleinement dans ses œuvres, non seulement picturales, mais aussi lithographiques. Maîtrisant parfaitement le langage de la couleur et des lignes, il transfère l'essentiel de la charge sémantique de ses œuvres à la voie de l'expression de soi. Couleur chaude et enveloppante, confort pittoresque, contemplation de l'auteur remplissent toutes les œuvres de Bonnard. Le nom de cet artiste est étroitement associé au concept de «l'école parisienne», qui a diffusé dans le monde une vision particulière du monde des jeunes artistes français.

Gustave Klimt(1862-1918), le peintre autrichien le plus célèbre. Un des plus d'éminents représentants du style Art nouveau. Né dans la banlieue de Vienne dans la famille d'un graveur. Diplômée de l'Ecole des Arts Décoratifs de Vienne. Ses premières œuvres consistaient principalement en de grandes fresques de théâtre et étaient peintes dans un style naturaliste. Les peintures de Klimt combinent deux forces opposées ; une côtés- c'est une soif de liberté absolue dans la représentation des objets, qui conduit à un jeu de formes ornementales. Ces œuvres sont en fait symboliques et doivent être considérées dans le contexte du symbolisme comme l'expression d'un monde inaccessible au-dessus du temps et de la réalité. Avec un autre côtés- c'est le pouvoir de perception de la nature, dont l'influence adoucit la splendeur de l'ornementation dans ses peintures.

Baiser 1908 .

Frise de Beethoven 1902 .

Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel était à l'origine du symbolisme russe en Russie. Il s'est tourné vers le symbole pour tenter de dépeindre l'irreprésentable, de comprendre l'inconnu, de voir l'invisible. Le véritable élément des peintures de Vroubel est le silence, le silence, qui semble être entendu. Son monde est plongé dans le silence. Il dépeint des moments indescriptibles, des sentiments qui ne tiennent pas dans les mots. Le duel silencieux des cœurs, des vues, de la méditation profonde, de la communication spirituelle silencieuse s'exprime dans le symbolisme que l'on peut voir dans ses peintures. Au tournant du siècle, la direction des goûts a changé, maintenant le public a lu Ibsen, les symbolistes, ont visité le théâtre d'art. Et il y avait une reconnaissance de Vroubel. Sur fond de nouvelles tendances, la structure émotionnelle de son art, sa symbolique, son culte deviennent de plus en plus intelligibles et acceptables. beauté et secrets.

Princesse Greza 1895.

Fille sur le fond du tapis persan

Un ange avec un encensoir et une bougie, Une tête de démon sur fond de montagnes, Un démon assis, Un démon volant, Un démon vaincu,

Portrait d'un fils, Lamentation funèbre, Vierge à l'Enfant, Pieta, Rose dans un verre,

Vasnetsov Viktor Mikhaïlovitch (1848–1926) grand artiste russe, l'un des fondateurs de la modernité russe dans sa version national-romantique. Vasnetsov - fondateur d'un "style russe" spécial dans le symbolisme et la modernité paneuropéens, le peintre Vasnetsov a transformé le genre historique russe, combinant les motifs du Moyen Âge avec l'atmosphère passionnante d'une légende poétique ou d'un conte de fées ; cependant, les contes eux-mêmes deviennent souvent les thèmes de ses grandes toiles.

Des principes à la russe" le maître s'est également développé dans le domaine de l'architecture et du design: selon les croquis de Vasnetsov, stylisant l'antiquité russe ancienne, l'église du Sauveur non faite par les mains (1881–1882) et la cabane sur les cuisses de poulet (1883) ont été érigées à Abramtsevo, et à Moscou - une croix commémorative sur le site du meurtre du grand-duc Sergei Alexandrovich au Kremlin (1905, détruite sous le régime soviétique, recréée sur le territoire du monastère de Moscou Novospassky) et la façade de la galerie Tretiakov (1906).

Bogatyrs, Alyonushka, Ivan Tsarevich sur un loup gris, Princesse - une grenouille, Trois princesses du royaume sombre, Sirin et Alkonost, Chevalier à la croisée des chemins, Tapis volant, Tsar Ivan le Terrible, Après la bataille d'Igor Sviatoslavovitch avec les Polovtsy, Le combat de Dobrynya Nikitich avec un dragon à trois têtes

Benois Alexandre Nikolaïevitch (1870-1960) graphiste, peintre, artiste de théâtre, éditeur, écrivain, l'un des auteurs de l'image moderne du livre. Représentant de la modernité russe. On parlait de lui comme d'un critique d'art de talent qui renversait les idées reçues sur le développement de l'art domestique.A. Benois est devenu l'un des organisateurs et idéologues de l'association artistique "World of Art", a fondé le magazine du même nom.

Au cours de sa vie, Alexander Nikolaevich Benois a été à la tête de la partie artistique de l'entreprise de Diaghilev, où il a souvent participé à ses Saisons russes. Il a également réussi à travailler en tant que directeur et artiste du Théâtre d'art de Moscou. Dans l'œuvre de l'artiste Benois, l'histoire l'a emporté de manière décisive. Deux sujets attiraient invariablement son attention : « Pétersbourg au XVIIIe - début du XIXe siècle ». et "La France de Louis XIV". La place principale dans les œuvres d'A. Benois était occupée par les paysages. Sur ses toiles, l'artiste a exprimé l'idée de l'éternité de la nature et des créations créées par des mains humaines, et s'est concentré sur la fugacité et la fugacité de la vie humaine. C'était le paysage qui reflétait pleinement la vision du monde de l'artiste. Benois dépeint la vie de cour, dans laquelle il met l'accent sur la conventionnalité, oppose sa beauté artificielle à la prose de la vie réelle. Le paysage Benois rappelle les décors historiques, stylisés comme l'art de l'ère de l'absolutisme. Il n'y a pas de sens vif de la couleur dans le coloriage de Benoit.

Promenade du roi, Parade sous Paul Ier, Comédie italienne, Apollon et Daphné, Pierre Ier en promenade dans le jardin d'été, Pavillon chinois, Graphisme de livres, Esquisses de décors

Lev Samoïlovitch Bakst (1866-1924) n'est pas venu immédiatement à son système de pensée artistique, de manière créative originale. Au tout début du siècle, ses recherches créatives s'orientent vers le genre du portrait. Il crée portraits psychologiques aigus d'un grand philosophe et écrivain religieux russe VV Rozanova; organisateur des saisons russes S. P. Diaghilev. Dans ses portraits graphiques des poètes symbolistes Zinaida Gippius et Andrei Bely, l'artiste n'est pas inférieur aux œuvres de Serov et Somov en termes de compétence. Le style Art nouveau est le plus systématiquement réalisé par Bakst dans le tableau "Dîner". L'artiste a représenté une dame à une table avec des oranges. Son regard est dirigé vers le spectateur, la ligne de la figure est courbe. L'expressivité des lignes et des taches triomphe ici. Les esquisses ultérieures de costumes et de décors théâtraux de Bakst font écho à cette peinture avec leur harmonie et leur dynamique énergiques. La passion pour l'antiquité et un voyage avec Serov en 1907 en Grèce sont devenus pour Bakst une source de stylisation dans l'esprit de l'archaïsme grec. Cet intérêt pour l'Antiquité culmine dans le grand panneau décoratif Ancient Horror. L'artiste a dépeint la mort de la civilisation sous l'influence des éléments : la mer est prête à engloutir des temples antiques, des colonnes antiques, des rochers côtiers s'effondrent. Et au premier plan, dos à tout, Aphrodite est représentée avec un sourire figé, comme si elle ne remarquait pas la catastrophe. L'image semble assez arbitraire. L'idée de Bakst dans ce panel était évidemment que l'art ne peut pas périr. Le point culminant du développement du talent de Bakst a été son travail de conception, de théâtre et de décoration pendant la période des Saisons russes de Diaghilev à Paris à la fin de la première décennie du XXe siècle.

Golovine Alexandre Iakovlevitch (1899 - 1969)- Artiste russe, scénographe, représentant du symbolisme et de la modernité. Il était membre de l'association World of Art.À la fin du XIXe siècle, il s'est engagé dans la conception d'intérieurs, de meubles et d'ustensiles, a participé à la conception du pavillon russe à l'Exposition universelle de Paris (avec son ami KA Korovin; 1900) et la création de la frise en majolique de l'hôtel Metropol "(1900-1903).

Au début du siècle, il reçoit une invitation au théâtre. Le premier succès dans le nouveau domaine lui fut apporté par son travail au Théâtre Bolchoï (les opéras La Maison de glace d'AN Koreshchenko, 1900 ; et La Pucelle de Pskov de NA Rimsky-Korsakov, 1901). chefs-d'œuvre à Saint-Pétersbourg, où il fut invité en 1902 au poste d'artiste en chef des théâtres impériaux (Carmen J. Bizet, 1908, et Orphée et Eurydice KV Gluck, 1911, dans le Mariinsky; Orage AN Ostrovsky, 1916, et Masquerade M.Yu. Lermontov, 1917, dans l'Alexandrinsky ; etc.). Golo-vin a également travaillé pour l'entreprise de S.P. Diaghilev à Paris (I.F. Stravinsky's Firebird, 1910). Le nouveau et l'expressionnisme se mêlent aussi organiquement (Pavlovsk, 1910 ; Porcelaine et fleurs, 1915 ; les deux tableaux de la galerie Tretiakov, Moscou) Ses portraits théâtraux deviennent des documents d'art classiques.

Constantin Andreïevitch Somov (1869-1939), – peintre et gra-

fic, portraitiste, représentant de la Russie symbolisme et modernité. L'un des fondateurs

magazine "World of Art", membre de l'association du même nom.

La manière de Konstantin Somov correspondait à l'esthétique du "Monde de l'Art", alliant l'harmonie des rêves à la réalité, se distinguant par la nature poétique des images alliée au raffinement et à la spiritualité. Rétrospectivisme, élégiacité, raffinement sont inhérents à son travail.

Style moderneMHK, 11e année
Taran E.A.
Style moderne

Moderne - (moderne français - le dernier,
moderne) style art de la fin du XIX
dans. - début XX. Il a cherché en utilisant
nouveau technique et constructif
signifie, créer des objets d'art,
inhabituel dans l'apparence et la conception.

Caractéristiques stylistiques

Décoratif et dynamique, flexible et
ligne ondulée en mouvement
ornementalité
Fonctionnalité
source d'idéesnature
intérêt pour l'exotisme
Est, surtout
à l'art japonais

Une lignée vivante et volontaire domine
ornement de l'Art Nouveau, recevant dans son obstiné
courir une liberté sans précédent.

La ligne ondulée est devenue particulière
symbole de l'Art Nouveau, elle semblait être partie
des murs des bâtiments Art nouveau et est devenu une partie intégrante
partie du décor ou base de la forme, silhouette
candélabres et canapés, bracelets et
couvertures de magazines, tasses en porcelaine et
robe de femme. Cet ornement imprègne
tous les domaines des arts et métiers
et devient un signe indéniable de l'Art Nouveau.

L'Art nouveau a donné naissance à son propre ornement,
qui est sa marque de fabrique
carte. C'est ondulant, tordu
ligne dans beaucoup de ses matériaux
incarnations : tiges de liseron, vague, brins
cheveux, serpent

Fonctionnalité

Avant l'art
la tâche était
création
beau et
environnement confortable
"L'art pour tous"

MODERNE Moderne (du français moderne - moderne), Art Nouveau (art nouveau français, lit. "nouvel art"), Jugendstil (Jugendstil allemand - "style jeune") - une direction artistique dans l'art, la plus populaire dans la seconde moitié du XIX - début XXe siècle. Ses traits distinctifs sont : le rejet des lignes droites et des angles au profit de lignes plus naturelles, "naturelles", l'intérêt pour les nouvelles technologies (notamment en architecture), l'épanouissement des arts appliqués.

Gaudi Antonio () architecte espagnol ; Le représentant le plus brillant du style Art Nouveau; A travaillé à Barcelone

Gaudi a passé les dernières années de sa vie sur les murs de la cathédrale en construction. Il n'a pas pris d'argent pour son travail, au contraire, il a investi tous ses fonds dans la construction de la cathédrale. Lorsqu'un vieil homme vêtu de haillons a été percuté par un tramway, aucun des témoins du tragique incident n'a reconnu le célèbre architecte en lui. Gaudi a été enterré dans sa cathédrale, sous des arcs de "branches" de colonnes entrelacées. "Ce sera comme une forêt. Une douce lumière se déversera par les ouvertures des fenêtres à différentes hauteurs, et il vous semblera que les étoiles brillent"... C'est ainsi que Gaudi a vu la plus grande de ses créations.

Le parc Güell a été acheté par le gouvernement de Barcelone, le déclarant monument d'art. En 1969, le gouvernement espagnol lui a décerné le titre de Monument National. Et en 1984, l'UNESCO l'a déclaré Patrimoine de l'Humanisme. Ainsi, le Parc Guell est sous un triple protectorat. 26 Lors de l'examen final, l'un des professeurs a déclaré : « Gaudi est soit un fou, soit un génie. Depuis, ces deux mots sont le plus souvent utilisés pour décrire l'architecte et ses créations.

Style d'art moderne (fr. moderne - moderne) en Europe et
Art américain de la fin du XIX - début du XX siècles.
(autre nom de l'art nouveau).
Différents pays ont des noms différents pour le style.
"moderne":
"Art Nouveau" (Art Nouveau) en France, en Belgique,
"Jugendstil" (Jugendstil) en Allemagne,
« sécession » (Sezession) en Autriche,
"Liberté" en Italie

La marque de fabrique du style est la broderie "Coup du Fléau" ("Cyclamen") d'Hermann Obrist

La devise moderne est "Retour à la nature".
La principale caractéristique du style Art nouveau est la décoration,
le motif principal est une plante grimpante,
principe de base - assimilation
forme artificielle de matériaux naturels et
vice versa.
Moderne est un style raffiné pour
belle vie, style d'harmonie, facile
euphémisme, asymétrie et douceur
se plie.

Victor Horta

Victor Horta (Victor
Horta, 1861 -1947) -
Belge
architecte, l'un des
fondateurs de style
moderne (Art Nouveau) dans
architecture.

Victor Horta

Maison de Tassel
(Bruxelles, 1893)

Victor Horta. Maison de Gland. 1893. Bruxelles

Caractéristiques Art Nouveau

Repenser et styliser les traits des différentes époques.
Création d'un style synthétique unique basé sur
principes d'asymétrie, d'ornementation, de décoration.
Refus des lignes droites et des angles au profit des lisses,
lignes courbes qui suivent les contours de la nature
objets.
La combinaison de formes et de lignes typiques avec une haute
technologies qui offrent commodité et confort.
L'utilisation de divers matériaux dans la décoration:
métal, bois, verre, pierre, plâtre.
Conception de couleur - tons doux et sourds
vert clair, lilas, gris perle et riche
or et ocre

Grille en métal Art Nouveau

Le verre comme l'un des principaux matériaux de décoration

Hector Guimard

Hector GuimardHECTOR
GUIMARD (1867-1942
) - Français
architecte et designer.
Le plus intelligent
Représentant du style artistique
Nouveau en France.

Hector Guimard (1867-1942)

Développement de la conception
métro
1898-1904

Hector Guimard. Porte de l'hôtel Béranger. 1897-1898

Hector Guimard

E. Guimard. Sofa. 1897
E. Guimard. Treillis de balcon. 1909

L'intérieur de la pièce, créé dans ce style,
est un tout unique - divers modèles
se répètent dans les contours des meubles, représentés sur
tissus et peut être répété dans les accessoires.
Le moderne est apparu comme une destruction audacieuse du classique
traditions et, en même temps, a révélé un style
l'unité par l'unification d'éléments hétérogènes
nature des structures et des formes à travers
exposition au fluide enveloppant
décor ornemental.
L'Art nouveau était surtout connu pour
exposition universelle à Paris (1900). Après 1910
le sens de la modernité commençait à s'estomper.